El arte soviético es el estilo de arte visual producido después de la Revolución Rusa de 1917 y durante la existencia de la Unión Soviética , hasta su colapso en 1991. La Revolución Rusa provocó un cambio artístico y cultural dentro de Rusia y la Unión Soviética en su conjunto, incluyendo un nuevo enfoque en el realismo socialista en el arte oficialmente aprobado .
Durante la década de 1920, hubo una intensa competencia ideológica entre diferentes grupos artísticos que luchaban por determinar las formas y direcciones en las que se desarrollaría el arte soviético, buscando ocupar puestos clave en las instituciones culturales y ganarse el favor y el apoyo de las autoridades.
Esta lucha se hizo aún más amarga por la creciente crisis del arte de izquierda radical . A principios de la década de 1930, muchas tendencias de vanguardia se habían agotado y sus antiguos defensores comenzaron a representar objetos de la vida real mientras intentaban volver al sistema tradicional de imágenes pintadas, incluidos los principales artistas de la Sota de Diamantes . A principios de la década de 1930, Kazimir Malevich (1879-1935) volvió al arte figurativo . [1]
Un grupo de destacados partidarios de las opiniones izquierdistas incluía a David Shterenberg , Alexander Drevin , Vladimir Tatlin , Wassily Kandinsky , Kazimir Malevich , Osip Brik , Sofya Dymshits-Tolstaya, Olga Rozanova , Mikhail Matyushin y Nathan Altman . Ocuparon cargos dentro del gobierno soviético y de los soviets locales de Moscú y Petrogrado, determinando la política del departamento de Bellas Artes. [ cita necesaria ]
La posición del Departamento de Bellas Artes fue expresada más plenamente por Nikolai Punin en 1919. Escribió: " Si la representación del mundo ayuda al conocimiento, sólo en las primeras etapas del desarrollo humano, después de lo cual ya se convierte en un efecto directo un obstáculo para el crecimiento del arte o para su interpretación clasista" , y " El elemento de representación es ya un elemento característico de una comprensión burguesa del arte" . [2]
Los representantes del arte ruso que habían comenzado sus carreras antes de la revolución señalaron el peligro de una ruptura con las tradiciones del arte progresista prerrevolucionario y la escuela de arte. Estos incluían a Dmitry Kardovsky , Isaak Brodsky , Alexander Savinov , Abram Arkhipov , Boris Kustodiev , Kuzma Petrov-Vodkin , Arkady Rylov , Anna Ostroumova-Lebedeva , Mikhail Avilov , Alexander Samokhvalov, Boris Ioganson , Rudolf Frentz y otros. En la década de 1920, el desarrollo del arte soviético y su escuela de arte estuvo influenciado por las incesantes polémicas y concursos entre diversas tendencias artísticas. [3]
Proletkult se formó pocos días antes de la Revolución de Octubre y tenía como objetivo poner todas las artes al servicio de la dictadura del proletariado . Inicialmente apoyado por Narkompros , finalmente decayó considerablemente y se disolvió en 1932. [ cita requerida ] .
El movimiento de vanguardia atrajo los intereses de la organización Proletkult, [4] que era muy ecléctica en sus formas artísticas e incluía tendencias modernas como el impresionismo y el cubismo .
Entre los primeros experimentos de Proletkult se encontraba la estética pragmática del arte industrial , siendo el teórico destacado Boris Arvatov (1896-1940).
Otro grupo fue UNOVIS , una colección de artistas jóvenes de muy corta duración pero influyente, dirigida por Kazimir Malevich en la década de 1920.
