Un estudio de grabación es una instalación especializada para grabar y mezclar interpretaciones musicales instrumentales o vocales, palabras habladas y otros sonidos. Su tamaño varía desde un pequeño estudio de proyecto en casa , lo suficientemente grande como para grabar a un solo cantante-guitarrista, hasta un gran edificio con espacio para una orquesta completa de 100 o más músicos. Lo ideal es que tanto los espacios de grabación como los de monitorización (escucha y mezcla) estén especialmente diseñados por un acústico o ingeniero de audio para lograr propiedades acústicas óptimas (aislamiento acústico o difusión o absorción de ecos de sonido reflejados que, de otro modo, podrían interferir con el sonido que escucha el oyente).
Los estudios de grabación pueden utilizarse para grabar cantantes, músicos instrumentales (p. ej., guitarra eléctrica, piano, saxofón o conjuntos como orquestas), artistas de doblaje para anuncios o reemplazo de diálogos en películas, televisión o animación, Foley , o para grabar sus bandas sonoras musicales de acompañamiento. El estudio de grabación típico consta de una sala llamada "estudio" o "sala en vivo" equipada con micrófonos y soportes de micrófono, donde los instrumentistas y vocalistas actúan; y la " sala de control ", donde los ingenieros de audio, a veces también con productores de discos, operan consolas de mezcla de audio profesionales , unidades de efectos o computadoras con paquetes de software especializados para mezclar , manipular (p. ej., ajustando la ecualización y agregando efectos) y enrutar el sonido para grabación analógica o digital . Los ingenieros y productores escuchan la música en vivo y las "pistas" grabadas en altavoces de monitor de alta calidad o auriculares .
A menudo, habrá salas más pequeñas llamadas cabinas de aislamiento para acomodar instrumentos ruidosos como baterías o amplificadores y parlantes de guitarra eléctrica, para evitar que estos sonidos sean audibles para los micrófonos que capturan los sonidos de otros instrumentos o voces, o para proporcionar salas "más secas" para grabar voces o instrumentos acústicos más silenciosos como una guitarra acústica o un violín . Los principales estudios de grabación generalmente tienen una variedad de instrumentos y equipos de música grandes, pesados y difíciles de transportar en el estudio, como un piano de cola , un órgano Hammond , un piano eléctrico , un arpa y una batería .
Los estudios de grabación generalmente constan de tres o más salas:
Aunque el aislamiento acústico es un objetivo fundamental, los músicos, cantantes, ingenieros de sonido y productores de discos necesitan poder verse entre sí, ver los gestos de referencia y la dirección del líder de la banda. Por ello, la sala de conciertos, las cabinas de aislamiento, las cabinas vocales y la sala de control suelen tener ventanas.
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Los estudios de grabación se diseñan cuidadosamente en torno a los principios de la acústica de salas para crear un conjunto de espacios con las propiedades acústicas necesarias para grabar el sonido con precisión. La acústica arquitectónica incluye el tratamiento acústico y la insonorización , así como la consideración de las dimensiones físicas de la sala en sí para que esta responda al sonido de la forma deseada. El tratamiento acústico incluye el uso de materiales de absorción y difusión en las superficies del interior de la sala. Para controlar la cantidad de reverberación, las salas de un estudio de grabación pueden tener una combinación reconfigurable de superficies reflectantes y no reflectantes. La insonorización proporciona aislamiento sónico entre las salas y evita que el sonido entre o salga de la propiedad. Un estudio de grabación en un entorno urbano debe estar insonorizado en su capa exterior para evitar que los ruidos de las calles y carreteras circundantes sean captados por los micrófonos del interior.
El equipo que se encuentra en un estudio de grabación comúnmente incluye:
No todos los estudios de música están equipados con instrumentos musicales. Algunos estudios más pequeños no tienen instrumentos, y se espera que las bandas y los artistas traigan sus propios instrumentos, amplificadores y altavoces. Sin embargo, los estudios de grabación más importantes suelen tener una selección de instrumentos en su sala de conciertos, normalmente instrumentos, amplificadores y cajas de altavoces que son grandes, pesados y difíciles de transportar (por ejemplo, un órgano Hammond ) o inviables (como en el caso de un piano de cola ) para alquilar para una sola sesión de grabación. Tener instrumentos y equipos musicales en el estudio crea costos adicionales para un estudio, ya que los pianos tienen que estar afinados y los instrumentos y el equipo asociado necesitan mantenimiento.
