Op art , abreviatura de arte óptico , es un estilo de arte visual que utiliza ilusiones ópticas . [1]
Las obras de arte Op son abstractas y muchas de las más conocidas se crearon en blanco y negro. Por lo general, dan al espectador la impresión de movimiento, imágenes ocultas, patrones parpadeantes y vibrantes, o hinchazón o deformación.
El ilusionismo , centrado en la percepción del espacio extendido dentro de una imagen plana, se encuentra desde los primeros puntos de la historia del arte. Sin embargo, los antecedentes del arte óptico, en términos de efectos gráficos y preocupación por las ilusiones ópticas exóticas, se remontan al neoimpresionismo , el cubismo , el futurismo , el constructivismo y el dadaísmo . [2] Los divisionistas , un grupo de pintores neoimpresionistas, intentaron aumentar la luminosidad aparente de sus pinturas mediante el recurso a la óptica y las ilusiones ópticas. [3] László Moholy-Nagy produjo arte óptico fotográfico y enseñó la materia en la Bauhaus ; una de sus lecciones consistía en hacer que sus estudiantes hicieran agujeros en tarjetas y luego fotografiarlos. [ cita requerida ]
La revista Time acuñó el término " op art" en 1964, en respuesta a lamuestra de Julian Stanczak , Optical Paintings, en la Martha Jackson Gallery , para referirse a una forma de arte abstracto (específicamente, arte no objetivo) que utiliza ilusiones ópticas. [4] [5] Las obras que ahora se describen como "op art" se habían producido durante varios años antes del artículo de Time de 1964. Por ejemplo,la pintura de Victor Vasarely , Zebras (1938), está compuesta enteramente de rayas blancas y negras curvilíneas que no están contenidas por líneas de contorno. En consecuencia, las rayas parecen fundirse y surgir del fondo circundante. Además, los primeros paneles "deslumbrantes" en blanco y negro que John McHale instaló en la exhibición This Is Tomorrow en 1956 y su serie Pandora en el Institute of Contemporary Arts en 1962 demuestran tendencias proto-op art. Martin Gardner presentó el op art y su relación con las matemáticas en su columna Mathematical Games de julio de 1965 en Scientific American . En Italia, Franco Grignani , que se formó como arquitecto, se convirtió en una fuerza líder del diseño gráfico, en el que el arte óptico o cinético era central. Su logotipo Woolmark (lanzado en Gran Bretaña en 1964) es probablemente el más famoso de todos sus diseños. [6]
El arte óptico tal vez derive más estrechamente de las prácticas constructivistas de la Bauhaus . [7] Esta escuela alemana, fundada por Walter Gropius , enfatizó la relación entre forma y función dentro de un marco de análisis y racionalidad. Los estudiantes aprendieron a centrarse en el diseño general o en toda la composición para presentar obras unificadas. El arte óptico también proviene del trampantojo y la anamorfosis . También se han establecido vínculos con la investigación psicológica, en particular con la teoría de la Gestalt y la psicofisiología . [2] Cuando la Bauhaus se vio obligada a cerrar en 1933, muchos de sus instructores huyeron a los Estados Unidos. Allí, el movimiento echó raíces en Chicago y, finalmente, en el Black Mountain College en Asheville, Carolina del Norte , donde Anni y Josef Albers finalmente enseñaron. [8]
Los artistas ópticos consiguieron así explotar diversos fenómenos", escribe Popper: "la imagen residual y el movimiento consecutivo; la interferencia de líneas; el efecto de deslumbramiento; las figuras ambiguas y la perspectiva reversible; los sucesivos contrastes de color y la vibración cromática; y en obras tridimensionales, los diferentes puntos de vista y la superposición de elementos en el espacio". [2]
En 1955, para la exposición Mouvements en la galería Denise René de París, Victor Vasarely y Pontus Hulten promovieron en su "Manifiesto amarillo" algunas nuevas expresiones cinéticas basadas en fenómenos ópticos y luminosos, así como el ilusionismo pictórico. La expresión arte cinético en esta forma moderna apareció por primera vez en el Museum für Gestaltung de Zúrich en 1960, y encontró su mayor desarrollo en la década de 1960. En la mayoría de los países europeos, generalmente incluye la forma de arte óptico que hace uso principalmente de ilusiones ópticas , como el op art, así como el arte basado en el movimiento representado por Yacov Agam , Carlos Cruz-Diez , Jesús Rafael Soto , Gregorio Vardanega o Nicolas Schöffer . De 1961 a 1968, el Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV), fundado por François Morellet , Julio Le Parc , Francisco Sobrino , Horacio García Rossi, Yvaral , Joël Stein y Vera Molnár, fue un grupo colectivo de artistas optocinéticos que, según su manifiesto de 1963, apelaba a la participación directa del público con una influencia en su comportamiento, en particular a través del uso de laberintos interactivos .
