La lechera ( en neerlandés : De melkmeid o Het melkmeisje ), a veces llamada La criada de la cocina ( en neerlandés : De keukenmeid ), es una pintura al óleo sobre lienzo de una "lechera", de hecho, una criada de la cocina , delartista holandés Johannes Vermeer . Se encuentra en el Rijksmuseum de Ámsterdam , Países Bajos, que la considera "sin lugar a dudas una de las mejores atracciones del museo". [1]
Se desconoce el año exacto de finalización de la pintura, y las estimaciones varían según la fuente. El Rijksmuseum estima que fue alrededor de 1658. Según el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York, fue pintada alrededor de 1657 o 1658. [2] El sitio web "Essential Vermeer" ofrece un rango más amplio de 1658 a 1661. [3]
El cuadro muestra a una lechera, una mujer que ordeña vacas y elabora productos lácteos como mantequilla y queso, en una habitación sencilla vertiendo con cuidado la leche en un recipiente de barro rechoncho sobre una mesa. Las lecheras comenzaron a trabajar únicamente en los establos antes de que las grandes casas las contrataran también para realizar las tareas domésticas en lugar de contratar más personal. También en la mesa frente a la lechera hay varios tipos de pan. Es una mujer joven y robusta que lleva una gorra de lino impecable, un delantal azul y mangas de trabajo recogidas desde sus gruesos antebrazos. Hay un calientapiés en el suelo detrás de ella, cerca de azulejos de Delft que representan a Cupido (a la izquierda del espectador) y una figura con un palo (a la derecha). Una luz intensa fluye desde la ventana del lado izquierdo del lienzo. [4]
La pintura es sorprendentemente ilusionista y transmite no sólo detalles, sino también una sensación del peso de la mujer y la mesa. "La luz, aunque brillante, no borra la textura áspera de las cortezas de pan ni aplana los volúmenes de la gruesa cintura y los hombros redondeados de la criada", escribió Karen Rosenberg, crítica de arte de The New York Times . Sin embargo, con la mitad del rostro de la mujer en la sombra, es "imposible decir si sus ojos abatidos y sus labios fruncidos expresan nostalgia o concentración", escribió. [4]
Según Walter Liedtke , conservador del departamento de pinturas europeas del Museo Metropolitano de Arte y organizador de dos exposiciones de Vermeer, "es un poco como un efecto Mona Lisa " en las reacciones de los espectadores modernos ante la pintura. "Hay un poco de misterio en ella para el público moderno. Está realizando su tarea diaria, sonriendo levemente. Y nuestra reacción es '¿En qué está pensando?'" [5]
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En la época en que se creó la pintura, la mujer habría sido conocida como una "sirvienta de cocina" o una criada para todo tipo de trabajos en lugar de una " lechera " especializada: las "sirvientas de leche" eran mujeres que ordeñaban vacas; las criadas de cocina trabajaban en cocinas. [5] Durante al menos dos siglos antes de que se creara la pintura, las lecheras y las criadas de cocina tenían reputación de estar predispuestas al amor o al sexo, y esto se reflejaba con frecuencia en las pinturas holandesas de escenas de cocina y mercado de Amberes , Utrech y Delft . [6] Algunas de las pinturas eran astutamente sugerentes, como La lechera , otras de manera más burda. [2]
Los artistas más destacados de esta tradición fueron los pintores de Amberes Joachim Beuckelaer (c. 1535-1575) y Frans Snyders (1579-1657), que tuvieron muchos seguidores e imitadores, así como Pieter Aertsen (que, como Beukelaer, tenía clientes en Delft), el pintor manierista de Utrech Joachim Wtewael (1566-1638) y su hijo, Peter Wtewael (1596-1660). [2] [7] Más cerca de la época de Vermeer, Nicolaes Maes pintó varios cuadros cómicos que ahora reciben títulos como El sirviente holgazán . Sin embargo, en esa época existía una convención alternativa de pintar a mujeres trabajando en el hogar como ejemplos de la virtud doméstica holandesa, tratada en profundidad por Simon Schama . [8]
