El mobiliario moderno se refiere al mobiliario producido desde finales del siglo XIX hasta el presente que está influenciado por el modernismo . Los ideales posteriores a la Segunda Guerra Mundial de reducir el exceso, la mercantilización y la practicidad de los materiales en el diseño influyeron en gran medida en la estética del mobiliario. Fue un gran cambio con respecto a todo el diseño de muebles que lo había precedido. Hubo una oposición a las artes decorativas , que incluían los estilos Art Nouveau , Neoclásico y Victoriano . La madera tallada oscura o dorada y las telas con ricos estampados dieron paso a la brillante simplicidad y geometría del metal pulido. Las formas de los muebles evolucionaron de visualmente pesadas a visualmente ligeras. Este cambio de principios de diseño decorativos a minimalistas se puede atribuir a la introducción de nueva tecnología, cambios en la filosofía y las influencias de los principios de la arquitectura. Como expresa Philip Johnson , fundador del Departamento de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno : [1]
"Hoy en día el diseño industrial está motivado funcionalmente y sigue los mismos principios que la arquitectura moderna: simplicidad maquinista, suavidad de superficies, evitación del ornamento... Es quizás el contraste más fundamental entre los dos periodos del diseño que en 1900 poseían las Artes Decorativas..."
Con la estética de las máquinas , el mobiliario moderno pasó a promover fácilmente los módulos de fábrica, que enfatizaban los ideales de gestión del tiempo y eficiencia de la época. El diseño modernista pudo eliminar los elementos decorativos y centrarse en el diseño del objeto para ahorrar tiempo, dinero, material y mano de obra. El objetivo del diseño moderno era capturar la belleza atemporal con una precisión sobria. [2]
Antes del movimiento de diseño modernista, se hacía hincapié en los muebles como adorno. El tiempo que llevaba crear una pieza era a menudo una medida de su valor y conveniencia. Los orígenes del diseño modernista se remontan a la Revolución Industrial y al nacimiento de la producción mecanizada. Con nuevos recursos y avances, surgió una nueva filosofía que cambió el énfasis de los objetos creados con fines decorativos a ser diseños que promovieran la funcionalidad, la accesibilidad y la producción. [3]
La idea de un diseño accesible, producido en masa y asequible para todos no sólo se aplicó a la mecánica industrial, sino también a la estética de la arquitectura y el mobiliario. Esta filosofía de la practicidad llegó a llamarse funcionalismo . Se convirtió en un "lema" popular y jugó un papel importante en las teorías del diseño moderno. El funcionalismo rechazó la imitación de formas estilísticas e históricas y buscó el establecimiento de la funcionalidad en una pieza. Los diseñadores funcionalistas considerarían la interacción del diseño con su usuario y cuántas de las características, como la forma, el color y el tamaño, se ajustarían a la postura humana. [4] El diseño occidental en general, ya sea arquitectónico o de muebles, había buscado durante milenios transmitir una idea de linaje, una conexión con la tradición y la historia. Sin embargo, el movimiento moderno buscaba novedad, originalidad, innovación técnica y, en última instancia, el mensaje que transmitía hablaba del presente y el futuro, en lugar de lo que había sucedido antes. [2]
El diseño modernista parece haber evolucionado a partir de una combinación de influencias: materiales técnicamente innovadores y nuevos métodos de fabricación. Tras la Segunda Revolución Industrial , surgieron nuevas filosofías y artistas del movimiento De Stijl en los Países Bajos, el Deutscher Werkbund y la escuela Bauhaus , ambos ubicados en Alemania.
