Disposición del escenario de Cecchetti- Disposición del escenario RAD
- Disposición del escenario de Vaganova
El ballet clásico es cualquiera de los estilos de ballet tradicionales y formales que emplean exclusivamente la técnica del ballet clásico . Es conocido por su estética y su técnica rigurosa (como el trabajo en puntas , la rotación de las piernas y las extensiones altas), sus movimientos fluidos y precisos y sus cualidades etéreas.
Existen variaciones estilísticas relacionadas con un área u origen, que se denotan mediante clasificaciones como ballet ruso , ballet francés , ballet británico y ballet italiano . Por ejemplo, el ballet ruso presenta grandes extensiones y giros dinámicos, mientras que el ballet italiano tiende a ser más firme, con un enfoque en el trabajo de pies rápido e intrincado. Muchas de las variaciones estilísticas están asociadas con métodos de entrenamiento específicos que han recibido el nombre de sus creadores. A pesar de estas variaciones, la interpretación y el vocabulario del ballet clásico son en gran medida consistentes en todo el mundo.
El ballet se originó en las cortes renacentistas italianas y fue traído a Francia por Catalina de Médici en el siglo XVI. [1] Durante la infancia del ballet, los ballets de la corte eran interpretados por aficionados aristocráticos en lugar de bailarines profesionales. [1] La mayoría de los primeros movimientos del ballet evolucionaron a partir de danzas sociales de la corte y presentaban patrones escénicos de manera prominente en lugar de una técnica de ballet formal.
En el siglo XVII, a medida que la popularidad del ballet en Francia aumentaba, el ballet comenzó a transformarse gradualmente en un arte profesional. Ya no lo realizaban aficionados, sino que las representaciones de ballet comenzaron a incorporar movimientos acrobáticos desafiantes que solo podían ser realizados por artistas callejeros altamente calificados. [1] En respuesta, la primera escuela de ballet del mundo, la Académie Royale de Danse , fue fundada por el rey Luis XIV en 1661. [1] El propósito de la Académie era mejorar la calidad de la formación en danza en Francia e inventar una técnica o plan de estudios que pudiera usarse para transformar el ballet en una disciplina formal. Poco después de que se formara la Académie, en 1672, el rey Luis XIV estableció una compañía de interpretación llamada Académie Royal de Musique de Dance (hoy conocida como Ópera de París) y nombró a Pierre Beauchamp como maestro de baile principal. [1] Mientras estaba en la Academia Real, Beauchamp revolucionó la técnica del ballet al inventar las cinco posiciones (primera, segunda, tercera, cuarta y quinta) del ballet, que hasta el día de hoy siguen siendo la base de toda la técnica formal del ballet clásico. [1]
Antes de que se desarrollara el ballet clásico, el ballet se encontraba en un período conocido como la era romántica. El ballet romántico era conocido por su narrativa y, a menudo, tenía una estética más suave. El ballet clásico surgió cuando un maestro de ballet llamado Marius Petipa (considerado uno de los mejores coreógrafos de todos los tiempos) tomó el ballet romántico y lo combinó con diferentes aspectos de la técnica del ballet ruso (ya que Petipa alguna vez fue coreógrafo y maestro de ballet en el Ballet Mariinsky ). Los elementos extraídos de estas cosas incluyen la narrativa que se encuentra en el ballet romántico y el atletismo de la técnica rusa. Por lo tanto, comenzó una nueva era del ballet, que más tarde se conocería como la era clásica. [2] Aunque fue responsable de traer la era del ballet clásico, Petipa también fue responsable de coreografiar ballets románticos conocidos como Giselle .
Durante la era clásica, Marius Petipa fue en gran medida responsable de la creación de estructuras coreográficas que todavía se utilizan en los ballets de hoy. Por un lado, Petipa fue el primero en utilizar el grand pas de deux en su coreografía. Además, consolidó el uso del cuerpo de baile como parte estándar de un ballet. A pesar de que marcó el comienzo de la era clásica, estos elementos también se pueden ver en sus ballets románticos.
La técnica del ballet son los principios fundamentales del movimiento y la forma del cuerpo utilizados en el ballet. [3] Una característica distintiva de la técnica del ballet es la rotación hacia afuera ; que es la rotación hacia afuera de las piernas y los pies que emana de la cadera. Esto fue introducido por primera vez en el ballet por el rey Luis XIV porque le encantaba mostrar las hebillas brillantes de sus zapatos cuando realizaba sus propios bailes. Hay cinco posiciones fundamentales de los pies en el ballet , todas realizadas con rotación hacia afuera y nombradas numéricamente como primera a quinta posiciones. Al realizar saltos y brincos, los bailarines de ballet clásico se esfuerzan por exhibir ballon , la apariencia de flotar brevemente en el aire. La técnica de puntas es la parte de la técnica del ballet que se refiere al trabajo de puntas , en el que un bailarín de ballet apoya todo el peso corporal en las puntas de los pies completamente extendidos en zapatillas de punta especialmente diseñadas y hechas a mano . En las compañías profesionales, los zapatos están hechos para adaptarse perfectamente a los pies de los bailarines.
Los estudiantes suelen aprender la terminología del ballet y la pronunciación, el significado y la forma corporal y el movimiento precisos asociados con cada término. Se hace hincapié en el desarrollo de la flexibilidad y el fortalecimiento de las piernas, los pies y el centro del cuerpo (el centro o abdominales), ya que un centro fuerte es esencial para los giros y muchos otros movimientos del ballet. Los bailarines también aprenden a utilizar su punto de apoyo , lo que les enseña a concentrarse en algo mientras giran para no marearse y perder el equilibrio.