En la literatura y las pinturas holandesas de la época de Vermeer, las doncellas a menudo eran representadas como sujetos del deseo masculino (mujeres peligrosas que amenazaban el honor y la seguridad del hogar, el centro de la vida holandesa), aunque algunos contemporáneos de Vermeer, como Pieter de Hooch , habían comenzado a representarlas de una manera más neutral, al igual que Michael Sweerts . La pintura de Vermeer es uno de los raros ejemplos de una doncella tratada de manera empática y digna, [3] aunque los símbolos amorosos en esta obra aún ejemplifican la tradición. [5]
Otros pintores de esta tradición, como Gerrit Dou (1613-1675), retrataron a doncellas atractivas con objetos simbólicos como jarras y diversas formas de caza y productos agrícolas. [2] "En casi todas las obras de esta tradición hay un elemento erótico, que se transmite a través de gestos que van desde meter pollos en asadores hasta ofrecer suavemente -o eso sugiere la dirección de la vista- una mirada íntima de algún objeto vagamente uterino", según Liedtke. En la pintura de Dou de 1646, Girl Chopping Onions (ahora en la Colección Real Británica ), una jarra de peltre puede hacer referencia tanto a la anatomía masculina como a la femenina, y la imagen contiene otros símbolos contemporáneos de lujuria, como cebollas (de las que se dice que tienen propiedades afrodisíacas) y un pájaro colgando. La leche también tenía connotaciones lascivas, del término del argot melken , definido como "atraer o seducir sexualmente" (un significado que puede haberse originado al ver a las granjeras trabajando bajo las vacas, según Liedtke). Entre los ejemplos de obras que utilizan la leche de esta manera se incluyen el grabado de Lucas van Leyden La lechera (1510) y el grabado de Jacques de Gheyn II El arquero y la lechera (alrededor de 1610). [7]
El cuadro de Vermeer es aún más sobrio, aunque el uso de símbolos se mantiene: uno de los azulejos de Delft al pie de la pared detrás de la criada, cerca del calientapiés, representa a Cupido, lo que puede implicar la excitación de una mujer [2] o simplemente que mientras está trabajando está soñando despierta con un hombre. [2] Otros símbolos amorosos en la pintura incluyen una jarra de boca ancha, a menudo utilizada como símbolo de la anatomía femenina. El calientapiés era utilizado a menudo por los artistas como símbolo de la excitación sexual femenina porque, cuando se coloca debajo de una falda, calienta todo el cuerpo por debajo de la cintura, según Liedtke. [5] Las brasas encerradas dentro del calientapiés podrían simbolizar "tanto el calor de la lujuria en las escenas de taberna o burdel, como la pasión ardiente oculta pero verdadera de una mujer por su marido", según Serena Cant, una historiadora de arte y profesora británica. Sin embargo, la pared encalada y la presencia de leche parecen indicar que la habitación era una "cocina fría" utilizada para cocinar con productos lácteos, como leche y mantequilla, por lo que el calientapiés tendría allí un propósito pragmático. Dado que otras pinturas holandesas de la época indican que los calientapiés se utilizaban cuando la mujer estaba sentada, su presencia en la pintura puede simbolizar la "naturaleza trabajadora" de la mujer de pie, según Cant. [9]
El cuadro forma parte de un contexto social de interacciones sexuales o románticas entre criadas y hombres de rangos sociales superiores que ahora ha desaparecido en Europa y que nunca fue reconocido comúnmente en América. Liedtke ofrece como ejemplo a un contemporáneo de Vermeer, Samuel Pepys , cuyo diario registra encuentros con criadas de cocina, chicas de ostras y, en una posada durante una visita a Delft en 1660, "una muchacha extremadamente bonita... ideal para el deporte". El cuadro fue propiedad en un principio de (y puede haber sido pintado para) Pieter van Ruijven, propietario de varias otras pinturas de Vermeer que también retrataban a mujeres jóvenes atractivas y con temas de deseo y abnegación bastante diferentes de la actitud de Pepys y muchas de las pinturas de la tradición holandesa de las "criadas de cocina". [10]
En holandés, el nombre más utilizado para la pintura es Het Melkmeisje . Aunque este título es menos preciso en el holandés moderno, la palabra "meid" (doncella) ha adquirido una connotación negativa que no está presente en su forma diminuta ("meisje"), de ahí el uso del título más amigable para la obra, utilizado por el Rijksmuseum y otros.
