Franz Kline (23 de mayo de 1910 - 13 de mayo de 1962) fue un pintor estadounidense. Se lo asocia con el movimiento expresionista abstracto de las décadas de 1940 y 1950. Kline, junto con otros pintores de acción como Jackson Pollock , Willem de Kooning , Robert Motherwell , John Ferren y Lee Krasner , así como poetas, bailarines y músicos locales, llegó a ser conocido como el grupo informal, la Escuela de Nueva York . Aunque exploró las mismas innovaciones en la pintura que los otros artistas de este grupo, el trabajo de Kline es distinto en sí mismo y ha sido venerado desde la década de 1950. [1]
Kline nació en Wilkes-Barre, Pensilvania , una pequeña comunidad en la región carbonífera del noreste de Pensilvania . Cuando tenía siete años, el padre de Kline se suicidó. Durante su juventud, se mudó a Lehighton, Pensilvania , donde se graduó de la Lehighton High School . [2] Su madre más tarde se volvió a casar y lo envió al Girard College , una academia en Filadelfia para niños sin padre. Después de graduarse de la escuela secundaria, Kline estudió arte en la Universidad de Boston de 1931 a 1935, luego pasó un año en Inglaterra asistiendo a la Escuela de Bellas Artes Heatherley en Londres. Durante este tiempo conoció a su futura esposa, Elizabeth V. Parsons, una bailarina de ballet británica. Ella regresó a los Estados Unidos con Kline en 1938. [3]
A su regreso al país, Kline trabajó como diseñador para una tienda departamental en el estado de Nueva York. Luego se mudó a la ciudad de Nueva York en 1939 y trabajó para un diseñador de escenarios. Fue durante este tiempo en Nueva York que Kline desarrolló sus técnicas artísticas y ganó reconocimiento como un artista importante. [4]
Más tarde enseñó en varias instituciones, entre ellas el Black Mountain College en Carolina del Norte y el Pratt Institute en Brooklyn. [5] Pasó los veranos de 1956 a 1962 pintando en Provincetown , Massachusetts, y murió en 1962 en la ciudad de Nueva York de una enfermedad cardíaca reumática, diez días antes de cumplir 52 años. [4]
La formación artística de Kline se centró en la ilustración y el dibujo tradicionales. A finales de la década de 1930 y principios de la de 1940, Kline trabajó de forma figurativa, pintando paisajes y paisajes urbanos, además de retratos y murales por encargo. Su estilo individual se puede ver por primera vez en la serie de murales Hot Jazz , que pintó para la taberna Bleecker Street en Greenwich Village en 1940. [6]
La serie reveló su interés por descomponer formas representativas en pinceladas rápidas y rudimentarias.
El estilo personal que desarrolló durante esta época, con formas simplificadas, se fue haciendo cada vez más abstracto. Muchas de las figuras que retrató se basan en locomotoras, paisajes austeros y grandes formas mecánicas de su comunidad minera de Pensilvania, donde vivían mineros de carbón. A veces, esto solo resulta evidente para los espectadores porque las piezas llevan el nombre de esos lugares y objetos, no porque realmente se parezcan al tema. [7] Con la influencia de la escena artística contemporánea de Nueva York, Kline se adentró más en la abstracción y finalmente abandonó el representacionismo. A partir de finales de la década de 1940, Kline comenzó a generalizar sus temas figurativos en líneas y planos que encajaban entre sí de forma muy similar a las obras del cubismo de la época. [8]
En 1946, el puesto de la Legión Americana en Lehighton, Pensilvania, encargó a Kline que hiciera un lienzo de gran tamaño que representara la ciudad donde había asistido a la escuela secundaria. El mural Lehighton fue adquirido del puesto de la Legión Americana en 2016 por el Museo de Arte de Allentown en Allentown, Pensilvania , y hoy se encuentra en exposición permanente allí. [9]
Se cree ampliamente que el estilo más reconocible de Kline se derivó de una sugerencia que le hizo su amigo e influencia creativa, Willem de Kooning . La esposa de De Kooning, Elaine, dio un relato romántico del evento, afirmando que, en 1948, De Kooning le aconsejó a un Kline artísticamente frustrado que proyectara un boceto en la pared de su estudio, utilizando un proyector Bell-Opticon. [10] Kline describió la proyección de la siguiente manera:
