Tom Sachs (nacido el 26 de julio de 1966) es un artista contemporáneo estadounidense que vive y trabaja en la ciudad de Nueva York .
Sachs nació en la ciudad de Nueva York el 26 de julio de 1966 y se crió como judío reformista . [1] Creció en Westport, Connecticut , asistió a la escuela secundaria en Greens Farms Academy , seguida por Bennington College en Vermont . Tras graduarse, estudió arquitectura en la Architectural Association School of Architecture de Londres antes de decidir regresar a los Estados Unidos. Luego pasó dos años trabajando en la tienda de muebles de Frank Gehry en Los Ángeles, donde comenzó a utilizar el término knolling . [2]
Alrededor de 1990, Sachs se mudó de Los Ángeles a Nueva York. Fundó un estudio en el desapareciendo distrito de maquinaria del centro de la ciudad llamado Allied Cultural Prosthetics, que tomó su nombre del inquilino anterior, Allied Machine Exchange, lo que implicaba que la cultura contemporánea se había convertido en nada más que una prótesis de la cultura real. [3]
Durante algunos años, Sachs trabajó en trabajos ocasionales, incluida la iluminación de exhibiciones en Barneys New York . En 1994, lo invitaron a crear una escena para sus exhibiciones navideñas y la tituló Nacimiento de Hello Kitty , en la que la Virgen María fue reemplazada por Hello Kitty con un sujetador abierto de Chanel , los tres Reyes Magos eran Bart Simpsons y el establo estaba marcado por un logotipo de McDonald's . Esta revisión contemporánea del belén recibió gran atención (no toda positiva [4] ) y demostró el interés de Sachs en los fenómenos del consumismo , el branding y la fetichización cultural de los productos.
A mediados y finales de los años 90, la carrera de Sachs empezó a despegar. Su primera gran muestra individual, "Cultural Prosthetics", se inauguró en la galería Morris-Healy de Nueva York en 1995. Muchas de las obras de la muestra fusionaban moda y violencia, como HG (Hermès Hand Grenade) (1995) y Tiffany Glock (Model 19) (1995)[1], ambas modelos realizadas con embalajes de Hermès o Tiffany . Aunque estas esculturas no eran funcionales, otra pieza -Hecho in Switzerland (1995)- era una pistola casera que funcionaba de verdad . Sachs y sus ayudantes fabricarían pistolas similares y las venderían a la ciudad como parte del programa de recompra de armas de Nueva York (por hasta 300 dólares cada una). [5]
Su siguiente gran muestra, "La creatividad es el enemigo", se inauguró en 1998 en la galería Thomas Healy de Nueva York y en la Galerie Thaddaeus Ropac de París . Se basó en el discurso establecido en "Prótesis culturales" con esculturas como Guillotine de Chanel (1998) y Deathcamp de Prada (1998). Otras piezas, como Value Meal de Hermés (1998), se alejaron de las referencias explícitas a la violencia y combinaron la moda con otras marcas exitosas, como McDonald's . También se incluyeron en la muestra versiones con cinta adhesiva de las famosas composiciones de Piet Mondrian . Al igual que las esculturas de Hermes, las pinturas de Mondrian eran cosas que Sachs deseaba pero no podía tener, así que las hizo en su lugar. Como dice Sachs, "hacerlo es una forma de tenerlo " . [5]
Al año siguiente se inauguraron exposiciones similares en la Galerie Thaddaeus Ropac de Salzburgo (Austria) y en la Mary Boone Gallery de Nueva York, donde Boone fue arrestado después de que Sachs permitiera a los visitantes tomar munición real de un jarrón de Alvar Aalto . [6] Casi al mismo tiempo, SONY Outsider (1998) de Sachs se inauguró en SITE Santa Fe en Nuevo México . La escultura era exteriormente un modelo a escala real de la bomba atómica que fue lanzada sobre Nagasaki , y supuso un salto del arte hecho a mano a una costosa fabricación subcontratada. En última instancia, no fue bien recibida por los críticos ni siquiera por el propio artista, que más tarde publicó un fanzine titulado "El fracaso de SONY Outsider" [7] ). Para muchos, incluida Roberta Smith , la conocida crítica de arte del New York Times , la pieza "no tenía rastros de la mano del Sr. Sachs" y "podría haber sido el trabajo de varios otros artistas". [8] Como dice Sachs sobre la pieza: "En ese momento no comprendí completamente el valor de mis cosas hechas a mano ... Debería dejar que Sony o Motorola hicieran esas cosas perfectas". [9]
A partir de esta experiencia, Sachs abrazó de lleno la práctica del " bricolaje ". Para Sachs, un bricoleur es alguien "que ensambla artefactos funcionales a partir de materiales ya dados o recolectados, que reutiliza y resignifica para convertirlos en nuevos objetos con usos novedosos, pero, lo que es más importante, los regenera en una sintaxis nueva y oscilante: una sintaxis de pérdida, ganancia y, sobre todo, de juego". Después del fracaso de Sony Outsider, Sachs comenzó a centrarse en dejar rastros visibles de su trabajo, y dijo lo siguiente unos años después:
Tenemos nuestro sistema de fabricar cosas a partir de ciertos materiales ... y de mostrar las cicatrices de nuestro trabajo y la historia de nuestros esfuerzos ... Tenemos el "tu manera", "mi manera" y "la manera correcta", y debo insistir en que todo se haga a mi manera, incluso si lleva más tiempo. [10]
Sachs organizó una exposición en Sperone Westwater en 2000 titulada "American Bricolage" que presentó el trabajo de 12 artistas, incluidos Alexander Calder , Greg Colson y Tom Friedman . [11]
Después de varias exposiciones individuales en Nueva York y en el extranjero, "Nutsy's" se inauguró en la Fundación Bohen (Nueva York) en 2002 y en el Deutsche Guggenheim (Berlín) en 2003. La instalación a gran escala cubría un piso entero e invitaba a los espectadores a interactuar conduciendo vehículos controlados a distancia sobre pistas de asfalto a lo largo de la instalación. Varias de las obras más famosas de Sachs debutaron en esta exposición, incluyendo Unité , Nutsy's McDonald's y Barcelona Pavilion . Unité , en particular, es una de las obras maestras de Sachs: una recreación a escala 1:25 de la Unité d'Habitation de Le Corbusier hecha completamente de espuma . Los hermanos Neistat, que comenzaron sus carreras trabajando para Sachs, fueron fundamentales en el funcionamiento de "Nutsy's".
