Timothy Noble (nacido en 1966) y Susan Webster (nacida en 1967) son artistas británicos que trabajan como dúo colaborativo. Están asociados con la generación de artistas posterior a YBA . [2]
Noble y Webster asistieron a cursos básicos de Bellas Artes en el Cheltenham Art College (ahora la Universidad de Gloucestershire ) y en el Leicester Polytechnic (ahora la Universidad De Montfort ), respectivamente. Los dos se conocieron en 1986 como estudiantes de Bellas Artes en la Universidad de Nottingham Trent y se hicieron buenos amigos a través de intereses compartidos, en particular sus gustos musicales. [3] [4] [5] [6]
Su obra figura en varias colecciones públicas, [3] entre ellas la National Portrait Gallery de Londres, [7] [8] el Arken Museum of Modern Art de Dinamarca [9] y el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. [10]
En 2007, fueron galardonados con el prestigioso Premio Arken, [11] y en 2009 recibieron el Doctorado Honoris Causa en Arte de la Universidad de Nottingham Trent , su antigua universidad, en reconocimiento a sus logros artísticos hasta la fecha. [12]
Los artistas están actualmente representados por BlainSouthern en Londres.
El trabajo de Tim Noble y Sue Webster se puede dividir en “Obras de luz” y “Obras de sombra”, aunque Webster no las considera completamente separadas. Dice:
"Los dos trabajos se mantuvieron en marcha uno al lado del otro. Hay dos caras de la obra: la brillante y la oscura. Eso refleja las dos personalidades que hay dentro de nosotros". [13]
La influencia de la música en su arte, particularmente el punk rock , ha sido de gran importancia para ellos desde que comenzaron sus primeras colaboraciones: Dice Noble:
"Creo que todo lo que sea un poco como un cohete en el trasero, todo lo que vaya en contra de la rutina, de las cosas mundanas que cierran tu mente, es algo refrescante y bueno. El punk lo hizo con mucho éxito... ofreció un medio directo e instantáneo de producir productos o cosas". [14]
Webster añade:
"Cuando hacemos una obra, buscamos constantemente algo que nos deje sin aliento, porque si nos deja sin aliento, ya hemos llegado al límite. Nos gusta estudiar todas las formas posibles de hacerlo, puede ser muy simple o muy complicado, pero no nos sentimos satisfechos hasta que lo hemos repasado bien entre los dos". [15]
Sir Norman Rosenthal , ex secretario de Exposiciones de la Real Academia, escribe:
"En el nivel más inmediato y más importante, la obra de [Tim] Noble y [Sue] Webster simboliza a un par de artistas claramente enamorados y completamente enamorados el uno del otro, artistas que sólo están interesados en retratarse a sí mismos: a veces rodeados de detritos; otras veces de pastiches de publicidad de neón contemporánea. Una antiestética de la vulgaridad reina en la superficie de su obra". [16]
Las esculturas de sombras incorporan diversos materiales, como basura doméstica, chatarra y animales disecados. Al proyectar luz sobre estos conjuntos, se transforman en perfiles de sombras de gran precisión de los artistas. [17] [18]
Al hablar de sus trabajos de sombras, Webster comentó: " Nuestro trabajo es increíblemente poco social. Tiene que haber oscuridad total porque es necesario dar luz y luego quitarla de nuevo " . [19]
Su primera escultura de sombras, 'Miss Understood and Mr Meanor', 1997 ( derecha ), surgió a partir de la experimentación con el ensamblaje de objetos personales y basura doméstica. [20] Las siluetas están formadas por luces que brillan sobre montones de basura, que incluyen gafas de sol rotas e insignias de bandas de rock. En esta obra en particular, las cabezas de los artistas están cortadas y empaladas en estacas. [20] La obra fue destruida en el incendio del almacén Momart en 2004 , junto con varias otras obras conocidas de la Colección Saatchi. [21] [22]
A través de sus esculturas de sombras lograron fusionar lo abstracto y lo figurativo, una búsqueda que consumió a artistas como Jackson Pollock , Willem de Kooning y Francis Bacon . [20] Esto se hizo aún más evidente con su segunda gran escultura de sombras, 'Dirty White Trash (with Gulls)', 1998 ( izquierda ), que amplió las innovaciones de 'Miss Understood and Mr Meanor'. [23] Esta obra está compuesta por un nuevo tipo de autorretrato, esculpido a partir de seis meses de basura de los artistas; los restos de todo lo que necesitaron para sobrevivir durante el tiempo que tomó hacer la obra. Una única fuente de luz ilumina la pila de basura, proyectando así un retrato en sombra, que contrasta marcadamente con los materiales utilizados para crearlo; los artistas apoyados uno contra el otro, espalda contra espalda, disfrutando de una copa de vino y un cigarrillo. [23]
Jeffrey Deitch, director del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , escribe:
