Yinka Shonibare CBE RA (nacido el 9 de agosto de 1962) es un artista británico que vive en el Reino Unido. Su obra explora la identidad cultural, el colonialismo y el poscolonialismo en el contexto contemporáneo de la globalización . Un sello distintivo de su arte es la tela Ankara de colores brillantes que utiliza. Como Shonibare está paralizado de un lado de su cuerpo, utiliza asistentes para hacer obras bajo su dirección. [1]
Yinka Shonibare nació en Londres , Inglaterra, el 9 de agosto de 1962, hijo de Olatunji Shonibare y Laide Shonibare. [2] [3] Cuando tenía tres años, su familia se mudó a Lagos , Nigeria , donde su padre ejercía la abogacía. Cuando tenía 17 años, Shonibare regresó al Reino Unido para realizar sus A-levels en la Escuela Redrice . [4] [5] A la edad de 18 años, contrajo mielitis transversa , una inflamación de la médula espinal, que resultó en una discapacidad física a largo plazo donde un lado de su cuerpo está paralizado. [6] [7]
Shonibare estudió Bellas Artes primero en la Byam Shaw School of Art (ahora Central Saint Martins College of Art and Design) y luego en Goldsmiths, University of London , donde recibió su título de MFA , graduándose como parte de la generación de Jóvenes Artistas Británicos . Después de sus estudios, Shonibare trabajó como oficial de desarrollo artístico para Shape Arts , una organización que hace que las artes sean accesibles para personas con discapacidades. [3] [8]
En 1999, Shonibare creó cuatro esculturas de apariencia extraterrestre que llamó "Familia disfuncional", la pieza consiste en una madre y una hija, ambas coloreadas en texturas de blanco y azul, y un padre y un hijo texturizados en los colores rojo y amarillo. [9]
Ha expuesto en la Bienal de Venecia y en los principales museos del mundo. En 2002, Okwui Enwezor le encargó su obra más reconocida, Gallantry and Criminal Conversation , que lo catapultó a la escena internacional. [ cita requerida ]
En 2004, fue seleccionado para el Premio Turner por su exposición Double Dutch en el Museo Boijmans van Beuningen de Róterdam y por su muestra individual en la galería Stephen Friedman de Londres . De los cuatro nominados, él parecía ser el más popular entre el público en general ese año, con una encuesta del sitio web de la BBC que dio como resultado que el 64 por ciento de los votantes afirmaron que su obra era su favorita. [10]
Shonibare se convirtió en miembro honorario del Goldsmiths' College en 2003, fue galardonado con un MBE en 2004, [11] recibió un Doctorado Honoris Causa (Artista Fino) del Royal College of Art en 2010 y fue nombrado CBE en 2019. [12] Fue elegido académico real por la Royal Academy of Arts en 2013. [13] Se unió al consejo de administración de Iniva en 2009. [14] Ha expuesto en la Bienal de Venecia e internacionalmente en los principales museos del mundo. En septiembre de 2008, su principal estudio de mitad de carrera comenzó en el MCA Sydney y realizó una gira por el Museo de Brooklyn , Nueva York, en junio de 2009 y el Museo Nacional de Arte Africano del Instituto Smithsonian , Washington DC, en octubre de 2009. En 2010, Ship in a Bottle de Nelson se convirtió en su primer encargo de arte público en el Cuarto Plinto de Trafalgar Square . [15]
El 3 de diciembre de 2016, una de las esculturas de viento de Shonibare se instaló frente al Museo Nacional de Arte Africano (NMAA) del Instituto Smithsoniano en Washington, DC. La obra de fibra de vidrio pintada, titulada "Wind Sculpture VII", es la primera escultura que se instala de forma permanente frente a la entrada del NMAA. [16]
Dirige Guest Projects , [17] un espacio de proyectos para artistas emergentes con sede en Broadway Market , al este de Londres, y está ampliando su actividad a espacios en Lagos, Nigeria. [18]
En 2023 se inauguró en Leeds su primera obra de arte público, titulada Hibiscus Rising , que conmemora la vida y la muerte de David Oluwale , un hombre sin hogar nigeriano perseguido por la policía de la ciudad de Leeds. [19]
El trabajo de Shonibare explora cuestiones de colonialismo junto con las de raza y clase, a través de una gama de medios que incluyen pintura, escultura, fotografía, arte de instalación y, más recientemente, cine y performance. Examina, en particular, la construcción de la identidad y la interrelación enredada entre África y Europa y sus respectivas historias económicas y políticas. Explorando la historia del arte y la literatura occidentales, se pregunta qué constituye nuestra identidad colectiva contemporánea hoy. Habiéndose descrito a sí mismo como un híbrido "poscolonial", Shonibare cuestiona el significado de las definiciones culturales y nacionales. Si bien a menudo realiza obras inspiradas en su propia vida y experiencias a su alrededor, se inspira en todo el mundo; como ha dicho: "Soy un ciudadano del mundo, veo televisión, así que hago obras sobre estas cosas". [20]