Los ordenadores de uso general asumieron rápidamente un papel importante en el proceso de grabación. Con el software, un ordenador potente y de buena calidad con un procesador rápido puede sustituir a las mesas de mezclas , los equipos de grabación multipista , los sintetizadores, los samplers y las unidades de efectos (reverberación, eco, compresión, etc.) que requería un estudio de grabación en los años 1980 y 1990. Un ordenador equipado de esta manera se denomina estación de trabajo de audio digital o DAW.
Si bien para la mayor parte del trabajo de estudio se utiliza Apple Macintosh , [ cita requerida ] existe una gran variedad de software disponible para Microsoft Windows y Linux .
Si no se utiliza una consola de mezclas y toda la mezcla se realiza utilizando únicamente un teclado y un ratón, se habla de mezcla en la caja (ITB). OTB describe la mezcla con otro hardware y no solo con el software de la PC.
Un estudio de grabación personal pequeño a veces se denomina estudio de proyectos o estudio casero . Estos estudios suelen satisfacer las necesidades específicas de un artista individual o se utilizan como un pasatiempo no comercial. Los primeros estudios de proyectos modernos surgieron a mediados de la década de 1980, con la llegada de dispositivos de grabación multipista , sintetizadores y micrófonos asequibles. El fenómeno ha florecido con la caída de los precios de los equipos y accesorios MIDI , así como con los productos de grabación directa a disco económicos .
Grabar baterías y guitarras eléctricas amplificadas en un estudio casero es un desafío porque, por lo general, son los instrumentos más ruidosos. Las baterías acústicas requieren aislamiento de sonido en este escenario, a diferencia de las baterías electrónicas o sampleadas. Para obtener un sonido auténtico de amplificador de guitarra eléctrica que incluya distorsión de válvulas de potencia, se necesita un atenuador de potencia o un gabinete de aislamiento o cabina. Una solución intermedia conveniente es el modelado de amplificadores , ya sea un amplificador de modelado, un preamplificador/procesador o un simulador de amplificador de guitarra basado en software. A veces, los músicos reemplazan instrumentos ruidosos e incómodos, como la batería, por teclados, que hoy en día suelen proporcionar un muestreo algo realista .
La capacidad de grabación digital introducida por ADAT y su costo comparativamente bajo, originalmente introducido a $3995, fueron en gran medida responsables del surgimiento de los estudios de proyectos en la década de 1990. [2] Los estudios de proyectos actuales se construyen alrededor de DAW basados en software que se ejecutan en hardware de PC estándar.
Una cabina de aislamiento es un área parcialmente cerrada en la sala en vivo [a] [ cita requerida ] o una pequeña habitación completamente separada construida adyacente a la sala en vivo que está insonorizada para mantener afuera los sonidos externos y mantener adentro los sonidos internos. Al igual que todas las demás salas de grabación en la industria del sonido, las cabinas de aislamiento están diseñadas para tener una menor cantidad de reflejos difusos de las paredes para crear una sala con buen sonido. Un gabinete de altavoz de batería, vocalista o guitarra, junto con micrófonos, está aislado acústicamente en la cabina de aislamiento. Un estudio de grabación profesional típico hoy en día tiene una sala de control , una gran sala en vivo y una o más cabinas de aislamiento pequeñas .
Todas las habitaciones están insonorizadas mediante diversos métodos, entre los que se incluyen, entre otros, placas de yeso de doble capa de 5/8" con las juntas desplazadas de una capa a otra en ambos lados de la pared rellenas de espuma, aislamiento de listones, una pared doble, que es una pared aislada construida junto a otra pared aislada con un espacio de aire en el medio, añadiendo espuma a las paredes interiores y las esquinas, y utilizando dos paneles de vidrio grueso con un espacio de aire entre ellos. Las densidades de superficie de los materiales de construcción comunes determinan la pérdida de transmisión de varias frecuencias a través de los materiales. [3]
Thomas A. Watson inventó, pero no patentó, la cabina insonorizada para su uso en la demostración del teléfono con Alexander Graham Bell en 1877. [4] Existen variaciones del mismo concepto, incluida una cabina de aislamiento independiente portátil y un gabinete de aislamiento de altavoces de guitarra. Un panel de gobos logra el mismo efecto en un grado mucho más moderado; por ejemplo, una batería que es demasiado ruidosa en la sala en vivo o en el escenario puede tener paneles de gobos de vidrio acrílico transparentes colocados a su alrededor para desviar el sonido y evitar que se filtre a los otros micrófonos, lo que permite un mejor control independiente de cada canal del instrumento en la consola de mezclas .
