Stefan Lochner (el Maestro Dombild o Maestro Stefan ; c. 1410 - finales de 1451) fue un pintor alemán que trabajó en el período gótico internacional tardío . Sus pinturas combinan la tendencia de esa época hacia líneas largas y fluidas y colores brillantes con el realismo , las texturas superficiales virtuosas y la iconografía innovadora de principios del Renacimiento del Norte . Radicado en Colonia , centro comercial y artístico del norte de Europa, Lochner fue uno de los pintores alemanes más importantes antes de Alberto Durero . Las obras existentes incluyen pinturas al óleo de un solo panel, polípticos devocionales y manuscritos iluminados , que a menudo presentan ángeles fantásticos y de alas azules. Hoy en día se le atribuyen con seguridad unos treinta y siete paneles individuales. [1]
Se sabe menos de su vida. Los historiadores del arte que asocian al maestro del Retablo de Dombld con el histórico Stefan Lochner creen que nació en Meersburg , en el suroeste de Alemania, alrededor de 1410, y que pasó parte de su aprendizaje en los Países Bajos . Los registros indican además que su carrera se desarrolló rápidamente pero se vio truncada por una muerte prematura. Sabemos que alrededor de 1442 el consejo de Colonia le encargó decorar la visita del emperador Federico III , una ocasión importante para la ciudad. Los registros de los años siguientes indican una riqueza creciente y la compra de varias propiedades en la ciudad. A partir de entonces, parece haber extendido demasiado sus finanzas y haberse endeudado. La peste azotó Colonia en 1451 y allí, además de los registros de los acreedores, termina la mención de Stephan Lochner; se presume que murió ese año, alrededor de los 40 años.
La identidad y reputación de Lochner se perdieron hasta un resurgimiento del arte del siglo XV durante el período romántico de principios del siglo XIX. A pesar de una extensa investigación histórica, la atribución sigue siendo difícil; Durante siglos, una serie de obras asociadas se agruparon y se atribuyeron libremente al Maestro de Dombld, un nombre tomado del Retablo de Dombld (en inglés, imagen de la catedral , también conocido como el Retablo de los Santos Patronos de la ciudad ) que aún se encuentra en la Catedral de Colonia . Una de las anotaciones del diario de Durero se volvió clave, 400 años después, en el establecimiento de la identidad de Lochner en el siglo XX. Sólo dos obras atribuidas están fechadas y ninguna está firmada. [3] Su influencia en las sucesivas generaciones de artistas del norte fue sustancial. Aparte de las numerosas copias directas realizadas a finales del siglo XV, se pueden ver ecos de sus paneles en obras de Rogier van der Weyden y Hans Memling . La obra de Lochner fue elogiada por Friedrich Schlegel y Goethe por sus cualidades, especialmente la "dulzura y gracia" de sus Madonnas . [4]
No hay pinturas firmadas por Lochner y su identidad no se estableció hasta el siglo XIX. JF Böhmer en un artículo de 1823 identificó el Dombld (que significa "cuadro de la catedral") o Retablo de los Santos Patronos de la ciudad con una obra mencionada en un relato de una visita a Colonia en 1520 en el diario de Alberto Durero . Este artista, notoriamente ahorrativo, pagó 5 pfennig de plata [5] para ver un retablo del "maestro Steffan" unos setenta años después de la muerte de Lochner. [6] Aunque Durero no menciona específicamente cuál de los paneles de Maister Steffan había visto, [7] su descripción coincide exactamente con el panel central del Retablo de Dombild . El retablo se menciona en varios otros registros. Fue reparado y redorado en 1568, y mencionado en Civitates Orbis Terrarum de Georg Braun en 1572. [8]
El arte gótico alemán experimentó un renacimiento a principios del período romántico del siglo XIX, cuando la obra fue vista como el clímax del período gótico tardío. El filósofo y crítico alemán Friedrich Schlegel contribuyó decisivamente a revivir la reputación de Lochner. Escribió extensos tratados comparando favorablemente el Dombild con la obra de Rafael , y creía que superaba cualquier obra de van Eyck, Durero o Holbein . [9] Más tarde, Goethe se mostró entusiasmado, [10] enfatizando el "espíritu y origen" alemán de Lochner; describió el Dombild como el "eje alrededor del cual el antiguo arte holandés se convierte en el nuevo". [11]
La identidad de Lochner permaneció desconocida durante siglos y ninguna otra obra conocida estuvo asociada con el retablo de Dombild . [10] En 1816, Ferdinand Franz Wallraf lo identificó como Philipp Kalf, basándose en la lectura de un nombre inscrito en la tela de una figura a la derecha del panel central. Malinterpretó las marcas en el piso de piedra que aparecen en la Anunciación y leyeron 1410, que tomó como el año de finalización. [12] Johann Dominicus Fiorillo descubrió un registro del siglo XV que decía "en 1380 había en Colonia un excelente pintor llamado Wilhelm, que no tenía igual en su arte y que representaba a seres humanos como si estuvieran vivos". [13] En 1850 Johann Jakob Merlo identificó al "maestro Steffan" con el histórico Stefan Lochner. [14]
En 1862, Gustav Waagen se convirtió en uno de los primeros historiadores del arte en intentar colocar las obras de Lochner en orden cronológico. Su razonamiento se basó en la suposición de que Lochner se desarrolló a partir de las primeras formas idealizadas generalmente asociadas con la Colonia de principios del siglo XV, y luego absorbió las técnicas y el realismo de los pintores holandeses. De esta manera, colocó la "alegría" más ligera de las pinturas de Madonna de Lochner desde el comienzo de su carrera, con las crucifixiones y paneles de fatalidad más severos y pesimistas al final. Hoy en día, los historiadores del arte creen que es todo lo contrario; los polípticos dramáticos e innovadores fueron lo primero, y las vírgenes individuales y los paneles de santos son de la mitad de su carrera. [15]