Algunos miembros del grupo Nouvelle tendance (1961-1965) en Europa también se dedicaron al arte óptico, como Almir Mavignier y Gerhard von Graevenitz , principalmente con sus serigrafías. Estudiaron ilusiones ópticas. El término op irritó a muchos de los artistas etiquetados bajo él, incluidos específicamente Albers y Stanczak. Habían discutido sobre el nacimiento del término una mejor etiqueta, a saber, arte perceptual . [9] A partir de 1964, Arnold Schmidt ( Arnold Alfred Schmidt ) realizó varias exposiciones individuales de sus grandes pinturas ópticas en blanco y negro en la Terrain Gallery de Nueva York. [10]
En 1965, entre el 23 de febrero y el 25 de abril, se realizó una exposición llamada The Responsive Eye , creada por William C. Seitz, en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York y viajó a San Luis, Seattle, Pasadena y Baltimore. [11] [12] Las obras mostradas fueron muy variadas, abarcando el minimalismo de Frank Stella y Ellsworth Kelly , la suave plasticidad de Alexander Liberman , los esfuerzos colaborativos del grupo Anonima , junto con los conocidos Wojciech Fangor , Victor Vasarely , Julian Stanczak , Richard Anuszkiewicz , Wen-Ying Tsai , Bridget Riley y Getulio Alviani . La exposición se centró en los aspectos perceptivos del arte, que resultan tanto de la ilusión de movimiento como de la interacción de las relaciones de color.
La exposición fue un éxito entre el público (la asistencia de visitantes fue de más de 180.000), [13] pero no tanto entre los críticos. [14] Los críticos desestimaron el arte óptico por considerar que no era más que un trompe-l'œil , o trucos que engañan a la vista. A pesar de todo, la aceptación del público aumentó y las imágenes de arte óptico se utilizaron en diversos contextos comerciales. Una de las primeras obras de Brian de Palma fue un documental sobre la exposición. [15]
El arte óptico es una experiencia perceptiva relacionada con el funcionamiento de la visión. Es un arte visual dinámico que surge de una relación discordante entre figura y fondo que pone los dos planos (primer plano y segundo plano) en una yuxtaposición tensa y contradictoria. Los artistas crean arte óptico de dos formas principales. El primer método, el más conocido, es crear efectos a través de patrones y líneas. A menudo, estas pinturas son en blanco y negro o en tonos de gris ( grisalla ), como en las primeras pinturas de Bridget Riley, como Current (1964), en la portada del catálogo The Responsive Eye . Aquí, las líneas onduladas en blanco y negro están cerca una de la otra en la superficie del lienzo, creando una relación volátil entre figura y fondo. Getulio Alviani utilizó superficies de aluminio, que trató para crear patrones de luz que cambian a medida que el observador se mueve (superficies de textura vibrantes). Otra reacción que ocurre es que las líneas crean imágenes residuales de ciertos colores debido a cómo la retina recibe y procesa la luz. Como demuestra Goethe en su tratado Teoría de los colores , en el límite donde se encuentran la luz y la oscuridad surge el color porque la claridad y la oscuridad son las dos propiedades centrales en la creación del color. [ cita requerida ]
A partir de 1965, Bridget Riley comenzó a producir arte óptico basado en el color; [16] sin embargo, otros artistas, como Julian Stanczak y Richard Anuszkiewicz , siempre estuvieron interesados en hacer del color el foco principal de su trabajo. [17] Josef Albers enseñó a estos dos principales practicantes de la escuela "Función del color" en Yale en la década de 1950. A menudo, el trabajo colorista está dominado por las mismas preocupaciones del movimiento figura-fondo, pero tienen el elemento agregado de colores contrastantes que producen diferentes efectos en el ojo. Por ejemplo, en las pinturas "templo" de Anuszkiewicz, la yuxtaposición de dos colores altamente contrastantes provoca una sensación de profundidad en el espacio tridimensional ilusionista de modo que parece como si la forma arquitectónica estuviera invadiendo el espacio del espectador.
Aunque el op art es un estilo único, tiene similitudes con estilos como el expresionismo abstracto ( color field painting ). Aunque la pintura de campos de color no nos da ilusiones, aún se pueden encontrar similitudes. Podemos ver que ambos estilos son minimalistas, solo prevalecen unos pocos colores y no se muestra ningún objeto o trama. Estos estilos pueden causarnos emoción, ya que no hay una trama clara, la propia mente humana la imagina e interpreta a su manera. Los colores fríos suelen asociarse con la tristeza, mientras que los colores cálidos se asocian con la alegría. Además, el op art y la pintura de campos de color se caracterizan por el hecho de que la imagen es estética y ordenada.
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