En la animación, las interpretaciones vocales se graban normalmente en sesiones individuales y los actores tienen que imaginar (con la ayuda del director o de un lector) que están participando en un diálogo. [5] Las películas animadas suelen evolucionar rápidamente tanto durante el desarrollo como durante la producción, por lo que evitar que las pistas vocales se mezclen es esencial para preservar la capacidad de afinar las líneas hasta el último minuto. A veces, si la relación entre los actores principales es lo suficientemente fuerte y el estudio de animación puede permitírselo, los productores pueden utilizar un estudio de grabación configurado con múltiples cabinas de aislamiento en las que los actores pueden verse entre sí y al director. Esto permite que los actores reaccionen entre sí en tiempo real como si estuvieran en un escenario o set de filmación normal.
En la era de las grabaciones acústicas (antes de la introducción de los micrófonos, la grabación eléctrica y la amplificación), los primeros estudios de grabación eran instalaciones muy básicas, siendo esencialmente salas insonorizadas que aislaban a los intérpretes del ruido exterior. Durante esta era, no era raro que las grabaciones se hicieran en cualquier lugar disponible, como un salón de baile local, utilizando equipos de grabación acústica portátiles. En este período, las grabaciones maestras se hacían cortando un cilindro giratorio (más tarde disco) hecho de cera. Los intérpretes generalmente se agrupaban alrededor de una gran bocina acústica (una versión agrandada de la familiar bocina del gramófono ). La energía acústica de las voces o los instrumentos se canalizaba a través de la bocina a un diafragma a un torno de corte mecánico , que inscribía la señal como un surco modulado directamente sobre la superficie del máster.
La grabación eléctrica era común a principios de la década de 1930, y los tornos de masterización funcionaban con electricidad, pero las grabaciones maestras todavía tenían que cortarse en un disco, que para entonces era una laca, también conocida como disco de acetato . En línea con las tendencias musicales predominantes, los estudios de este período se diseñaron principalmente para la grabación en vivo de orquestas sinfónicas y otros grandes conjuntos instrumentales. Los ingenieros pronto descubrieron que los espacios grandes y reverberantes como las salas de conciertos creaban una firma acústica vibrante, ya que la reverberación natural mejoraba el sonido de la grabación. En este período, se favorecieron las salas grandes y acústicamente en vivo , en lugar de las cabinas y salas de estudio acústicamente muertas que se volvieron comunes después de la década de 1960. Debido a los límites de la tecnología de grabación, que no permitía técnicas de grabación multipista , los estudios de mediados del siglo XX se diseñaron en torno al concepto de agrupar a los músicos (por ejemplo, la sección rítmica o una sección de vientos ) y a los cantantes (por ejemplo, un grupo de coristas ), en lugar de separarlos, y colocar a los intérpretes y los micrófonos estratégicamente para capturar la compleja interacción acústica y armónica que surgía durante la interpretación. En la década de 2000, los estudios de sonido modernos todavía utilizan a veces este enfoque para grandes proyectos de bandas sonoras para películas que utilizan grandes orquestas.
Debido a su excelente acústica, muchos de los estudios más grandes eran iglesias reconvertidas. Algunos ejemplos son los estudios AIR de George Martin en Londres, el estudio 30th Street de Columbia Records en la ciudad de Nueva York [6] y el estudio Pythian Temple en Nueva York.
Instalaciones como el estudio Columbia Records 30th Street de Nueva York y los estudios Abbey Road de Londres eran famosas por su sonido reconocible (que era (y sigue siendo) fácilmente identificable por los profesionales del audio) y por la habilidad de sus ingenieros. A medida que crecía la necesidad de transferir material de audio entre diferentes estudios, hubo una demanda cada vez mayor de estandarización en el diseño de estudios en toda la industria discográfica, y Westlake Recording Studios en West Hollywood tuvo una gran influencia en la década de 1970 en el desarrollo de un diseño acústico estandarizado. [7]
En la ciudad de Nueva York, Columbia Records tenía algunos de los estudios de grabación de sonido más respetados, incluido el 30th Street Studio en 207 East 30th Street, el CBS Studio Building en 49 East 52nd Street, Liederkranz Hall en 111 East 58th Street entre Park y Lexington Avenues (un edificio construido por y anteriormente perteneciente a una sociedad cultural y musical alemana, The Liederkranz Club and Society), [8] [9] y uno de sus primeros estudios de grabación, Studio A en 799 Seventh Avenue. [6]
Los estudios de grabación eléctricos de mediados del siglo XX a menudo carecían de cabinas de aislamiento, deflectores de sonido y, a veces, incluso de altavoces. Una de las principales razones por las que no se utilizaba el aislamiento era que las grabaciones en este período se hacían normalmente como tomas de conjunto en directo y todos los intérpretes debían poder verse entre sí y al líder del conjunto mientras tocaban. Los ingenieros de grabación que se formaron en este período aprendieron a aprovechar los complejos efectos acústicos que podían crearse a través de las fugas entre diferentes micrófonos y grupos de instrumentos, y estos técnicos se volvieron extremadamente hábiles para capturar las propiedades acústicas únicas de sus estudios y de los músicos en la interpretación. No fue hasta la década de 1960, con la introducción de los auriculares de alta fidelidad , que se convirtió en una práctica común que los intérpretes los utilizaran para controlar su interpretación durante la grabación y escuchar las reproducciones.