En 2006, el artista realizó dos importantes exposiciones en Europa, la primera en el Astrup Fearnley Museet for Moderne Kunst y la segunda en la Fondazione Prada de Milán. Su obra se encuentra en importantes colecciones de museos de todo el mundo, entre ellos el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, el Whitney Museum of American Art y el Centre Georges Pompidou de París.
Como escribe Germano Celant en su monografía sobre el artista publicada por la Fondazione Prada de Milán, "Las imágenes y los objetos que componen el espacio militarizado del consumo y la moda están en el corazón mismo de la pasión visual de Tom Sachs".
En 2007, el Centro de Arte de Des Moines y el Museo de Arte Rose organizaron una exposición individual titulada Logjam en la que participó el artista.
En 2012, Sachs se asoció con Nike para lanzar la zapatilla Mars Yard. Diez años después, Sachs y Nike lanzaron una nueva zapatilla llamada General Purpose Shoe. [12] Nike alteró discretamente el empaque para una colaboración de zapatillas con el artista Tom Sachs en 2017, limpiando la caja de su zapatilla NikeCraft Mars Yard 2.0 de la frase "trabaja como un esclavo" antes de que se lanzara el proyecto ese año, según dijeron fuentes a Complex . Las zapatillas casi llegaron a la venta minorista con la frase en el interior de la tapa de la caja antes de que Nike actuara para que se eliminara el texto, dicen las fuentes. [13]
En 2017, el Nasher Sculpture Center organizó una exposición individual titulada Tom Sachs: Tea Ceremony , que se centró en la particular reelaboración que Sachs hizo del chanoyu , o la ceremonia tradicional japonesa del té. La exposición fue organizada originalmente por el Museo Noguchi de Nueva York.
Sachs ha impreso varias barajas de cartas personalizadas con fotografías de sus obras de arte. [14] [15]
En 2023, Sachs fue criticado por antiguos empleados del estudio por crear un ambiente de trabajo parecido a una secta y que inducía al miedo. [16] Los antiguos trabajadores le dijeron a Hyperallergic lo difícil que fue dejarlo. "Es como una verdadera secta en el sentido de que hacen que sea muy difícil irse", dijeron, citando "manipulación y amenazas". [17] Un exdirector del estudio le dijo a Curbed : "Es casi como si se esforzara por sembrar el malestar y lo hiciera pasar como si fuera un genio. Es como una artimaña. Mucha gente sabe que es cruel, pero el mundo del arte es pequeño y a nadie le importa". [18] [19] Las revelaciones hicieron que Nike publicara un comunicado en el que decía que la empresa estaba "profundamente preocupada por las gravísimas acusaciones". [20] "Estamos en contacto con Tom y su estudio, buscando comprender mejor la situación y cómo se están abordando estos problemas", [21] dijo la empresa. Desde entonces, otros han salido en apoyo del artista, citando la irreverencia de Sachs como omnipresente. [22]
Sachs está representado por Thaddaeus Ropac, [23] Acquavella Galleries, [24] Tomio Koyama Gallery, [25] y Baldwin Gallery. [26]
Sachs había construido numerosas esculturas relacionadas con el espacio a lo largo de su carrera (como Crawler , 2003 y Lunar Module (1:18) , 1999). Su obsesión con el espacio, y específicamente con el programa Apolo de los años 1960 y 1970, culminó con su Space Program en 2007. Sachs construyó un modelo 1:1 del módulo lunar Apolo, un control de misión con 29 monitores de video de circuito cerrado y equipó a dos astronautas femeninas con trajes espaciales Tyvek hechos a mano. En octubre de 2007 en la Galería Gagosian de Los Ángeles, Sachs lanzó su nave espacial, aterrizó en la "Luna" y exploró su superficie.