"Un dibujo negro de diez por diez centímetros de una mecedora... se alzaba en gigantescos trazos negros que erradicaban cualquier imagen, los trazos se expandían como entidades en sí mismas, sin relación con ninguna entidad excepto la de su propia existencia". [11]
Como sugiere Elaine de Kooning, fue entonces cuando Kline se dedicó a las obras abstractas a gran escala y comenzó a desarrollar su forma personal de expresionismo abstracto. Sin embargo, aunque Willem de Kooning recuerda que Kline se adentró en la abstracción "de repente, se sumergió en ella", también admite que le llevó un tiempo considerable, afirmando que "Franz tenía una visión de algo y, a veces, lleva bastante tiempo desarrollarla". [12] Durante los dos años siguientes, las pinceladas de Kline se volvieron completamente no representativas, fluidas y dinámicas. También fue en esta época cuando Kline comenzó a pintar solo en blanco y negro. Explicó cómo su paleta monocromática estaba destinada a representar el espacio negativo y positivo diciendo: "Pinto tanto el blanco como el negro, y el blanco es igual de importante". [11] Su uso del blanco y negro es muy similar a las pinturas realizadas por de Kooning y Pollock durante la década de 1940. [10] También parece haber referencias a la caligrafía japonesa en las pinturas en blanco y negro de Kline, a través de su intercambio con el grupo de caligrafía de vanguardia japonés Bokujinkai y su líder Morita Shiryu , aunque Kline luego negó esa conexión. [13]
La primera exposición individual de Kline tuvo lugar entre el 16 de octubre y el 4 de noviembre de 1950 en la Galería Egan, 63 East 57th Street, y consistió en once pinturas abstractas. El color era un elemento poco común en las pinturas: una capa marrón de fondo cerca de la parte inferior de Nijinsky y fugaces indicios de verde en Leda . Las pinturas mostraban una variedad de composiciones y estados de ánimo, pero todas tenían un rasgo definitorio: el estilo característico de Kline de negro sobre blanco. [14] A principios de la década de 1950, su trabajo parecía muy inspirado por el pintor francés Pierre Soulages , que había expuesto en la galería de Betty Parsons en Nueva York en 1949. [15] A fines de la década de 1930 en Londres, Kline se había llamado a sí mismo un "hombre blanco y negro", pero no fue hasta la muestra de la Galería Egan que la precisión de esta fase quedó clara para los demás. Debido al impacto de Kline y a su estilo concreto, a Kline se le apodó el "artista en blanco y negro", una etiqueta que se le quedó grabada y que en ocasiones lo limitaba. [12] La primera exposición individual de Kline fue un acontecimiento crucial en su carrera, ya que marcó el comienzo y el final prácticamente simultáneos de su principal invención como artista abstracto. A los cuarenta años, Kline había conseguido un estilo personal que ya dominaba. No había formas reales de que Kline profundizara en su investigación; sólo tenía el potencial de replicar el estilo que ya dominaba. Para seguir adelante, sólo había una dirección lógica que Kline podía tomar: volver al color, la dirección en la que se dirigía en el momento de su muerte prematura por insuficiencia cardíaca. [12]
A finales de los años 50, en pinturas como Réquiem (1958), Kline comenzó a experimentar con claroscuros más complejos en lugar de centrarse en una paleta monocromática estricta. Luego, en 1958, reintrodujo el uso del color en su obra a través de acentos coloridos en sus pinturas en blanco y negro. Esta exploración de regreso al uso del color todavía estaba en desarrollo cuando Kline murió en 1962. [8] Recientemente, el Instituto Hauser & Wirth publicó un catálogo razonado digital sobre "Pinturas de Franz Kline, 1950-1962" utilizando la plataforma Navigating.art. [16]
Kline es reconocido como uno de los artistas más importantes y problemáticos del movimiento expresionista abstracto de Nueva York. Para los críticos, su estilo es difícil de interpretar en relación con sus contemporáneos. [17]