El movimiento De Stijl (El Estilo) fue fundado en 1917 por Theo Van Doesburg en Ámsterdam. El movimiento se basó en los principios de promover la abstracción y la universalidad reduciendo los elementos excesivos a lo esencial de la forma y el color. El diseño holandés generalmente ha mostrado una preferencia por materiales y construcciones simples, pero los artistas, arquitectos y diseñadores de De Stijl se esforzaron por combinar estos elementos para crear una nueva cultura visual. Las características de los muebles de este movimiento incluyen una geometría simplificada de composiciones verticales y horizontales y colores primarios puros y blanco y negro. Fue el rechazo de los excesos decorativos del Art Nouveau y promovió la lógica a través de la construcción y la función. Los artistas influyentes de este movimiento incluyen a Gerrit Rietveld , Piet Mondrian y Mies van der Rohe , quienes continuaron desarrollando las ideas del diseño modernista. [5] [6] : 33–183
Fundada en 1907 en Múnich, Alemania, la Deutscher Werkbund era una organización de artistas, diseñadores y fabricantes que luchaban por crear una utopía cultural lograda a través del diseño y de nuevas ideas a principios del siglo XX. Compartían el pensamiento moderno de que "la forma sigue a la función", así como los principios de diseño "étnicamente puros", como la calidad, la honestidad de los materiales, la funcionalidad y la sostenibilidad. La DWB jugó un papel clave en la promoción de estos principios ante otros artistas y diseñadores alemanes, lo que inspiró el desarrollo de muchas instituciones de diseño moderno. Entre los arquitectos y diseñadores más notables de la DWB se encuentran: Hermann Muthesius , Peter Behrens y Ludwig Mies van der Rohe . [7]
La escuela Bauhaus, fundada en 1919 en Weimar, Alemania, por el arquitecto Walter Gropius , fue una escuela de arte que combinaba todos los aspectos del arte. Finalmente se vio obligada a mudarse a Dessau , Alemania, en 1925 debido a tensiones políticas, luego a Berlín, en 1932 hasta que las puertas de la escuela se cerraron por la presión del régimen nazi . Con el cambio de ubicación se produjo un cambio de dirección en la institución. La Bauhaus adoptó un énfasis en la producción en Dessau, pero mantuvo sus preocupaciones intelectuales en el diseño. [8] A lo largo de los años, el objetivo de la institución fue combinar preocupaciones intelectuales, prácticas, comerciales y estéticas a través del arte y la tecnología. La Bauhaus promovió la unidad de todas las áreas del arte y el diseño: desde la tipografía hasta la vajilla, la ropa, la performance, el mobiliario, el arte y la arquitectura. Entre los artistas y diseñadores destacados de la Bauhaus se incluyen: Marcel Breuer , Marianne Brandt , Hannes Meyer (quien fue el sucesor de Gropius, solo para ser reemplazado por Mies van der Rohe ). [6] : 38–138 [9]
La preferencia estética por lo barroco y lo complejo se vio desafiada no sólo por los nuevos materiales y el coraje y la creatividad de unos pocos europeos, sino también por el creciente acceso al diseño africano y asiático. En particular, la influencia del diseño japonés es legendaria: en los últimos años del siglo XIX, durante el período Edo en Japón, la política aislacionista japonesa comenzó a suavizarse y el comercio con Occidente comenzó en serio. Los artefactos que surgieron fueron sorprendentes por su simplicidad, su uso de planos sólidos de color sin ornamentos y el uso contrastante de patrones. Una tremenda moda para todo lo japonés –el japonismo– arrasó Europa. Algunos dicen que el movimiento Art Nouveau occidental surgió directamente de esta influencia. Diseñadores como Charles Rennie MacIntosh y Eileen Gray son conocidos por su trabajo tanto moderno como Art Decó , y ellos y otros como Frank Lloyd Wright son notables por una cierta mezcla elegante de los dos estilos.
El uso de nuevos materiales, como el acero en sus diversas formas; el vidrio , utilizado por Walter Gropius ; la madera contrachapada moldeada , como la que utilizaban Charles y Ray Eames ; y, por supuesto, los plásticos , fueron fundamentales en la creación de estos nuevos diseños. Se habrían considerado pioneros, incluso chocantes en contraste con lo que había antes. Este interés en materiales y métodos nuevos e innovadores produjo una cierta mezcla de las disciplinas de la tecnología y el arte. Y esto se convirtió en una filosofía de trabajo entre los miembros del Deutscher Werkbund . El Werkbund era una organización patrocinada por el gobierno para promover el arte y el diseño alemán en todo el mundo. Muchos de los involucrados en él, incluidos Mies van der Rohe, Lilly Reich y otros, se involucraron más tarde en la Escuela Bauhaus , por lo que tal vez no sea sorprendente que la Escuela Bauhaus asumiera el manto de esta filosofía. Desarrollaron un interés particular en usar estos nuevos materiales de tal manera que pudieran producirse en masa y, por lo tanto, hacer que el buen diseño fuera más accesible para las masas.
