Yvonne Rainer (nacida el 24 de noviembre de 1934) es una bailarina , coreógrafa y cineasta estadounidense , cuyo trabajo en estas disciplinas se considera desafiante y experimental . [1] Su trabajo a veces se clasifica como arte minimalista . Rainer actualmente vive y trabaja en Nueva York . [2]
Yvonne Rainer nació el 24 de noviembre de 1934 en San Francisco , California . [1] Sus padres, Joseph y Jeanette, se consideraban radicales. Su madre, taquígrafa, nació en Brooklyn , hija de inmigrantes judíos de Varsovia , y su padre, albañil y pintor de casas, nació en Vallanzengo , en el norte de Italia, y emigró a los Estados Unidos a los 21 años. [3]
Rainer creció junto con un hermano mayor en el distrito Sunset de San Francisco, que ella misma describió como "un barrio de familias protestantes blancas de clase trabajadora". Desde los doce años, estuvo "expuesta a la embriagadora mezcla de poetas, pintores, escritores y anarquistas italianos". [4]
Durante su infancia, su padre la llevaba a ver películas extranjeras en el Palacio de la Legión de Honor , mientras que su madre la llevaba al ballet y a la ópera. Asistió a la escuela secundaria Lowell High School y, después de graduarse, se inscribió en el San Francisco Junior College , pero abandonó los estudios al cabo de un año. [ cita requerida ]
En su adolescencia, mientras se ganaba la vida como mecanógrafa en una compañía de seguros, Rainer frecuentaba el Cellar, [5] un club de jazz en North Beach, San Francisco, donde escuchaba a poetas acompañados de músicos de jazz en vivo. Fue allí donde conoció a Al Held, un pintor, quien le presentó a varios artistas nativos de Nueva York. En agosto de 1956, a los 21 años, siguió a Held a Nueva York y vivió con él durante los siguientes tres años.
Doris Casella, una música y amiga íntima, presentó a Rainer alrededor de 1957 a las clases de danza de Edith Stephen, una bailarina moderna. En su primera clase, Stephen le dijo que no estaba muy "desnuda". Rainer admite: "Lo que no dijo fue algo que reconocería gradualmente en los siguientes años, que mi falta de densificación y flexibilidad junto con una espalda larga y piernas cortas reducirían mis posibilidades de actuar con cualquier compañía de danza establecida". A partir de 1959, estudió durante un año en la Martha Graham School , donde Graham notoriamente le dijo: "Cuando te aceptes a ti misma como mujer, tendrás densificación"; [4] más tarde tomó clases de ballet con Mia Slavenska seguidas de clases con James Waring , en cuya compañía bailó brevemente, y durante ocho años estudió con Merce Cunningham .
En el año en que Rainer estudió en la Graham School – 1959-60 – Rainer conoció a Simone Forti y Nancy Meehan, quienes habían trabajado con Anna Halprin y Welland Lathrop en San Francisco. [6]
A mediados de 1960, los tres alquilaron un estudio en Nueva York y trabajaron en improvisaciones de movimiento. En agosto de 1960, viajó con Forti al condado de Marin, California , para asistir al taller de verano de Halprin, que fue muy importante, además de la influencia de Forti, para el trabajo de danza solista temprano de Rainer. A fines de 1960, tanto Forti como Rainer asistieron al taller de coreografía que el músico y compositor Robert Dunn comenzó a realizar en el estudio de Cunningham basándose en las teorías de John Cage . Aquí, Rainer creó e interpretó sus primeras danzas. [ cita requerida ]
En mis obras hay muchos gestos, y también sonidos y movimientos que los acompañan. Imagino que lo que se percibe es incongruente, extraño, quizá raro o excéntrico, aunque no hago ningún intento consciente de hacer humor. A veces mi imagen adopta la forma de un cuerpo desorientado en el que una parte no sabe lo que está haciendo la otra. [7]
En 1962, Rainer, Steve Paxton y Ruth Emerson se acercaron al reverendo Al Carmines en la iglesia Judson Memorial para preguntarles si podían comenzar a actuar allí. La iglesia ya era conocida por el teatro de poetas Judson y la galería de arte Judson, que habían estado mostrando el trabajo de Claes Oldenburg , Allan Kaprow , Robert Whitman , Jim Dine y Tom Wesselmann . Ahora se convirtió en un punto focal para la actividad de danza de vanguardia y conciertos de danza.
Rainer es conocida por su enfoque de la danza que trata "al cuerpo más como la fuente de una infinita variedad de movimientos" que como el proveedor de la trama o el drama. Muchos de los elementos que empleó, como la repetición, las tareas y la indeterminación, se convirtieron más tarde en características estándar de la danza contemporánea. En 1965, cuando escribió sobre una danza reciente -Partes de algunos sextetos- para la Tulane Drama Review, terminó el ensayo con lo que se convirtió en su notorio No Manifesto , que "reconsideró" en 2008. En 1969, su trabajo se publicó en la revista 0 to 9 , una publicación de vanguardia que experimentó con el lenguaje y la creación de significado.