Después del descubrimiento de porcelana en 1917 [ se necesita aclaración ] en la Manufactura Estatal de Porcelana , también se utilizó con fines propagandísticos. Esta porcelana estaba destinada menos al uso cotidiano y más a la decoración. Ya en la década de 1920 se celebraban exposiciones de porcelana fuera de la Unión Soviética. [5]
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El arte oficialmente aprobado debía seguir la doctrina del realismo socialista. En la primavera de 1932, el Comité Central del Partido Comunista decretó que todos los grupos y organizaciones literarias y artísticas existentes debían disolverse y reemplazarse por asociaciones unificadas de profesiones creativas. En consecuencia, en agosto de 1932 se creó la Unión de Artistas de Moscú y Leningrado, lo que puso fin a la historia del arte posrevolucionario. Comenzó la época del arte soviético. [6]
En octubre de 1932, el Comité Ejecutivo Central Panruso y el Consejo de Comisarios del Pueblo adoptaron una resolución sobre la creación de una academia de artes . El Instituto de Bellas Artes Proletarias de Leningrado se transformó en el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura. Esto puso fin a un período de 15 años de cambios constantes en la institución de educación artística más grande del país. En total, durante el período 1917-1991, el Instituto graduó a más de 10.000 artistas e historiadores del arte. [7] Entre ellos se encontraban artistas y escultores tan importantes de la URSS como Alexander Samokhvalov , Yevsey Moiseyenko , Andrei Mylnikov , Yuri Neprintsev , Aleksandr Laktionov , Mikhail Anikushin , Piotr Belousov , Boris Ugarov , Ilya Glazunov , Nikolai Timkov y otros.
Los artistas soviéticos más conocidos fueron Isaak Brodsky , Alexander Samokhvalov , Boris Ioganson , Aleksandr Deyneka , Aleksandr Laktionov , Yuri Neprintsev y otros pintores de las escuelas de Moscú y Leningrado. [8] El artista moscovita Aleksandr Gerasimov produjo una gran cantidad de pinturas heroicas de Joseph Stalin y otros miembros del Politburó durante su carrera. Nikita Khrushchev alegó más tarde que Kliment Voroshilov pasaba más tiempo posando en el estudio de Gerasimov que atendiendo a sus deberes en el Comisariado de Defensa del Pueblo. La pintura de Gerasimov muestra un dominio de las técnicas de representación clásicas.
Sin embargo, las exposiciones de arte de 1935-1960 refutan las afirmaciones de que la vida artística de la época fue suprimida por la ideología y los artistas se sometieron por completo a lo que entonces se llamaba «orden social». Un gran número de paisajes, retratos, pinturas de género y estudios expuestos en la época perseguían fines puramente técnicos y, por tanto, estaban libres de cualquier ideología. Este enfoque se siguió cada vez más consistentemente también en la pintura de género, aunque los artistas jóvenes de la época todavía carecían de la experiencia y el dominio profesional para producir obras de alto nivel artístico dedicadas a la actualidad soviética. [9]
Un conocido historiador del arte ruso, Vitaly Manin, consideraba que «lo que en nuestro tiempo se denomina mito en las obras de los artistas de los años 30 era una realidad y, además, así era percibida por personas reales. Por supuesto, existía otro lado de la vida, pero eso no anula lo que los artistas representaban... Da la impresión de que las disputas sobre el arte se llevaron a cabo antes y después de 1937 en interés de la burocracia del partido y de los artistas con una orientación proletaria. obsesión, pero en absoluto de verdaderos artistas, que encontraron temas en el mundo contemporáneo y no se involucraron en cuestiones de la forma de su expresión». [10]
En el período comprendido entre mediados de los años cincuenta y sesenta, el arte del realismo socialista se acercaba a su cúspide. Los artistas que se habían graduado en la academia ( Instituto de Artes Repin ) en las décadas de 1930 y 1950 estaban en su mejor momento. Presentaron rápidamente su arte, se esforzaron por experimentar y estaban ansiosos por apropiarse de mucho y aprender aún más. Su arte capturó las imágenes, ideas y disposiciones de su época y de sus contemporáneos a través de retratos, paisajes y pinturas de género de artistas como Lev Russov , Victor Oreshnikov , Boris Korneev , Semion Rotnitsky , Vladimir Gorb , Engels Kozlov , Nikolai Timkov , Alexander Grigoriev. , Aleksei Gritsai , Vladimir Ovchinnikov , Vecheslav Zagonek , Sergei Osipov , Alexander Semionov , Arseny Semionov , Nikolai Galakhov , Geliy Korzhev , Arkady Plastov , Nikolai Pozdneev , Yuri Neprintsev , Fyodor Reshetnikov , Yevsey Moiseyenko y Andrei Mylnikov . El arte de este período mostró un extraordinario gusto por la vida y el trabajo creativo.
