Las espigadoras y yo ( en francés : Les glaneurs et la glaneuse , lit. «Las espigadoras y la espigadora») es una película documental francesa de 2000 dirigida por Agnès Varda que presenta varios tipos de espigamientos . Se proyectó fuera de competencia en el Festival de Cine de Cannes de 2000 («Selección oficial 2000») y luego ganó premios en todo el mundo. En una encuesta de Sight & Sound de 2014 , los críticos de cine votaron a Las espigadoras y yo como la octava mejor película documental de todos los tiempos. [1] En 2016, la película apareció en el puesto 99 de la lista de las 100 mejores películas del siglo XXI de la BBC . [2] La película fue incluida por primera vez en 2022 en la encuesta de críticos de la lista de Sight and Sound de las mejores películas de todos los tiempos, en el puesto 67. [3]
En 2002, Varda lanzó una secuela, The Gleaners and I: Two Years Later ( en francés : Les Glaneurs et la glaneuse... deux ans après ), en la que revisitaba algunas de las personas y temas de esta película.
Para la película, Varda viajó por toda Francia rural y urbana para documentar varios tipos de recolectores que, ya sea por necesidad o por razones artísticas o éticas, recogen cultivos que quedan en el campo después de la cosecha o alimentos y objetos que han sido desechados. También incluyó a algunas de las personas en las periferias de la cultura de la recolección. Hay entrevistas con, entre otros, un chef con 2 estrellas Michelin que recolecta y un rico dueño de un restaurante cuyos antepasados fueron recolectores; los propietarios de algunos viñedos , entre los que se encuentran el psicoanalista Jean Laplanche y el bisnieto del fisiólogo y cronofotógrafo Étienne-Jules Marey ; artistas que incorporan materiales reciclados en su trabajo, incluido Louis Pons , quien explica que la basura es un "cúmulo de posibilidades"; abogados que discuten las leyes francesas con respecto a la recolección versus la propiedad abandonada; y un recolector urbano llamado Alain, que tiene una maestría y enseña francés a inmigrantes. Dos de los símbolos más notables de la película son las numerosas patatas con forma de corazón que Varda encuentra en un campo y un reloj sin manecillas que encuentra en la calle.
Para encontrar a los protagonistas, Varda afirmó que su método fue preguntar a todas las personas que conocía para hablar con todos —los campesinos, los propietarios, los granjeros, los fruticultores— sobre nuestra película. Le dije a mi asistente: “Llama a todos los que conozcas”. Refiriéndose a estos protagonistas, Varda afirmó: “Cuanto más los conocía, más me daba cuenta de que no tenía nada que decir. Ellos dicen la verdad; explican el tema mejor que nadie”. [4]
Gleaners fue la primera película de Varda en la que se utilizó una cámara digital (en concreto, una videocámara Sony TRV900 Mini DV). [5] La película destaca por el uso de una cámara de mano y por sus inusuales ángulos y técnicas de cámara. Varda se refirió a su proceso de realización cinematográfica como "cinécriture" ("escritura cinematográfica"), diciendo que el proceso de encontrar sujetos, elegir tomas y música, editar y escribir la narración es "todo un trabajo casual conmigo, todo esto es la escritura cinematográfica de la que hablo a menudo". [6] Como tal, dijo que los objetos que encontró, como la patata en forma de corazón, fueron "[golpes de] suerte", [6] al igual que algunas de las tomas. Por ejemplo, en una escena, Varda olvidó apagar su cámara, por lo que, mientras la cámara colgaba a su lado, filmó el suelo cambiante y la tapa del objetivo colgando. Varda decidió poner este metraje en la película terminada con un fondo de música de jazz, llamándolo "La danza de la tapa del objetivo".
Además de las imágenes relacionadas con la "recolección", Gleaners también incluye más imágenes autorreferenciales, como una escena en la que Varda se filma a sí misma peinándose su recién descubierta cabellera gris, o varios primeros planos de sus manos envejecidas. En una escena, "atrapa" numerosos camiones en la autopista, primero rodeando cada camión poniendo su mano frente al lente de la cámara y luego cerrando su mano mientras pasa "solo para jugar".
La película se filmó entre septiembre de 1999 y abril de 2000 en Beauce , Jura , Provenza , los Pirineos y los suburbios de París . En el dossier de prensa, Varda escribió que ella y su equipo viajaban y filmaban durante aproximadamente dos semanas seguidas e inmediatamente procedían a editar mientras buscaban ubicaciones adicionales. También viajó sola para obtener muchas de las tomas "recolectadas" e iba a los mercados entre las 2 y las 4 p. m.