" Dirty White Trash (with Gulls) es una confluencia de belleza y suciedad, forma y antiforma. Es una obra de arte hecha a partir del proceso de su propia concepción, una encarnación de la lógica formalista. Al mismo tiempo, es una negación de todo lo que representa el formalismo... El artista está en el centro de la obra. Es deliberadamente entretenida y se deleita en su propia teatralidad". [20]
Otra obra, British Wildlife, fue creada después de que el padre de Noble muriera en 2000. Utilizando su colección de animales disecados, es un ensamblaje de cuarenta y seis pájaros, cuarenta mamíferos y dos peces disecados, incluyendo un cisne entero e incluso el cuervo mascota que Noble tenía cuando era niño. [20] La sombra formada por esta masa de animales representa apropiadamente bustos espalda con espalda de los artistas en una pose de dolor. [24]
En septiembre de 2000, fueron invitados a participar en 'Apocalipsis', la continuación de la Royal Academy a la infame exposición Sensation de 1997. Para ello presentaron 'Los indeseables', que comprende una montaña de detritos recogidos de fuera de la casa de Tim y Sue con una imagen de sombra de los artistas flotando encima. [25] La aparición de una enorme pila de basura en una de las galerías más grandes de la Royal Academy fue intencionalmente radical e impactante, creada para desafiar las suposiciones de los espectadores sobre el arte. [26]
En 2006, se realizó una exposición de su trabajo en el Museo Freud , titulada 'Perverso polimorfo'. [27] 'Narciso negro', una escultura hecha de moldes de silicona negra de los dedos de Webster y el pene de Noble en varios estados de excitación, fue colocada en el estudio de Sigmund Freud junto a un busto del propio Freud. Cuando se iluminó, la escultura proyectó un retrato de doble perfil de los artistas, que ilustra cómo la sexualidad influye en nuestra percepción de la realidad, reflejando la sexualidad que Freud descubrió en el núcleo de la vida humana. Otra obra, 'Scarlett', 2006 (ver el video a continuación en 'Enlace externo') era una " mesa de trabajo en la que numerosos juguetes mecánicos extraños están trabajando y aparentemente en proceso de fabricación; un entorno de pesadilla de fantasías y transgresiones sexuales y sadomasoquistas reprimidas " . [28]
Las esculturas de luz, creadas en conjunto con sus investigaciones de sombras, están construidas a partir de bombillas secuenciadas por computadora que parpadean perpetuamente, enviando mensajes de amor y odio, a menudo simultáneos. Las esculturas hacen referencia a los símbolos icónicos de la cultura pop de Gran Bretaña y Estados Unidos, recordando los espectáculos de carnaval y la señalización típica de la Gran Bretaña costera de clase trabajadora, Piccadilly Circus , Las Vegas y Times Square . [20]
Como en casi todo su trabajo, muchas de las esculturas de luz tienen como objetivo ser contradictorias y producir sentimientos conflictivos en el espectador. Este es ciertamente el caso de su primera escultura de luz, 'Esquizofrenia tóxica', de 1997. El corazón que brilla sin cesar con un cuchillo atravesado fusiona un emblema cristiano con un tatuaje cliché del rock 'n' roll. Al igual que en las esculturas de sombras, la dualidad se encuentra en su núcleo; la obra representa el romance y el dolor, el amor y el odio, la amistad y la alienación, lo negativo y lo positivo. [16]
Las mismas contradicciones resuenan en el centro de su obra posterior, 'Sacrificial Heart', 2008, una versión tridimensional rotatoria de 'Toxic Schizophrenia', que, como la obra anterior, es a la vez repelente y extrañamente atractiva. [29] [30] 'Toxic Schizophrenia (Hyper Version)' fue su primera escultura pública permanente, presentada en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver, en mayo de 2009. [31]
Las contradicciones y la ironía abundan en las obras expuestas en la exposición 'Instant Gratification', 2001, de la Galería Gagosian , en Beverley Hills. [14] La revisión de seis metros de largo de su original 'Forever' de 1997 está inextricablemente vinculada a los viajes anteriores del artista a Las Vegas, jugando con las connotaciones tradicionales de la palabra, mientras que las luces que parpadean constantemente refuerzan la idea de 'para siempre'. [20]
Con 'A Pair of Dollars' intentaron dar una respuesta irónica al mercado del arte y a las ferias de arte, creando lo que Noble describió como una obra de arte 'vulgar', para demostrar su enojo con este sistema. [13] Sin embargo, desde entonces ha reconocido el fracaso de esta ironía, debido al enorme éxito de la pieza. [13]
'Puny Undernourished Kid & Girlfriend from Hell' ( Puny Undernourished Kid se muestra a la izquierda ), representa otro regreso a trabajos anteriores, ya que deriva de dibujos tipo caricatura que Noble y Webster habían hecho el uno del otro diez años antes. [20] Estas grandes figuras de neón están cubiertas con tatuajes de neón de declaraciones agresivas y contundentes, que demuestran claramente la influencia del punk rock en los artistas. [1]