Según el historiador de arte Harry Rand, la pintura sugiere que la mujer está preparando budín de pan , lo que explicaría la leche y los trozos de pan rotos en la mesa. Rand supuso que ya habría preparado natillas en las que el pan mezclado con huevo estaría en remojo en el momento representado en la pintura. Vierte leche en la olla holandesa para cubrir la mezcla porque de lo contrario el pan, si no hierve a fuego lento en el líquido mientras se hornea, se convertirá en una corteza seca y poco apetitosa en lugar de formar la superficie superior típica del budín. Tiene cuidado al verter el chorrito de leche porque el budín de pan puede arruinarse si los ingredientes no se miden con precisión o no se combinan correctamente. [3]
Al representar a la criada trabajadora en el acto de cocinar con esmero, la artista no presenta simplemente una imagen de una escena cotidiana, sino una que tiene un valor ético y social. La humilde mujer utiliza ingredientes comunes y pan duro que de otro modo sería inútil para crear un producto agradable para el hogar. "Su comportamiento mesurado, su modestia en la vestimenta y su criterio al preparar su comida transmiten de manera elocuente pero discreta uno de los valores más fuertes de los Países Bajos del siglo XVII, la virtud doméstica", según el sitio web Essential Vermeer. [3]
“Al final, no son las alusiones a la sexualidad femenina las que le dan a esta pintura su romanticismo o resonancia emocional, sino la representación del trabajo honesto y duro como algo romántico en sí mismo”, escribió Raquel Laneri en la revista Forbes . “ La lechera eleva el trabajo pesado de las tareas domésticas y la servidumbre a niveles virtuosos, incluso heroicos”. [11]
Según la página web del Museo Metropolitano de Arte, la pintura " está construida a lo largo de dos líneas diagonales que se unen en la muñeca derecha de la mujer", lo que centra la atención del espectador en el vertido de la leche. [2 ]
El realismo fotográfico de la pintura se asemeja al de artistas de Leiden como Dou, Frans van Mieris y Gabriël Metsu . [2] Vermeer, que tenía veinticinco años cuando pintó esta obra, estaba "buscando en el arte holandés diferentes estilos y temas", según Liedtke. "En este caso, está mirando principalmente a artistas como Gerrit Dou y otros que trabajan de una manera meticulosa e ilusionista". Liedtke ve la obra como "la última obra temprana o la primera obra madura" de Vermeer. El comisario añadió: "Casi creo que tuvo que explorar lo que podríamos llamar 'ilusionismo táctil' para entender hacia dónde quería ir realmente, que era en la dirección más óptica y llena de luz". [12]
Según el Museo Metropolitano de Arte, la pintura, que es característica del arte de Delft y de la obra de Vermeer, también tiene un "equilibrio clásico" de elementos figurativos y un "tratamiento extraordinario de la luz". [2] La pared de la izquierda, según Liedtke, "te introduce muy rápidamente en el cuadro -esa recesión desde la izquierda y luego la apertura hacia la derecha- y este tipo de esquema de esquina izquierda se utilizó durante unos 10 años antes de Vermeer, y él fue muy rápido en captar lo último". [12]
"En ningún otro lugar de su obra se encuentra una figura tan escultural y objetos tan aparentemente tangibles, y sin embargo, el futuro pintor de interiores luminosos ya ha llegado", según el museo. El " patrón de puntos brillantes en pointillé sobre el pan y la cesta" es el uso "más efusivo" de ese esquema en cualquier pintura de Vermeer, y parece ser utilizado para sugerir "luz diurna centelleante y texturas ásperas al mismo tiempo". [2]
Vermeer pintó sobre dos elementos que originalmente estaban en la pintura. Uno era un gran mapa mural (una página web del Rijksmuseum lo llama pintura) [1] detrás de la parte superior del cuerpo de la mujer. (Un mapa mural puede no haber estado muy fuera de lugar en un humilde taller como la fría cocina donde trabajaba la criada: los mapas grandes en la Holanda del siglo XVII eran formas económicas de decorar paredes desnudas). [3] Originalmente colocó una gran y llamativa canasta de ropa (la página web del Rijksmuseum la llama "canasta de costura") [1] cerca de la parte inferior de la pintura, detrás de la falda roja de la criada, pero luego el artista pintó sobre ella, produciendo el ligero cambio de tono ( pentimento ) en la pared detrás del calientapiés. La canasta fue descubierta más tarde con una radiografía . Otras pinturas de Vermeer también tienen imágenes eliminadas. Algunos críticos de arte han pensado que las eliminaciones pueden haber tenido la intención de proporcionar a las obras un mejor enfoque temático. [3]