Un material clave en la obra de Shonibare desde 1994 es la tela "africana" de colores brillantes (algodón holandés estampado con cera) que compra él mismo en el mercado de Brixton en Londres. "Pero en realidad, las telas no son auténticamente africanas como la gente piensa", dice Shonibare. "Demuestran tener un trasfondo cultural mestizo propio. Y es la falacia de esa significación lo que me gusta. Es la forma en que veo la cultura: es una construcción artificial". Shonibare afirma que las telas se fabricaron primero en Europa para venderlas en los mercados indonesios y luego se vendieron en África después de ser rechazadas en Indonesia. [21] Hoy en día, los principales exportadores de tela "africana" de Europa tienen su sede en Manchester , en el Reino Unido, y Vlisco Véritable Hollandais, de Helmond , en los Países Bajos. A pesar de ser una invención europea, la tela de cera holandesa es utilizada por muchos africanos en Inglaterra, como Shonibare. [22] Hace que estas telas se conviertan en vestidos europeos del siglo XVIII, cubriendo esculturas de figuras extraterrestres o estirándolas sobre lienzos y pintándolas con abundante pintura. [ cita requerida ]
Shonibare es bien conocido por crear figuras escultóricas sin cabeza, de tamaño natural, meticulosamente colocadas y vestidas con patrones de tela de cera vibrantes para que la historia y la identidad racial se vuelvan complejas y difíciles de leer. [23] En su obra de arte de 2003 Scramble for Africa , Shonibare reconstruye la Conferencia de Berlín de 1884-1885, cuando los líderes europeos negociaron y dividieron arbitrariamente el continente para reclamar territorios africanos. [24] Al explorar el colonialismo, particularmente en esta pieza de cuadros, el propósito de las figuras sin cabeza implica la pérdida de la humanidad como explica Shonibare: "Quería representar a estos líderes europeos como descerebrados en su hambre de lo que el rey belga Leopoldo II llamó 'una rebanada de este magnífico pastel africano ' " . [25] Scramble for Africa no puede leerse como una "simple sátira", sino que revela "la relación entre el artista y la obra". [26] También es un examen de cómo la historia tiende a repetirse. Shonibare afirma: "Cuando lo estaba haciendo, realmente estaba pensando en el imperialismo estadounidense y la necesidad de Occidente de recursos como el petróleo y cómo esto previene la anexión de diferentes partes del mundo". [27]
El niño trompetista de Shonibare , una adquisición permanente que se exhibe en el Museo Foundling , muestra la tela colorida que se utilizó en sus obras. La escultura fue creada para adaptarse al tema de "encontrado", lo que refleja el patrimonio del museo, [28] mediante la combinación de trabajos nuevos y existentes con objetos encontrados que se conservan por su importancia. [ cita requerida ]
También recrea las pinturas de artistas famosos utilizando maniquíes sin cabeza con batik [29] o textiles de Ankara en lugar de telas europeas. [30] Utiliza estas telas cuando representa el arte y la moda europeos para retratar un "choque cultural" y un tema de interacción cultural dentro del poscolonialismo. [31] Un ejemplo de algunas de estas recreaciones sería Mr and Mrs Andrews Without Their Heads (1998) [32] y Reverend on Ice (2005) [33] de Gainsborough (basado en The Rev Robert Walker Skating on Duddingston Loch de Raeburn ). [ cita requerida ]
Un artista del que recreó varias obras fue Jean Honoré Fragonard . Recreó la serie de Fragonard El progreso del amor (1771-1773), que incluía sus obras El encuentro , La búsqueda , La carta de amor y El columpio . [34] Una inclusión única dentro de estas recreaciones fue la inclusión de tela de marca. En El columpio (según Fragonard) (2001), la mujer en el columpio lleva una imitación o "imitación" de tela estampada de Chanel . El uso de esta tela tenía como objetivo explorar más a fondo los temas del poscolonialismo, el globalismo y la interacción cultural que están presentes en gran parte de su obra, al mismo tiempo que comentaba sobre el consumismo y la cultura del consumo del mundo moderno y cómo todos estos temas se entrecruzan. [20]
Shonibare también toma fotografías y videos cuidadosamente posados que recrean pinturas británicas famosas o historias de la literatura, pero con él mismo tomando el centro del escenario como un dandy británico negro alternativo; por ejemplo, A Rake's Progress de Hogarth , que Shonibare traduce en Diary of A Victorian Dandy (1998), [35] o su Dorian Gray (2001), [36] llamado así por la novela de Oscar Wilde El retrato de Dorian Gray .