El uso de diferentes tipos de micrófonos y su colocación en el estudio es una parte crucial del proceso de grabación, y los ingenieros utilizan marcas particulares de micrófonos por sus características de audio específicas. Los micrófonos de cinta de tono suave desarrollados por la compañía RCA en la década de 1930 fueron cruciales para el estilo de crooning perfeccionado por Bing Crosby , y el famoso micrófono de condensador Neumann U 47 fue uno de los más utilizados a partir de la década de 1950. Este modelo todavía es ampliamente considerado por los profesionales del audio como uno de los mejores micrófonos de su tipo jamás fabricados. Aprender la colocación correcta de los micrófonos es una parte importante de la formación de los ingenieros jóvenes, y muchos se volvieron extremadamente hábiles en este oficio. Hasta bien entrada la década de 1960, en el campo clásico no era raro que los ingenieros hicieran grabaciones orquestales de alta calidad utilizando solo uno o dos micrófonos suspendidos sobre la orquesta. En la década de 1960, los ingenieros comenzaron a experimentar con la colocación de micrófonos mucho más cerca de los instrumentos de lo que había sido la norma anteriormente. El tono áspero distintivo de las secciones de instrumentos de viento en las grabaciones de los Beatles " Good Morning Good Morning " y " Lady Madonna " se logró haciendo que los saxofonistas posicionaran sus instrumentos de manera que los micrófonos estuvieran virtualmente dentro de la boca del instrumento. [ cita requerida ]
Las características sonoras únicas de los grandes estudios otorgaron un carácter especial a muchas de las grabaciones más famosas de los años 50 y 60, y las compañías discográficas protegieron celosamente estas instalaciones. Según el historiador del sonido David Simons, después de que Columbia se hiciera cargo de los estudios de la calle 30 a fines de los años 40 y el gerente de A&R Mitch Miller los modificara a la perfección, Miller emitió una orden permanente de que no se tocaran las cortinas y otros accesorios, y los limpiadores tenían órdenes específicas de nunca fregar el piso de madera desnudo por temor a que pudiera alterar las propiedades acústicas de la sala. Hubo varias otras características de los estudios en este período que contribuyeron a sus firmas sonoras únicas.
Además del sonido inherente a las grandes salas de grabación, muchos de los mejores estudios incorporaban cámaras de eco especialmente diseñadas , salas construidas a propósito que a menudo se construían debajo del estudio principal. Se trataba de espacios rectangulares largos y bajos construidos con materiales duros que reflejaban el sonido, como el hormigón, equipados con un altavoz en un extremo y uno o más micrófonos en el otro. Durante una sesión de grabación, una señal de uno o más de los micrófonos del estudio podía enviarse al altavoz de la cámara de eco; el sonido del altavoz reverberaba a través de la cámara y la señal mejorada era captada por el micrófono en el otro extremo. Esta señal mejorada por el eco, que a menudo se utilizaba para endulzar el sonido de las voces, podía luego mezclarse con la señal principal del micrófono del estudio y mezclarse con la pista mientras se realizaba la grabación maestra.
El equipamiento especial era otra característica notable del estudio de grabación clásico . Los estudios más grandes eran propiedad de grandes compañías de medios como RCA, Columbia y EMI, que normalmente tenían sus propias divisiones de investigación y desarrollo de electrónica que diseñaban y construían equipos de grabación y consolas de mezclas a medida para sus estudios. Del mismo modo, los estudios independientes más pequeños a menudo eran propiedad de ingenieros electrónicos expertos que diseñaban y construían sus propias mesas y otros equipos. Un buen ejemplo de esto son los Gold Star Studios en Los Ángeles, el sitio de muchas grabaciones famosas de pop estadounidense de la década de 1960. El copropietario David S. Gold construyó la mesa de mezclas principal del estudio y muchas piezas adicionales de equipamiento y también diseñó las exclusivas cámaras de eco trapezoidales del estudio.