NO al espectáculo.
No al virtuosismo.
No a las transformaciones, a la magia y a la ficción.
No al glamour y a la trascendencia de la imagen de la estrella.
No a lo heroico.
No a lo antiheroico.
No a las imágenes basura.
No a la implicación del intérprete o del espectador.
No al estilo.
No a lo exagerado.
No a la seducción del espectador por las artimañas del intérprete.
No a la excentricidad.
No a conmover o a ser conmovido. [8]
La repetición y el sonido se emplearon en su primera pieza coreografiada, Three Satie Spoons (1961), un solo en tres partes interpretado por Rainer con el acompañamiento de Trois Gymnopedies de Eric Satie . La última sección contenía un "bip bip bip repetido en un chillido de falsete" y la línea hablada: "La hierba es más verde cuando el sol es más amarillo". [9] Con el tiempo, su trabajo cambió para incluir palabras habladas más narrativas y cohesivas. Ordinary Dance (1962) fue una combinación de movimiento y narrativa, y presentó la repetición de movimientos simples mientras Rainer recitaba un monólogo autobiográfico que contenía los nombres de las calles en las que había vivido mientras estuvo en San Francisco. Una característica de la coreografía temprana de Rainer fue su fascinación por utilizar intérpretes sin formación. We Shall Run (1963) contaba con doce intérpretes, tanto bailarines como no bailarines, que, vestidos con ropa de calle, corrieron por el escenario en varios patrones de suelo durante doce minutos al son de la "Tuba Mirum" del Réquiem de Berlioz . [10] Su primera coreografía de larga duración, para seis bailarines, llamada Terrain , se presentó en la Iglesia Judson en 1963.
Una de las piezas más famosas de Rainer, Trio A (1966), fue inicialmente la primera sección de una obra que duraba toda la noche titulada The Mind Is a Muscle . Su decisión en Trio A de ejecutar movimientos con una distribución uniforme de la energía reflejó un desafío a las actitudes tradicionales sobre el "fraseo", que puede definirse como la forma en que se distribuye la energía en la ejecución de un movimiento o una serie de movimientos. La innovación de Trio A radica en su intento de borrar las diferencias de inversión de energía tanto dentro de una frase dada como en la transición de una a otra, lo que da como resultado una ausencia de la apariencia clásica de "ataque" al comienzo de una frase y recuperación al final con la energía detenida en algún lugar en el medio, como en un grand jeté . Otra característica de esta danza de cinco minutos es que la intérprete nunca establece contacto visual con los espectadores, y en el caso en que el movimiento requiere que la bailarina mire al público, los ojos están cerrados o la cabeza está involucrada en el movimiento. Aunque Rainer utilizó la repetición en obras anteriores como un dispositivo para hacer que el movimiento sea más fácil de leer, decidió no repetir ningún movimiento en la pieza. El Trío A suele considerarse una actuación orientada a tareas debido a este estilo de distribución de la energía, también por su énfasis en un enfoque neutral o sin carácter en la ejecución del movimiento y la falta de interacción con el público. La primera vez que se interpretó la pieza se tituló The Mind is a Muscle, Part 1 (La mente es un músculo, parte 1 ) y fue interpretada simultáneamente, pero no al unísono, por Rainer, Steve Paxton y David Gordon. El Trío A ha sido ampliamente enseñado e interpretado por otros bailarines.
Rainer ha coreografiado más de 40 obras de concierto.