Las pinturas de Kline son engañosamente sutiles. Si bien sus pinturas tienen en general un impacto espontáneo y dramático, Kline a menudo se refería estrechamente a sus dibujos compositivos. Kline representó cuidadosamente muchas de sus imágenes más complejas a partir de estudios extensos, generalmente creados en páginas desechadas de la guía telefónica. A diferencia de sus compañeros expresionistas abstractos, las obras de Kline solo pretendían que parecieran realizadas en un momento de inspiración; sin embargo, cada cuadro fue explorado en profundidad antes de que el pincel de su pintor de brocha gorda tocara el lienzo. [8]
Kline también era conocido por evitar dar significado a sus pinturas, a diferencia de sus colegas que daban descripciones místicas de sus obras. [18] En un catálogo de las obras de Kline, la historiadora del arte Carolyn Christov-Bakargiev escribe que "su arte sugiere y niega significado y significado". [19] Muchos de sus trabajos han sido vistos por los historiadores del arte como indicaciones de una progresión hacia la pintura minimalista . Creen que sus obras tienen una opacidad y franqueza objetivas que difieren de la subjetividad involucrada con el estilo de la Escuela de Nueva York. Esto haría que su trabajo fuera más similar a las plataformas de vanguardia como el minimalismo que reemplazó al movimiento expresionista abstracto en la década de 1960. [20]
El historiador de arte David Anfam señala que los artistas que trabajaron durante la vida de Kline y después, como Robert Rauschenberg , Aaron Siskind , Cy Twombly , Mark di Suvero y Brice Marden , han llamado a Kline una inspiración. [21]
En 2024, Kline fue anunciado como miembro del Salón de la Fama de las Artes y el Entretenimiento del Condado de Luzerne. [22]
En 2012, el financista de San Francisco George R. Roberts vendió una obra en blanco y negro de casi tres metros de ancho y sin título de 1957 en Christie's , Nueva York. La pintura fue subastada por teléfono por 36 millones de dólares, o 40,4 millones de dólares con honorarios (Christie's garantizó al vendedor Robert Mnuchin un mínimo no revelado), [23] un precio récord para el artista en una subasta y más de seis veces el récord anterior, que se estableció en 2005 cuando Christie's vendió Crow Dancer (1958) por 6,4 millones de dólares. [24]
En 1995, un coleccionista privado compró en Sotheby's una obra temprana, SIN TÍTULO , de 1940 (que representa el interior de una habitación) por 21.850 dólares. [25] Esta obra temprana ayuda a definir su primera fase, antes de su transformación de pintor realista a expresionista abstracto innovador. Las pinceladas audaces de la pintura prefiguran la abstracción negra épica de su estilo innovador.
En 2018, el Instituto Hauser & Wirth, en cooperación con el patrimonio de Franz Kline, comenzó a preparar el catálogo razonado Pinturas de Franz Kline, 1950-1962 . [26] Se espera que el proyecto, que presentará por primera vez un compendio en línea de las obras al óleo sobre lienzo de Kline realizadas entre 1950 y la muerte del artista en 1962, se complete en 2022.
Kline tuvo su exposición de gran éxito en la Galería Charles Egan en 1950, y participó en la Exposición de Arte de la Calle 9 al año siguiente. En 1958 fue incluido en la gran exposición del Museo de Arte Moderno , "La nueva pintura americana", que recorrió ocho ciudades europeas. [5] En la década anterior a su muerte, su obra fue incluida en numerosas exposiciones internacionales, entre ellas la Bienal de Venecia (1956, 1960); Documenta , Kassel, Alemania Occidental (1959); Bienal de São Paulo (1957); y Whitney Annuals and Biennials (1952, 1953, 1955, 1961). La Galería de Arte Moderno de Washington, Washington, DC, organizó una exposición conmemorativa (1962). También se han celebrado importantes exposiciones monográficas en el Museo Whitney de Arte Americano , Nueva York (1968); Phillips Collection , Washington, DC (1979); Museo de Arte de Cincinnati , viajando al Museo de Arte Moderno de San Francisco y a la Academia de Bellas Artes de Pensilvania (1985); Colección Menil , Houston (1994); Fundación Antoni Tàpies , Barcelona (1994); y Castello di Rivoli , Museo d'arte contemporanea, Italia (2004). [27]