“Su inmediatez rústica difiere de las pinturas posteriores de Vermeer”, según Laneri. “Hay una cualidad táctil y visceral en La lechera : casi se puede saborear la leche espesa y cremosa que sale de la jarra, sentir la humedad fresca de la habitación y el lino almidonado de la cofia blanca de la criada, tocar sus hombros esculturales y su cintura encorsetada. No es una aparición ni una abstracción. No es la ama de casa ideal y mundana de La joven con un cántaro de agua de Vermeer o la belleza etérea de La joven de la perla . No es la zorra pechugona y caricaturesca del dibujo de Leyden. Es real, tan real como puede serlo una pintura de todos modos”. [11]
Esta pintura tiene "quizás, el esquema de color más brillante de su obra", según el sitio web Essential Vermeer. Ya en el siglo XVIII, el pintor y crítico inglés Joshua Reynolds elogió la obra por su sorprendente calidad. [3] Una de las distinciones de la paleta de Vermeer , en comparación con sus contemporáneos, fue su preferencia por el costoso ultramar natural (hecho de lapislázuli triturado ) donde otros pintores solían usar la azurita mucho más barata . Junto con el ultramar, el amarillo plomo-estaño también es un color dominante en una obra excepcionalmente luminosa (con una representación de la luz mucho menos sombría y convencional que cualquiera de las obras existentes anteriores de Vermeer). [3] Representar paredes blancas fue un desafío para los artistas en la época de Vermeer, y sus contemporáneos usaron varias formas de pigmento gris. Aquí, las paredes blancas reflejan la luz del día con diferentes intensidades, mostrando los efectos de texturas desiguales en las superficies enyesadas. El artista aquí usó albayalde , sombra y negro carbón . Aunque la fórmula era ampliamente conocida entre los pintores de género contemporáneos de Vermeer, "quizás ningún artista más que Vermeer fue capaz de utilizarla con tanta eficacia", según el sitio web Essential Vermeer. [3]
Los rasgos toscos de la mujer están pintados con gruesas manchas de empasto . Las semillas de la corteza del pan, así como la corteza misma, junto con las asas trenzadas de la cesta de pan, están pintadas con puntos de puntillé . Las partes blandas del pan están pintadas con finos remolinos de pintura, con toques de ocre utilizados para mostrar los bordes ásperos de la corteza rota. Una pieza de pan a la derecha del espectador y cerca de la olla holandesa, tiene una amplia banda de color amarillo, diferente de la corteza, lo que Cant cree que es una sugerencia de que la pieza se está poniendo rancia. El panecillo pequeño en el extremo derecho tiene gruesos puntos de empasto que se asemejan a una corteza nudosa o una corteza con semillas. El pan y la cesta, a pesar de estar más cerca del espectador, están pintados de una manera más difusa que el realismo ilusionista de la pared, con sus manchas, sombras, clavos y agujeros de clavos, o las costuras y cierres del vestido de la mujer, el brillante y pulido recipiente de latón colgado de la pared. Los paneles de vidrio de la ventana están variados de una manera muy realista, con una grieta en uno (cuarta fila desde abajo, a la derecha) reflejada en la madera del marco de la ventana. Justo debajo de ese panel, otro tiene un rasguño, indicado con una fina línea blanca. Otro panel (segunda fila desde abajo, segundo desde la derecha) está empujado hacia adentro dentro de su marco. [9]
La discrepancia entre los objetos a distintas distancias del espectador puede indicar que Vermeer utilizó una cámara oscura , según Cant. [9] Liedtke señala que un agujero descubierto en el lienzo "realmente ha perforado la teoría de la cámara oscura [...] La idea de que Vermeer trazó composiciones en un dispositivo óptico [...] es bastante ingenua si se considera que la luz dura tal vez 10 segundos, pero la pintura tardó al menos meses en pintarse". En cambio, el alfiler en el lienzo habría estado atado a una cuerda con tiza, que el pintor habría roto para obtener líneas de perspectiva, dijo Liedtke en una entrevista de 2009. [12]
Las voluminosas mangas verdes de la mujer fueron pintadas con la misma pintura amarilla y azul utilizada en el resto de la ropa de la mujer, trabajadas al mismo tiempo con un método húmedo sobre húmedo . Las pinceladas amplias en la pintura de la ropa sugieren la textura gruesa y áspera de la ropa de trabajo. El puño azul utiliza una mezcla más clara de ultramar y blanco de plomo, junto con una capa de ocre pintada debajo. El azul brillante de la falda o delantal se ha intensificado con un barniz (una capa superior fina y transparente) del mismo color. El barniz ayuda a sugerir que el material azul es una tela menos áspera que el corpiño amarillo, según Cant. [9]