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Las primeras versiones del sillón rojo y azul de Gerrit Rietveld se crearon alrededor de 1917. Sin embargo, originalmente estaban teñidas de negro; el color se agregó finalmente para darle características de De Stijl en 1923. La intención de Rietveld era diseñar un mueble que pudiera producirse en masa a bajo costo. Utiliza listones de madera de haya estándar y tablones de pino que se cruzan y se fijan con clavijas de madera. Las funciones de construcción, el asiento, el respaldo y los reposabrazos están explícitamente separados visualmente. De hecho, Rietveld vio la silla como el esqueleto de un sillón mullido al que se le habían quitado todos los componentes excesivos. [6] : 32–183
Esta creación modernista gozó de una fama duradera en el período de posguerra , con números de reproducciones de más de cuatro dígitos en dos continentes. [10] La silla Wassily , también conocida como silla modelo B3, fue diseñada por Marcel Breuer en 1925-26 mientras era el jefe del taller de ebanistería en la Bauhaus, en Dessau, Alemania.
Esta pieza es particularmente influyente porque introduce un material industrial simple, pero elegante y liviano para ser utilizado en estructuras dentro del espacio doméstico: acero tubular cromado. El diseño de la silla es revolucionario [ cita requerida ] con su uso de planos geométricos simétricos enmarcados por el acero tubular. Breuer usa correas simples sobre lienzo para el asiento, el respaldo y los apoyabrazos para sostener la figura sentada. El concepto del uso de acero tubular, un material nunca antes visto en el espacio doméstico, se inspiró en los mangos de la bicicleta de Breuer. Razonó que si un material así era liviano pero lo suficientemente fuerte como para sostener el cuerpo en movimiento, es probable que pueda sostener el cuerpo en reposo. Aplica elementos esenciales sencillos (las tiras de lona) para crear también una estética funcional. Sin embargo, la Silla Modelo B3 (bautizada como Silla Wassily por la empresa fabricante, Gavina, tras conocer la anécdota que involucra al pintor Wassily Kandinsky ) inspiró a muchos artistas y diseñadores a incluir el uso del acero cromado, entre ellos Le Corbusier , quien lo incluye como estructura para su Chaise Longue. [ cita requerida ]
Inspirado por el uso de acero tubular cromado por parte de Marcel Breuer en su Silla Wassily, en 1928, Le Corbusier crea un elegante soporte de acero para el respaldo y el asiento de su Chaise Longue . La Chaise Longue cuenta con una sección de asiento móvil y un reposacabezas ajustable, que es un ejemplo temprano de diseño ergonómico . Con los marcos de acero tubular y la tapicería de cuero o piel, la elegante Chaise Longue se fabricó inicialmente para encargos de casas privadas francesas, incluidas la Villa Savoye , Poissy (1929-31) y la Ville-d'Avray . Esta pieza personifica la producción en masa de la era industrial a través del uso de materiales y estructura. Sin embargo, a diferencia de la Silla Wassily, el diseño complejo hizo que la reproducción fuera costosa. [6] : 48–183
Los sillones y sofás LC2 de Le Corbusier están formados por una estructura de acero tubular cromado que soporta cojines sueltos colocados sobre correas elásticas. Los LC2 representan la nueva y moderna concepción del mobiliario de diseño en el estilo minimalista de Le Corbusier, con una estructura de acero que aporta un toque industrial. Los primeros resultados de la colaboración entre Le Corbusier y Perriand fueron tres piezas de mobiliario realizadas con estructuras de acero tubular cromado.