Aunque el programa Apolo fue una fuente de precedentes, gran parte del programa espacial de Sachs es históricamente inexacto, a menudo con humor. El módulo de excursión lunar (LEM) se construyó a escala real, pero tuvo muchas modificaciones que probablemente no se encontraban en ninguna misión Apolo, incluido un bar de vodka completamente equipado y una biblioteca (con títulos como Woman's Almanac ). Después del primer paso de los astronautas, utilizaron las escopetas hechas a mano de Sachs para "patrullar la superficie", antes de plantar una bandera y tomar muestras de rocas, perforando el piso de la galería. Gran parte del metraje televisivo de Apolo se volvió a montar utilizando esculturas de efectos especiales que el propio Sachs hizo, incluidas las que reproducían el despegue del Saturno V, el aterrizaje en la Luna y el reingreso de la cápsula Apolo en la atmósfera terrestre. [27]
Sachs continúa trabajando en el desarrollo del Programa Espacial, y señaló después de la exposición de 2008: "El Programa Espacial continúa con toda su fuerza... Tal es la naturaleza de la técnica de construcción improvisada". [28] Después de recolectar doce libras de " rocas lunares " falsas, nombró cada pieza significativa y las guardó en cajas de exhibición cuidadosamente construidas, como en Florida . Además, Sachs permite a los seguidores descargar un "Informe de rocas lunares" actualizado que incluye información detallada sobre cada muestra recolectada.
En mayo de 2012, Sachs inauguró la exposición Space Program 2.0: MARS en el Park Avenue Armory de Nueva York. [29] Se incluyó gran parte del equipo del Programa Espacial de 2007, así como nuevas esculturas de bricolaje para los desafíos de colonizar Marte: terraformación con plantas de amapola (y una ceremonia de té de opio que la acompaña ), un explorador de Marte y un equipo de música con energía solar.
A partir de 2021-2022, la edición actual del Programa Espacial se exhibe en el Deichtorhallen en Hamburgo , Alemania. [30]
En 2008 y 2009, la Colección de Bronce del artista se exhibió en Lever House , [31] Baldwin Gallery (en Aspen, Colorado) y el Trocadero en París. La colección incluía grandes moldes de bronce blanco de esculturas de espuma de Hello Kitty y Miffy, un estilo particular distintivo del artista. Además, también se exhibieron moldes sin pintar de torres de baterías, un halfpipe de skate y lámparas de Le Corbusier . En abril de 2010, la escultura Wind-Up Hello Kitty todavía está en Lever House .
El término knolling fue utilizado por primera vez en 1987 por Andrew Kromelow, un conserje del taller de fabricación de muebles de Frank Gehry . [32] En ese momento, Gehry estaba diseñando sillas para Knoll , una empresa conocida por los muebles angulares de Florence Knoll . Kromelow organizaba las herramientas desplazadas en ángulos rectos en todas las superficies y llamó a esta rutina knolling , ya que las herramientas estaban dispuestas en ángulos rectos, similar a los muebles de Knoll. [33] El resultado fue una superficie organizada que permitía al usuario ver todos los objetos a la vez.
Sachs pasó dos años en el taller de Gehry como fabricante y adoptó el uso del término de Kromelow. Knolling es ahora parte integral de su proceso. [34] Sachs adoptó la frase "Always be Knolling" (abreviado como ABK) como un mantra para su estudio (en referencia directa al famoso "Always be Closing" de Blake en Glengarry Glen Ross ), que amplía en su manual de estudio de 2009, 10 Bullets :
BALA VIII: SIEMPRE ESTAR KNOLLANDO (ABK)
- Escanee su entorno en busca de materiales, herramientas, libros, música, etc. que no estén en uso.
- Guarda todo lo que no uses. Si no estás seguro, déjalo afuera.
- Agrupar todos los objetos 'similares'.
- Alinee o cuadre todos los objetos con la superficie sobre la que descansan o con el estudio mismo.
Knolling está presente en la obra de Sachs en piezas como Hardcore , un armario lleno de objetos ordenados cuidadosamente en ángulos rectos. También ha tenido una obsesión de larga data con los muebles Knoll, más evidente en piezas como Knoll Loveseat and End Table (actualmente en el Museo de Arte Moderno de San Francisco) y Barcelona Pavilion , ambas réplicas a escala real de los muebles Knoll del mismo nombre. Knolling también está presente en el trabajo de Casey Neistat , ex empleado de Sachs. [35]
La entrada pasa por una peculiar bodega (su horario es tan errático como todo lo demás en Sachs World) que ofrece a la venta recuerdos como el falso
pasaporte suizo
, una baraja de naipes diseñada por Sachs y una variedad de
fanzines
que publica el estudio.
Junto con las camisetas de marca compartida se incluye hardware seleccionado del estudio de Tom Sachs, como sillas plegables, tornillos de cuarto de pulgada, naipes japoneses, cuadernos de notas, bolígrafos multitonales, así como las lámparas de pie
Noguchi Museum
x Tom Sachs.
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