En 1957 se celebra en Moscú el primer Congreso de Artistas Soviéticos de toda la Unión. Se crea la Unión de Artistas de la URSS, que reúne a más de 13.000 artistas profesionales de todas las repúblicas y de todas las especialidades. En 1960 se organizó la Unión de Artistas de la Federación de Rusia. [11] En consecuencia, estos acontecimientos influyeron en la vida artística en Moscú, Leningrado y la provincia. Se amplió el alcance de la experimentación; en particular, se trataba de la forma y los lenguajes pictóricos y plásticos. Imágenes de jóvenes y estudiantes, pueblos y ciudades que cambian rápidamente, tierras vírgenes cultivadas, grandiosos planes de construcción realizados en Siberia y la región del Volga y grandes logros de la ciencia y la tecnología soviéticas se convirtieron en los temas principales de la nueva pintura. Los héroes de la época (jóvenes científicos, trabajadores, ingenieros civiles y médicos) se convierten en los héroes más populares de la pintura.
En este período, la vida brindaba a los artistas muchos temas apasionantes, figuras positivas e imágenes. Los legados de muchos grandes artistas y movimientos artísticos volvieron a estar disponibles para el estudio y el debate público. Esto amplió enormemente la comprensión de los artistas sobre el método realista y amplió sus posibilidades. Fue la repetida renovación de la concepción misma del realismo lo que hizo que este estilo dominara el arte ruso a lo largo de su historia. La tradición realista dio lugar a muchas tendencias en la pintura contemporánea , incluida la pintura del natural, la pintura de «estilo severo» y el arte decorativo. Sin embargo, durante este período, el impresionismo , el postimpresionismo , el cubismo y el expresionismo también tuvieron sus fervientes adeptos e intérpretes. [ cita necesaria ]
La muerte de Joseph Stalin en 1953 y Thaw de Nikita Khrushchev allanaron el camino para una ola de liberalización de las artes en toda la Unión Soviética . Aunque no se produjo ningún cambio oficial en la política, los artistas comenzaron a sentirse libres de experimentar en su trabajo con mucho menos temor a las repercusiones que durante el período estalinista.
En la década de 1950, el artista moscovita Ely Bielutin animó a sus alumnos a experimentar con el abstraccionismo , una práctica completamente desaconsejada por la Unión de Artistas , que hacía cumplir estrictamente la política oficial del realismo socialista . Los artistas que eligieron pintar en estilos alternativos tuvieron que hacerlo completamente en privado y nunca pudieron exhibir ni vender sus obras. Como resultado, el arte inconformista se desarrolló por un camino separado del arte oficial que quedó registrado en los libros de historia.
La revista Life publicó dos retratos de dos pintores que, en su opinión, eran los más representativos del arte ruso de la época: Serov, un icono oficial soviético, y Anatoly Zverev , un expresionista ruso clandestino de vanguardia . Muchos asociaron el retrato de Vladimir Lenin que hizo Serov y el autorretrato de Zverev con una eterna lucha bíblica entre Satanás y el Salvador. Cuando Jruschov se enteró de la publicación, se indignó y prohibió todo contacto con visitantes occidentales y cerró todas las exposiciones semilegales. Zverev fue el principal blanco de su indignación.
El Grupo Lianozovo se formó en torno al artista Oscar Rabin en la década de 1960 e incluía a artistas como Valentina Kropivnitskaya, Vladimir Nemukhin y Lydia Masterkova. Si bien no adhirieron a ningún estilo común, estos artistas buscaron expresarse fielmente en el modo que consideraron apropiado, en lugar de adherirse al estilo propagandístico del realismo socialista .