Pieter van Ruijven (1624-1674), mecenas de Vermeer en Delft (y, a su muerte, propietario de veintiuna obras del pintor), probablemente compró la pintura directamente al artista. Liedtke duda de que el mecenas encargara el tema. [12] La propiedad pasó más tarde, tal vez a su viuda, Maria de Knuijt , probablemente a su hija, Magdelene van Ruijven (1655-1681), y ciertamente al yerno de Van Ruijven, Jacob Dissius (1653-1695), [7] [13] cuyos herederos la vendieron con otras pinturas del artista en 1696. Los registros de esa venta describieron a La lechera como "excepcionalmente buena", y la obra alcanzó el segundo precio más alto en la venta (175 florines , superado solo por los 200 florines pagados por el paisaje urbano de Vermeer, Vista de Delft . [2] [3] )
En 1765, el cuadro fue subastado por Leendert Pieter de Neufville . [14] «La famosa lechera, de Vermeer de Delft, ingeniosa», pasó por al menos cinco colecciones de Ámsterdam antes de convertirse en parte de lo que el Museo Metropolitano de Arte llamó «uno de los grandes coleccionistas de arte holandés», el de Lucretia Johanna van Winter (1785-1845). En 1822 se casó con un miembro de la familia de coleccionistas Six , y en 1908 sus dos hijos vendieron el cuadro (como parte de la famosa colección Six de treinta y nueve obras) al Rijksmuseum, que adquirió las obras con el apoyo del gobierno holandés y la Sociedad Rembrandt [2] , pero no antes de una buena cantidad de disputas públicas y la intervención de los Estados Generales o el parlamento holandés. [3]
La pintura se ha exhibido en Europa occidental y Estados Unidos. En 1872 formó parte de una exposición de " viejos maestros " en Ámsterdam ("Tentoonstelling van zeldzame en belangrijke schilderijen van oude meesters"), para Arti et Amicitiae, una sociedad de artistas visuales y amantes del arte, y en 1900 formó parte de una Exposición en el Museo Stedelijk de Ámsterdam . Otras exhibiciones europeas que muestran el trabajo incluyen la Real Academia de las Artes ("Exposición de Arte Holandés", Londres) en 1929; Galerie nationale du Jeu de Paume ("Exposición holandesa: Tableaux, aquarelles et dessíns anciens et modernes", París) en 1921; Museo Boijmans Van Beuningen ("Vermeer, oorsprong en invloed: Fabritius, De Hooch, De Witte", Rotterdam) en 1935. [7]
Se exhibió en la Feria Mundial de 1939 en la ciudad de Nueva York, [15] y el estallido de la Segunda Guerra Mundial durante la feria, con la ocupación alemana de los Países Bajos, hizo que la obra permaneciera en los EE. UU. hasta que Holanda fue liberada. Durante este tiempo se exhibió en el Instituto de Artes de Detroit en Michigan (el museo donde trabajaba el curador de la exhibición de la Feria Mundial), y se incluyó en los catálogos de exposiciones de ese museo en 1939 y 1941. Durante la guerra, la obra también se exhibió en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, donde estuvo colgada hasta 1944, según Leidtke. [12] En 1953, la Kunsthaus Zürich exhibió la pintura en una exposición, y al año siguiente viajó a Italia para una exposición en el Palazzo delle Esposizioni en Roma y el Palazzo Reale en Milán. En 1966, formó parte de una exposición en el Mauritshuis de La Haya y en el Museo de la Orangerie de París. En 1999 y 2000, la pintura estuvo en la Galería Nacional de Arte de Washington para su exposición "Johannes Vermeer: El arte de la pintura", y formó parte de la exposición "Vermeer y la Escuela de Delft" en la Galería Nacional de Londres del 20 de junio al 16 de septiembre de 2001 (no apareció en la sede del Museo Metropolitano de Arte de esa exposición, a principios de ese año). [7]
La pintura regresó a Nueva York en 2009, con motivo del NY400 , el 400 aniversario del histórico viaje de Henry Hudson (de Ámsterdam a Manhattan), donde fue el elemento central de una exposición del Museo Metropolitano de Arte, junto con varias de las cinco obras de Vermeer del museo y otras pinturas del Siglo de Oro holandés .
La pintura fue exhibida en línea en una versión digital de alta calidad después de que los curadores del museo descubrieron que muchas personas pensaban que una versión amarillenta de baja calidad de la imagen que circulaba en Internet era una buena reproducción de la imagen. [16]