Diseñada en 1927 como mesita de noche para la habitación de invitados en E-1027 , la casa que Eileen Gray diseñó para ella misma (y Jean Badovici ) en Cap Martin, Francia, la asimetría de esta pieza es característica de su estilo de diseño " no conformista " en sus proyectos arquitectónicos y de mobiliario. Eileen Gray siempre había estado influenciada por la laca y el mobiliario japoneses, y las líneas minimalistas y la estructura elegante que se encuentran normalmente en las obras tradicionales japonesas se encuentran en la mayoría de los objetos de Gray. El nombre, E-1027, se puede ver en una lectura un tanto romántica: la E significa "Eileen" y los números, correspondientes a su secuencia en el alfabeto, representan J , B y G. La segunda y la décima letra aluden a su amigo y mentor, Jean Badovici . El énfasis de Gray en el diseño funcionalista es evidente en su uso de acero tubular y la simetría concéntrica de la superficie. Cabe destacar que esta pieza también tiene una utilidad específica, ya que se puede ajustar de tal manera que uno puede desayunar en la cama sobre ella. La hermana de Gray había solicitado dicho alojamiento durante sus visitas a E-1027. [6] : 46–183
La silla Barcelona ha llegado a representar el movimiento de diseño Bauhaus. Muchos la consideran un arte funcional, más que un mero mobiliario. Diseñada por Mies van der Rohe y Lilly Reich en 1929 para el pabellón alemán en la feria internacional de diseño, [11] la Exposición Internacional de Barcelona de 1929 , se dice que se inspiró tanto en las sillas plegables de los faraones como en los escabeles en forma de X de los romanos , y que está dedicada a las familias reales españolas. Al igual que otros diseñadores que siguen el ejemplo de Breuer, incorpora el uso de barras de acero planas cromadas para crear una única curva en forma de S. Las patas delanteras cruzan la curva en "S" de las barras que forman el asiento y las patas traseras. Crea una estética elegante e intencionadamente simple para la pieza.
En 1963, Robin Day diseñó la silla Polyprop para la casa de diseño de muebles británica Hille . Fabricada en polipropileno moldeado , la Polyprop se vendió por millones y se convirtió en la silla más vendida del mundo. Hoy en día se considera un clásico del diseño moderno y Royal Mail la ha homenajeado con un sello postal conmemorativo . [12] [13]
La mesa Noguchi fue diseñada por Isamu Noguchi (1904-1988), escultor, dibujante, alfarero, arquitecto, paisajista, diseñador de productos, muebles y escenarios. Mitad estadounidense, mitad japonés, es famoso por sus formas orgánicas modernas. A menudo afirmaba: "Todo es escultura, cualquier material, cualquier idea que nace sin obstáculos en el espacio, yo lo considero escultura". La mesa Noguchi se ha hecho famosa por su simplicidad única e inconfundible. Es refinada y al mismo tiempo natural, es una de las piezas más buscadas asociadas con el movimiento del mobiliario clásico moderno.
Cronológicamente, el movimiento de diseño que dio origen al diseño de muebles modernos comenzó antes de lo que uno podría imaginar. Muchas de sus personalidades más reconocibles nacieron en el siglo XIX o a principios del siglo XX.
En los años 20 y 30 enseñaron y estudiaron en Alemania y otros lugares, entre otros, en la escuela de arte y arquitectura Bauhaus . Los muebles que se produjeron durante esta época se conocen hoy como "muebles clásicos modernos" o " modernos de mediados de siglo ".
Tanto la Escuela Bauhaus como el Deutscher Werkbund tenían como énfasis creativo específico la mezcla de tecnología, nuevos materiales y arte.
Obviamente, no todos los muebles producidos desde entonces son modernos, ya que todavía hay una enorme cantidad de diseños tradicionales que se reproducen para el mercado actual y, por supuesto, también hay todo un tipo de diseño que se encuentra entre los dos y que se conoce como diseño de transición . No es completamente moderno ni tradicional, sino que busca mezclar elementos de múltiples estilos. A menudo incluye tanto lo moderno como lo tradicional, además de hacer referencia visual a la forma griega clásica y/o a otros estilos no occidentales (por ejemplo, patrones tribales africanos, volutas asiáticas, etc.).
Hoy en día, los diseñadores y fabricantes de muebles contemporáneos siguen evolucionando el diseño. Siguen buscando nuevos materiales con los que crear formas únicas, siguen empleando la simplicidad y la ligereza de las formas en lugar de un ornamento pesado. Y, sobre todo, siguen esforzándose por ir más allá de lo que se ha hecho hasta ahora para crear experiencias visuales completamente nuevas para nosotros.
Los diseños que impulsaron este cambio de paradigma se produjeron a mediados del siglo XX, la mayoría de ellos mucho antes de 1960. Y, sin embargo, todavía se los considera internacionalmente símbolos de la era moderna, del presente y quizás incluso del futuro. Los muebles clásicos modernos se convirtieron en un icono de elegancia y sofisticación.
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