Varda produjo la película bajo la dirección de Cine-Tamaris, una compañía que fundó en 1954 y que había producido la mayoría de sus películas anteriores. Fue distribuida por Zeitgeist Films en Nueva York, una compañía que ha distribuido películas de directores como Christopher Nolan y los hermanos Quay . [6]
The Gleaners and I debutó fuera de competencia en el Festival de Cine de Cannes de 2000 ("Selección Oficial 2000"). Más tarde ese año, tuvo su estreno norteamericano en el Festival Internacional de Cine de Toronto . [7] Fue aclamada por los críticos, logrando una puntuación de 83/100 en Metacritic [8] y un índice de aprobación del 92% en Rotten Tomatoes . [9] Peter Rainer calificó la película de "líricamente destartalada". Edward Guthmann del San Francisco Chronicle argumentó que "el tema de Varda es sorprendentemente rico, pero es su propia naturaleza enérgica y curiosa lo que le da a la película su chispa". [10] En el Chicago Tribune , Michael Wilmington escribió: "En sus fotogramas, vemos la empatía, la habilidad, la curiosidad, el ingenio, la poesía y la pasión por la vida [de Varda]: todo lo que ha aprendido de una vida de amor y películas". [10]
En París, la película atrajo a 43.000 espectadores durante "las primeras nueve semanas de su estreno en verano". [11] En algunos lugares, estuvo en los cines durante más de ocho meses. [12] Haden Guest , el director del Archivo de Cine de Harvard , elogió la película como "una de las películas más poderosas y populares de Varda". (p. 47) [13] Incluso la propia Varda destacó el éxito de la película, diciendo: "Nunca en toda mi carrera sentí que la gente haya amado una película mía tanto como esta". [14]
La película ganó premios en todo el mundo, incluidos los máximos honores en el Festival Internacional de Cine de Chicago , el One World Film Festival de Praga y los Premios de Cine Europeo , y de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine (EE. UU.), el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York , la Sociedad de Críticos de Cine de Boston , la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles , el Sindicato Francés de Críticos de Cine y la Sociedad de Críticos de Cine Online . También fue "declarada la mejor película francesa de 2000 por la Unión Francesa de Críticos de Cine, que rompió con la tradición al no elegir una película dramática". [12]
Ruby Rich cree que el atractivo de The Gleaners and I "se debe en gran parte a la propia presencia de Agnès Varda". [15] Guest sostiene que la facilidad con la que Varda combina la técnica documental y narrativa es una razón clave por la que sus películas siguen siendo tan relevantes, especialmente "a medida que presenciamos un resurgimiento del documental y un interés particularmente fuerte en los modos híbridos de cine de ficción/no ficción". (p. 48) [13] Jake Wilson, por otro lado, conjetura que Varda, tal vez sin darse cuenta del todo, aprovechó el zeitgeist cultural y construyó una película que "encarna un ethos cuasi anarquista" construido sobre una "resistencia al consumismo, una sospecha de autoridad y un deseo de reconectar la política con la vida cotidiana".
Un aspecto destacable de la película es que, al hacer una película sobre la recolección de basura, Varda reconoció que ella también era una recolectora. "No soy pobre, tengo suficiente para comer", dijo, pero señaló "otro tipo de recolección, que es la recolección artística. Escoges ideas, escoges imágenes, escoges emociones de otras personas, y luego las conviertes en una película". [16] Para realizar su recolección, Varda eligió utilizar una cámara de vídeo digital, y hay varias escenas en las que muestra y analiza la propia cámara. Al hacerlo, transforma una película sobre el desperdicio en una meditación reflexiva sobre el arte del documental digital. Si bien Varda no fue pionera del documental reflexivo (ese honor le corresponde a Dziga Vertov y su obra maestra de 1929 El hombre de la cámara ), [17] su trabajo había sido notable durante mucho tiempo por sus "tendencias reflexivas y en primera persona" (p. 44). [13]
Otro factor que hace que The Gleaners and I sea especialmente destacable en el contexto de la historia cinematográfica es el hecho de que una cineasta de la talla de Varda decidió abandonar el equipo cinematográfico de alta gama para pasarse al vídeo digital de gama baja. Para Varda, la decisión fue en muchos sentidos práctica. Como señaló en una entrevista con Melissa Anderson para Cinéaste , "tenía la sensación de que esta era la cámara que me llevaría de vuelta a los primeros cortometrajes que hice en 1957 y 1958. Me sentí libre en ese momento. Con la nueva cámara digital, sentí que podía filmarme a mí misma, involucrarme como cineasta". [18] La elección de Varda de hacer de la videocámara una herramienta principal de producción, así como un elemento central de su película, puede verse como un reconocimiento implícito, si no explícito, de una nueva era digital en el cine documental. Sin embargo, para Varda, "la realización cinematográfica artesanal en primera persona fomentada por el vídeo digital [no era] nada nuevo". [11] Aunque reconoció la conveniencia del video, restó importancia a cualquier significado mayor: "Lo que falta en toda esta charla sobre tecnologías digitales es la comprensión de que [...] no son fines en sí mismas". [11] Para Varda, las cámaras digitales y el equipo de edición eran simplemente herramientas que le permitían filmar por sí misma y acercarse a la gente "y reducir el lapso de tiempo entre querer filmar algo y realmente poder hacerlo". [11]