El entrenamiento inicial de ballet para todos los bailarines implica una técnica básica y desarrolla la fuerza y la flexibilidad. A medida que progresan, las bailarinas comienzan a aprender la técnica de las puntas y tanto los bailarines como las bailarinas comienzan a aprender a bailar en pareja y saltos y giros más avanzados. A medida que los hombres se vuelven más fuertes, se agregan elevaciones a la técnica de bailar en pareja. Dependiendo del profesor y del sistema de entrenamiento, los estudiantes pueden progresar a través de varias etapas o niveles de entrenamiento a medida que avanzan sus habilidades.
Los maestros de ballet tradicionales del siglo XVIII tocaban el violín en sus propias clases de ballet. [4] También proporcionaban a sus estudiantes de ballet instrucción sobre la relación entre los pasos de baile y la música. [5] A finales del siglo XIX esto había pasado de moda, y la especialización en las artes escénicas significó que el papel del profesor de ballet y el músico de ballet se habían convertido en profesiones separadas. En el siglo XX, el violín había dado paso al piano como acompañamiento estándar para la clase de ballet. [6] Cuando la música grabada sustituye a un músico en vivo, no hay oportunidad para que los bailarines hagan cambios físicos sutiles de expresión que un acompañante de baile en vivo observará y copiará mientras tocan. [7]
El músico en vivo en una clase de ballet juega un papel crucial en el proceso creativo. [8] Mientras el profesor de ballet establece un ejercicio (movimiento, conteo, vocalización), el músico observa e imagina la música que mejor acompañará el ejercicio. Luego, el músico toca una pieza musical existente o crea una improvisación musical para apoyar a los bailarines en el ejercicio. Los bailarines se ven afectados por las decisiones del músico, e integran tanto los pasos del profesor de ballet como la música del músico de ballet en su interpretación. En última instancia, el profesor de ballet tiene poco control sobre la parte musical de su lección a menos que le pida al músico que toque una pieza musical específica. Por esta razón, la relación de trabajo entre un profesor de danza y un músico de danza es vital para el éxito de una clase de ballet. [9]
La vestimenta femenina generalmente incluye medias rosas o de color carne , un leotardo y, a veces, una falda corta cruzada o un leotardo con falda . Los hombres generalmente usan medias negras u oscuras, una camisa o leotardo blanco o negro ajustado debajo de las medias y un cinturón de baile debajo de la ropa de baile exterior para brindar soporte. En algunos casos, los estudiantes pueden usar un mono (una prenda de una pieza que combina medias y un leotardo) para mejorar la visibilidad de las líneas artísticas.
Todos los bailarines usan zapatillas de ballet blandas (a veces llamadas planas ). Por lo general, las bailarinas usan zapatos rosas o beige y los hombres usan zapatos negros o blancos. A veces se usan calentadores de piernas durante la primera parte de una clase para proteger los músculos de las piernas hasta que se calienten. Por lo general, se les pide a las mujeres que recojan su cabello en un moño o algún otro estilo de peinado que exponga el cuello que no sea una cola de caballo. La vestimenta y el peinado habituales tienen como objetivo promover la libertad de movimiento y revelar la forma del cuerpo para que el maestro pueda evaluar la alineación y la técnica de los bailarines. Después del calentamiento, las estudiantes femeninas avanzadas pueden usar zapatillas de punta , mientras que los estudiantes masculinos avanzados continúan usando zapatos blandos. Las zapatillas de punta se usan después de que el estudiante se considera lo suficientemente fuerte en los tobillos y puede ejecutar la rutina a un alto nivel, generalmente alrededor o después de los 12 años, o después de que los pies de los bailarines hayan dejado de desarrollarse, para proteger los pies de los bailarines de las lesiones comunes con el uso prematuro.
Existen varios sistemas de entrenamiento de ballet clásico estandarizados y generalizados , cada uno diseñado para producir una calidad estética única en sus estudiantes. Algunos sistemas llevan el nombre de sus creadores; estos suelen llamarse métodos o escuelas . Por ejemplo, dos sistemas predominantes de Rusia son el método Vaganova (creado por Agrippina Vaganova ) y el método Legat (de Nikolai Legat ). El método Cecchetti lleva el nombre del bailarín italiano Enrico Cecchetti . Otro sistema de entrenamiento fue desarrollado y nombrado en honor a August Bournonville ; este se enseña principalmente en Dinamarca. El método de la Royal Academy of Dance (RAD) no fue creado por un individuo, sino por un grupo de notables profesionales del ballet. A pesar de sus asociaciones con estilos de ballet con nombres geográficos, muchos de estos métodos de entrenamiento se utilizan en todo el mundo. Por ejemplo, el método de enseñanza de la RAD se utiliza en más de 70 países.
El ballet de estilo americano ( Balanchine ) no se enseña mediante un sistema de formación estandarizado y generalizado. De manera similar, el ballet francés no tiene un sistema de formación estándar; cada una de las principales escuelas de ballet de estilo francés, como la Escuela de Ballet de la Ópera de París , el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza y la Academia de Danza Clásica Princesa Grace (Mónaco) emplean un sistema de formación único.
Algunos sistemas de formación de ballet clásico emplean diseños estandarizados para definir ubicaciones de referencia en las esquinas y los bordes de los escenarios y las salas de estudio de danza. En este último caso, no hay público y un espejo suele abarcar la pared del fondo del escenario de la sala (por ejemplo, los puntos 1 y 2 del diseño de Cecchetti).