Considerablemente más grande que un barco en una botella habitual , pero mucho más pequeño que el HMS Victory real , de hecho un modelo a escala 1:30, el Barco de Nelson en una botella de Shonibare , fue "el primer encargo en el Cuarto Plinto para reflejar específicamente el simbolismo histórico de Trafalgar Square, que conmemora la Batalla de Trafalgar, y se vinculará directamente con la columna de Nelson". [37] La obra se colocó allí el 24 de mayo de 2010 y permaneció hasta el 30 de enero de 2012, siendo ampliamente admirada. En 2011, el Art Fund lanzó una campaña y recaudó dinero con éxito para la compra y reubicación de la escultura en el Museo Marítimo Nacional en Greenwich , donde encontró su nuevo hogar permanente. [38]
Otras obras incluyen cerámicas impresas, zapatos, tapizados, paredes y cuencos revestidos de tela. [ cita requerida ]
En octubre de 2013, Shonibare participó en Art Wars en la Galería Saatchi , comisariada por Ben Moore . El artista recibió un casco de soldado de asalto, que transformó en una obra de arte. Las ganancias se destinaron al Missing Tom Fund, creado por Ben Moore para encontrar a su hermano Tom, que ha estado desaparecido durante más de 10 años. La obra también se exhibió en la plataforma de Regent's Park como parte de Art Below Regents Park. [ cita requerida ]
La Goodman Gallery anunció en 2018 que la Norval Foundation, el museo de arte más nuevo de Sudáfrica con sede en Ciudad del Cabo , ha realizado una adquisición permanente de la Wind Sculpture (SG) III de Shonibare , lo que la convierte en la primera en el continente africano. La escultura se dará a conocer en febrero de 2019, lo que aumentará la visibilidad del artista británico-nigeriano en el continente donde creció. [4] [39]
Shonibare ha colaborado con Bellerby & Co, Globemakers . [40]
La primera exposición individual de Shonibare fue en 1989 en la galería Byam Shaw de Londres. Durante 2008-09, fue objeto de una importante muestra de mitad de carrera tanto en Australia como en los EE. UU.; comenzó en septiembre de 2008 en el Museo de Arte Contemporáneo de Australia (MCA), Sydney , y realizó una gira por el Museo de Brooklyn , Nueva York, en junio de 2009 y el Museo de Arte Africano del Instituto Smithsoniano , Washington DC, en octubre de 2009. Para la exposición del Museo de Brooklyn de 2009, creó una instalación específica para el sitio titulada Mother and Father Worked Hard So I Can Play que se exhibió en varias de las salas de época del museo. Otra instalación específica para el sitio, Party Time—Re-Imagine America: A Centennial Commission, se exhibió simultáneamente en el Museo de Newark en Newark, Nueva Jersey , del 1 de julio de 2009 al 3 de enero de 2010, en el comedor de la Casa Ballantine de 1885 del museo. [ cita requerida ]
Shonibare ahora está discapacitado, [8] [44] físicamente incapaz de hacer obras por sí mismo, y depende de un equipo de asistentes, operando él mismo como un artista conceptual. [45]
La discapacidad de Shonibare ha aumentado con la edad, lo que ha provocado que use una silla de ruedas eléctrica . En etapas posteriores de su vida, Shonibare ha hablado de su discapacidad y del papel que ésta tiene en su trabajo como artista creativo. [46] En 2013, Shonibare fue anunciado como patrocinador de la exposición anual Shape Arts "Open", donde se invita a artistas discapacitados y no discapacitados a presentar trabajos en respuesta a un tema abierto. [47]