Durante los años 1950 y 1960, el sonido de las grabaciones pop se definió aún más con la introducción de dispositivos de procesamiento de sonido patentados, como ecualizadores y compresores, que eran fabricados por empresas especializadas en electrónica. Uno de los más conocidos era el ecualizador Pultec, que utilizaban casi todos los estudios comerciales más importantes de la época.
Con la introducción de la grabación multipista , se hizo posible grabar instrumentos y cantantes por separado y en diferentes momentos en diferentes pistas de la cinta. A mediados del siglo XX, las grabaciones eran analógicas , realizadas en cinta magnética de 1 ⁄ 4 de pulgada o 1 ⁄ 2 pulgada , o, más raramente, en película magnética de 35 mm , con la grabación multipista alcanzando 8 pistas en la década de 1950, 16 en 1968 y 32 en la década de 1970. La cinta más común de este tipo es la analógica de 2 pulgadas, capaz de contener hasta 24 pistas individuales. A lo largo de la década de 1960, muchos clásicos del pop todavía se grababan en vivo en una sola toma. En la década de 1970, las grandes compañías discográficas comenzaron a adoptar la grabación multipista y el énfasis se desplazó al aislamiento y la insonorización, con tratamientos como el eco y la reverberación agregados por separado durante el proceso de mezcla, en lugar de combinarse durante la grabación. Generalmente, después de configurar una mezcla de audio en una máquina de cinta de 24 pistas, las pistas se reproducen juntas, se mezclan y se envían a una máquina diferente, que graba las señales combinadas (llamada impresión ) en una cinta estéreo de dos pistas de 1 ⁄ 2 pulgada, llamada master .
Antes de la grabación digital, el número total de pistas disponibles en las que se podía grabar se medía en múltiplos de 24, en función del número de grabadoras de cinta de 24 pistas que se utilizaban. La mayoría de los estudios de grabación utilizan ahora equipos de grabación digital, lo que limita el número de pistas disponibles únicamente en función de la capacidad de la consola de mezclas o de la interfaz de hardware del ordenador y de la capacidad del hardware para hacer frente a las demandas de procesamiento. Las grabadoras de cinta analógicas todavía se utilizan en algunos casos por sus características sonoras únicas.
Los estudios de radio son muy similares a los estudios de grabación, en particular en el caso de los estudios de producción que normalmente no se utilizan en directo , como los estudios en los que se graban entrevistas para su posterior difusión. Este tipo de estudio normalmente tendría el mismo equipamiento que cualquier otro estudio de grabación de audio, en particular si se encuentra en una estación grande o en una instalación combinada que alberga a un grupo de estaciones, pero también está diseñado para que grupos de personas trabajen en colaboración en una situación de transmisión en directo. [10]
Los estudios de radiodifusión también utilizan muchos de los mismos principios, como el aislamiento del sonido, con adaptaciones adecuadas a la naturaleza en directo de su uso. Dicho equipo incluiría comúnmente un híbrido telefónico para poner llamadas telefónicas en el aire, un códec POTS para recibir transmisiones remotas , una alarma de aire muerto para detectar silencios inesperados y un retardo de transmisión para eliminar cualquier cosa, desde toses hasta blasfemias . En los EE. UU., las estaciones autorizadas por la Comisión Federal de Comunicaciones (FCC) también deben tener un decodificador del Sistema de Alerta de Emergencia (normalmente en el estudio) y, en el caso de estaciones de máxima potencia, un codificador que pueda interrumpir la programación en todos los canales que transmite una estación para transmitir advertencias urgentes.
Las computadoras se utilizan para reproducir anuncios publicitarios , jingles , bumpers publicitarios , fragmentos de sonido , llamadas telefónicas, efectos de sonido , informes de tráfico y meteorológicos , y ahora pueden realizar una automatización completa de la transmisión cuando no hay personal presente. Las consolas de mezcla digitales se pueden interconectar mediante audio a través de Ethernet . Las conexiones de red permiten el acceso remoto , de modo que los DJ pueden hacer espectáculos desde un estudio en casa a través de Internet. Se requieren conexiones de audio externas adicionales para el enlace de estudio/transmisor para estaciones por aire , antenas parabólicas para enviar y recibir programas, y para transmisión web o podcasting .