'The Crack' (2004) es parte de una serie de esculturas de metal soldado que a primera vista parecen obras abstractas en la tradición de David Smith y Anthony Caro, pero que en realidad trabajan para revertir esta abstracción en figuración. [20]
'La grieta', una forma vertical similar a una columna, es posiblemente la obra de sombras más difícil de descifrar de los artistas. En lugar de centrarse en las habituales siluetas negras proyectadas sobre la pared, el espectador debe centrarse en el espacio blanco alrededor de la sombra, que revela los cuerpos desnudos de los artistas uno frente al otro. Este desafío perceptivo recuerda el análisis de Ernst Gombrich sobre la percepción en su famoso libro de 1960, 'Arte e ilusión'. [32] 'La grieta' muestra en un momento una forma abstracta que tal vez recuerda a un paisaje montañoso heroico de Clyfford Still , con sus grietas y barrancos; gradualmente comenzamos a percibir los perfiles desnudos de cuerpo entero de nuestros amigos acercándose el uno al otro, con los pezones tocándose, como si estuvieran a punto de hacer el amor de nuevo por millonésima vez.' [16]
En 1997, Tim Noble y Sue Webster encargaron a un escultor de Madame Tussauds que les ayudara a crear una escultura de tamaño natural de ellos mismos como australopitecos . Llamada "Los nuevos bárbaros" ( izquierda ), la obra se basa en un diorama del Museo Americano de Historia Natural de Nueva York, que muestra una reconstrucción de dos antepasados tempranos de la especie humana. [33] Los artistas produjeron una versión de estas figuras superpuestas con sus propios rasgos faciales. Las esculturas están instaladas de forma que se mantienen aisladas en un espacio aparentemente infinito. Su falta de pelo evoca connotaciones conflictivas; podrían ser los primeros humanos o los últimos: gente de las cavernas, o los supervivientes de un holocausto nuclear . [20] Así, la obra continúa la preocupación del artista por los temas conflictivos de la impermanencia y la inmortalidad. Un año después de comenzar "Los nuevos bárbaros", hicieron otra versión de la obra, "Masters of the Universe", 1998-2000. Esta utiliza el mismo modelo escultórico que la obra anterior pero está cubierta de pelo.
La 'Fuente eléctrica' de 35 pies de alto, construida con acero, tubos de neón y 3.390 bombillas LED, se exhibió en Rockefeller Plaza , Nueva York, en febrero de 2008. [34] 'Fuente eléctrica' ( ver 'Enlaces externos' a continuación para ver el videoclip ) representa la interpretación del artista de la forma de arte público más antigua del mundo, la fuente. Webster dijo: "La fuente eléctrica imita la tradición de una fuente como monumento que se encuentra en las plazas públicas de todo el mundo, pero su magia reside en la emulación de la luz donde debería estar el agua". La fuente puede verse como una celebración de la cultura contemporánea y un comentario ambiguo sobre la naturaleza de la sociedad de consumo, que encarna temas que a menudo están presentes en el trabajo del dúo. [1]
En 2001, Tim Noble y Sue Webster compraron una fábrica de muebles de principios del siglo XX en ruinas en el East End de Londres, que se convertiría en su estudio. Los artistas encargaron a David Adjaye el diseño del edificio, al que bautizaron como «La casa sucia», en referencia al material que utilizan en muchas de sus obras. [35] El ladrillo original estaba pintado de un marrón oscuro, compensado por dos filas de aberturas de ventanas y un techo «flotante» que parece flotar sobre el nivel superior de acristalamiento y cubiertas empotradas. [36]
En 2012, Sue compró la Mole Man House en Hackney por 1,1 millones de dólares. Anteriormente propiedad del ingeniero William Lyttle, la casa estaba muy deteriorada cuando la compró, incluido el derrumbe del techo. Sue contrató al arquitecto David Adaye, que había trabajado en su casa anterior. El enorme sistema de túneles había sido rellenado en su mayor parte por el ayuntamiento, pero se creó un enorme sótano para el estudio de arte utilizando parte del espacio que Lyttle había excavado en el suelo debajo de la casa. Se tuvo que retirar una enorme cantidad de escombros y basura, lo que equivalía a unos 300 contenedores, uno por día. [37] [38]
Noble y Webster se casaron el 7 de junio de 2008. La fiesta de bodas se celebró a bordo del Queen Elizabeth, el barco que se utilizó para la infame "fiesta del Jubileo" de los Sex Pistols ; también celebrada el mismo día que la fiesta de los Pistols, 31 años después. [39] El servicio fue dirigido por su amiga y compañera artista Tracey Emin .
El 4 de enero de 2013 se anunció que, después de 20 años juntos, Noble y Webster se divorciarían. [40]