La tolerancia hacia el arte inconformista por parte de las autoridades experimentó altibajos hasta el colapso final de la Unión Soviética en 1991. Los artistas aprovecharon los primeros años después de la muerte de Stalin para experimentar en su trabajo sin temor a ser perseguidos. En 1962, los artistas experimentaron un ligero revés cuando Nikita Khrushchev apareció en la exposición que celebraba el 30º aniversario de la Unión de Artistas de Moscú en la sala de exposiciones Manege de Moscú , un episodio conocido como el Asunto Manege . Entre las obras habituales del realismo socialista se encontraban algunas obras abstractas de artistas como Ernst Neizvestny y Eli Beliutin , que Jruschov criticó por ser "mierda" y a los artistas por ser "homosexuales". El mensaje era claro: la política artística no era tan liberal como todos esperaban. [ cita necesaria ]
La política jugó un papel importante en el desarrollo del arte soviético tardío. Tanto en el mundo del arte como en el público en general, se ha prestado muy poca atención al carácter estético de las obras producidas en la URSS en los años 1970 y 1980. En cambio, el arte oficial y no oficial de la época solía representar los acontecimientos políticos "malos" o "buenos". Una imagen más matizada enfatizaría que hubo numerosos grupos competidores que hacían arte en Moscú y Leningrado durante este período. Las figuras más importantes de la escena artística internacional fueron los artistas moscovitas Ilya Kabakov, Erik Bulatov, Andrei Monastyrsky, Vitaly Komar y Aleksandr Melamid.
El incidente más infame relacionado con los artistas inconformistas en la ex Unión Soviética fue la Exposición Bulldozer de 1974 , que tuvo lugar en un parque en las afueras de Moscú e incluyó obras de artistas como Oscar Rabin , Komar y Melamid , Alexandr Zhdanov , Nikolai Smoliakov y Leonid Sokov. . Los artistas involucrados habían escrito a las autoridades pidiendo permiso para realizar la exposición, pero no recibieron respuesta a su solicitud. Decidieron seguir adelante con la exposición de todos modos, que consistía únicamente en obras de arte no oficiales que no encajaban en la rúbrica del realismo socialista . La KGB puso fin a la exposición apenas unas horas después de su inauguración, utilizando excavadoras para destruir por completo todas las obras de arte presentes. Sin embargo, la prensa extranjera había estado allí para presenciar el evento, y la cobertura mundial del mismo obligó a las autoridades a permitir una exposición de arte inconformista dos semanas después en el parque Izmailovsky de Moscú.
Unos pocos coleccionistas de Europa occidental apoyaron a muchos de los artistas de la Unión Soviética durante las décadas de 1960 y 1970. Uno de los principales coleccionistas y filántropos fue la pareja Kenda y Jacob Bar-Gera. La Colección Bar-Gera consta de unas 200 obras de 59 artistas rusos de la era soviética que no quisieron abrazar la directiva artística oficial de la Unión Soviética post-estalinista. Kenda y Jacob Bar-Gera, ambos supervivientes del Holocausto, apoyaron a estos artistas parcialmente perseguidos enviándoles dinero o materiales de pintura desde Alemania a la Unión Soviética. Aunque Kenda y Jacob no conocieron a los artistas en persona, compraron muchas de sus pinturas y otros objetos de arte. Las obras fueron introducidas de contrabando a Alemania escondiéndolas en las maletas de diplomáticos, empresarios viajeros y estudiantes, lo que convirtió a la Colección Bar-Gera de Inconformistas Rusos en una de las más grandes de su tipo en el mundo. La colección contiene, entre otros, obras de Bachtschanjan Vagritsch, Jankilevskij Wladimir, Rabin Oskar, Batschurin Ewganij, Kabakov Ilja, Schablavin Sergei, Belenok Piotr, Krasnopevcev Dimitrij, Schdanov Alexander, Igor Novikov , Bitt Galina, Kropivnitzkaja Walentina, Schemjakin Michail, Bobrowskaja Olga, Kropivnitzkij Lew, Schwarzman Michail, Borisov Leonid, Kropiwnizkij Jewgenij, Sidur Vadim, Bruskin Grischa, Kulakov Michail, Sitnikov Wasili y muchos otros.
A finales de la década de 1980, las políticas de Perestroika y Glasnost de Mikhail Gorbachev hicieron prácticamente imposible que las autoridades impusieran restricciones a los artistas o su libertad de expresión. Con el colapso de la Unión Soviética , la nueva economía de mercado permitió el desarrollo de un sistema de galerías, lo que significó que los artistas ya no tenían que ser empleados por el Estado y podían crear obras de acuerdo a sus propios gustos así como a los gustos de sus clientes privados. patrocinadores. En consecuencia, alrededor de 1986, el fenómeno del arte inconformista en la Unión Soviética dejó de existir.
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