Entre 1972 y 1975 pasé de la coreografía al cine. En términos generales, mi creciente conciencia feminista fue un factor importante. Un estímulo igualmente urgente fueron los cambios físicos que se avecinaban en mi cuerpo envejecido. [17]
Rainer a veces incluía secuencias filmadas en sus bailes, y en 1972 comenzó a dirigir largometrajes. [13] El tono feminista de sus películas, caracterizado por un interés en cómo el cuerpo femenino estaba siendo visto u objetivado por directores masculinos, resonó con la teoría cinematográfica feminista que emergía en ese momento en textos seminales como Visual Pleasure and Narrative Cinema de Laura Mulvey . [18] Sus primeras películas no siguen las convenciones narrativas; en cambio, las películas de Rainer combinan autobiografía y ficción, sonido e intertítulos, para abordar cuestiones sociales y políticas. Rainer dirigió varias películas experimentales sobre danza y performance, incluyendo Lives of Performers (1972), Film About a Woman Who (1974) y Kristina Talking Pictures (1976). Sus películas posteriores incluyen Journeys from Berlin/1971 (1980), The Man Who Envied Women (1985), Privilege (1990) y MURDER and murder (1996). MURDER and murder , más convencional en su estructura narrativa, es una historia de amor lésbico que trata sobre la propia experiencia de Rainer con el cáncer de mama. En 2017, Lives of Performers fue incluida en la selección anual de 25 películas agregadas al Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso por ser consideradas "cultural, histórica o estéticamente significativas" y recomendadas para su preservación. [19] [20]
En 2000, Rainer regresó a la danza y la coreografía para crear After Many a Summer Dies the Swan , para el White Oak Dance Project de Mikhail Baryshnikov . [21] En 2006, Rainer coreografió una obra titulada AG Indexical, con un poco de ayuda de HM , que era una reinterpretación de Agon de George Balanchine . [2] Rainer continuó coreografiando obras basadas en piezas clásicas, incluyendo RoS Indexical (2007), inspirada en La consagración de la primavera de Vaslav Nijinsky . [2] Esta obra fue encargada para la bienal Performa 07 organizada por la organización de artes escénicas Performa, que ha gestionado a Rainer desde entonces. [22] [23]
Entre sus trabajos posteriores se incluyen Spiraling Down (2010), Assisted Living: Good Sports 2 (2010) y Assisted Living: Do You Have Any Money? (2013), dos piezas en las que Rainer explora el motivo teatral e histórico de los tableau vivants entre lecturas políticas, filosóficas y económicas. [24]
Una exposición en la Raven Row Gallery de Londres fue la primera en presentar presentaciones en vivo de sus bailes de los años 60 durante una exposición de fotografías y partituras de toda su carrera, además de proyecciones de películas. [25]
En 2015, coreografió y presentó The Concept of Dust, or How do you look when there's nothing left to move? (2015), encargado por Performa y The Getty Research Institute , una performance que contiene trabajo coreografiado intercalado con una amplia gama de textos políticos, históricos y periodísticos leídos de manera intermitente por los bailarines y la propia Rainer. Este trabajo se presentó en el Museo de Arte Moderno y luego realizó una gira por lugares europeos como La Fondazione Antonio Ratti en Como, Italia , Marseille Objectif Danse en Francia y el Louvre . [23] [26] Una última versión de esta misma danza, llamada The Concept of Dust: Continuous Project-Altered Annually, se realizó en 2016 en The Kitchen en Nueva York y en Marsella, Oporto y Barcelona en 2017.
En 2019, por encargo de Performa , Rainer reconstruyó su obra Parts of Some Sextets , 1965/2019, de 1965. Con el apoyo de la Fundación Robert Rauschenberg y el Performa Commissioning Fund, Parts of Some Sextets, 1965/2019 se presentó en el Gelsey Kirkland Arts Center como parte de Performa 19.
En 2024, la icónica pieza de danza Trio A de Yvonne Rainer se representó varias veces al día en la sala superior de la Neue Nationalgalerie durante la Semana del Arte de Berlín como parte de la serie de festivales PERFORM!. Creada en 1966, Trio A se considera una de las coreografías más influyentes del siglo XX, ya que presenta una secuencia continua y no repetitiva de movimientos. [27] [28]
Como artista blanca, inconscientemente ambiciosa, ajena al sexismo y al racismo del mundo del arte y dedicada al baile (una actividad femenina socialmente aceptable), comencé a leer los enojados escritos experimentales de la antología Sisterhood Is Powerful de Robin Morgan y las ardientes polémicas del Manifiesto SCUM de Valerie Solanas y la Dialéctica del sexo de Shulamith Firestone .
La lectura de textos y teorías feministas le permitió a Rainer examinar su propia experiencia como mujer y pensarse a sí misma como participante de la cultura y la sociedad. Rainer no se daba cuenta de que su coreografía anterior era un desafío directo a la danza "tradicional" y, en última instancia, de naturaleza feminista. Durante la década de 1980, Rainer fue célibe y estaba decidida a "no embarcarse en más aventuras heterosexuales desafortunadas..."
Comenzó a asistir a los desfiles del Orgullo Gay y se consideraba una " lesbiana política ". Rainer participó en una manifestación en Nueva York y Washington DC para protestar contra las impugnaciones al fallo Roe v. Wade durante ese mismo período. A los 56 años, superó sus miedos de identificarse como lesbiana al tener intimidad con Martha Gever. Todavía están juntas hoy.
La famosa declaración de la feminista Audre Lorde planteaba: "No se puede desmantelar la casa del amo usando las herramientas del amo". Rainer refutó su teoría diciendo: "Se puede, si se exponen las herramientas". [29]
Rainer fue entrevistada para la película feminista !Women Art Revolution . [30]
Rainer es mencionada en varios lugares como ejemplo de artista, feminista y lesbiana en la segunda edición de Feminism Art Theory editada por Hilary Robinson. [31]
En 1990, Rainer recibió un premio del Programa MacArthur Fellows (o "Genius Grant") por sus contribuciones a la danza. [32] En 2015 recibió el Premio Merce Cunningham de la Fundación para las Artes Contemporáneas ; [33] en 2017 recibió una Beca USA. También ha recibido dos Becas Guggenheim (1969, 1988).