Debido a su similitud con el Altar de los Patronos de la Ciudad , los historiadores del arte han atribuido otras pinturas a Lochner, aunque algunos han cuestionado si la entrada del diario fue realizada auténticamente por Durero. La evidencia documental que vincula las pinturas y miniaturas con el Lochner histórico también ha sido cuestionada, sobre todo por el historiador del arte Michael Wolfson en 1996. [3] [7] [16] En cualquier caso, el alcance de la mano directa de Lochner, a diferencia de los de los talleristas o seguidores, se debate. [17] Ahora se cree que algunos paneles que anteriormente se le atribuían datan de después de 1451, año de su muerte. [18]
Las líneas generales de la vida histórica de Stefan Lochner se han establecido a partir de un pequeño número de registros, en su mayoría relacionados con comisiones, pagos y transferencias de propiedades. [19] No hay documentos relacionados con sus primeros años de vida, un factor que contribuyó fue la pérdida de registros de archivo de su supuesto lugar de nacimiento durante la ocupación francesa de Colonia . [20]
Las fuentes principales relacionadas con la vida de Lochner son un pago de junio de 1442 por parte de la ciudad de Colonia en relación con la visita de Friedrich; escrituras del 27 de octubre de 1442 y del 28 de agosto de 1444 que describen la transferencia de propiedad de la casa de Roggendorf; Octubre de 1444 escrituras para la compra de dos casas en St Alban; su registro como ciudadano de Colonia el 24 de junio de 1447; su elección al consejo municipal en diciembre de 1447; su reelección para ese cargo en la Navidad de 1450; una correspondencia de agosto de 1451 con el ayuntamiento; un anuncio del 22 de septiembre de 1451 sobre la creación de un cementerio de peste junto a su propiedad y, finalmente, actas judiciales del 7 de enero de 1452 que detallan la apropiación de su propiedad. [21]
A través de pistas y suposiciones raídas, en su mayoría centradas en una pareja relativamente rica que murió durante una plaga , se cree que eran sus padres, se cree que Lochner vino de Meersburg , cerca del lago Constanza . Georg y Alhet Lochner eran ciudadanos y murieron allí en 1451. En dos documentos fechados en 1444 y 1448 se hace referencia a un "Stefan" como "Stefan Lochner de Constanza" . su estilo no tiene rastro del arte de esa región. [23] No hay más registros de él o su familia en la ciudad excepto por una mención de Lochners (un nombre bastante poco común) en el pueblo de Hagnau , a dos kilómetros de Meersburg. [22]
Sin embargo, los registros indican que el talento de Lochner fue reconocido desde una edad temprana. [24] Pudo haber sido de origen holandés o haber trabajado allí para un maestro, posiblemente Robert Campin . La obra de Lochner parece influenciada por Jan van Eyck y Rogier van der Weyden ; Se pueden detectar elementos de sus estilos en la estructura y coloración de las obras maduras de Lochner, especialmente en su Juicio Final , [25] aunque se cree que ninguno de los dos es el maestro con quien estudió. [26]
En la década de 1440, Colonia era la ciudad más grande y rica del Sacro Imperio Romano . Controló y gravó el paso del comercio de Flandes a Sajonia , y se convirtió en un centro financiero, religioso y artístico. [27] La ciudad tenía una larga tradición de producción de arte visual de alta calidad, y en el siglo XIV, su producción se consideraba igual a la de Viena y Praga. Los artistas de Colonia se concentraron en temas más personales e íntimos, y la zona se hizo conocida por su producción de pequeños paneles de "gran encanto y belleza líricos, que reflejaban la profunda devoción por los escritos de los místicos alemanes ". [28]
Durante la década de 1430, la pintura en Colonia se había vuelto convencional y algo anticuada, y todavía bajo la influencia del estilo cortesano del Maestro de Santa Verónica , activo hasta 1420. [29] Después de su llegada, Lochner, que anteriormente estuvo expuesto a la Pintores holandeses que ya trabajaban al óleo, [30] eclipsaron a otros artistas de la ciudad. [31] Según la historiadora de arte Emmy Wellesz, después de la llegada de Lochner, "la pintura en Colonia cobró una nueva vida", tal vez enriquecida por la exposición anterior a los artistas holandeses. [28] Llegó a ser ampliamente celebrado como el pintor más capaz y moderno de la ciudad, donde era conocido como "Maister Steffan zu Cöln". [32]
Lochner aparece por primera vez en los registros existentes en 1442, nueve años antes de morir. [1] Se trasladó a Colonia, donde recibió el encargo del ayuntamiento de condecorar la visita del emperador Federico III . Lochner parecía estar bien establecido y, aunque otros artistas participaron en la preparación del evento, él fue responsable de los arreglos más importantes. La pieza central parece haber sido el Retablo de Dombild , descrito por los historiadores del arte moderno como "el encargo más importante del siglo XV en Colonia". [33] Se registra que le pagaron cuarenta marcos y diez chelines por su esfuerzo. [20]
Lochner compró una casa con su esposa Lysbeth alrededor de 1442. No se sabe nada más sobre ella y aparentemente la pareja no tuvo hijos. [20] En 1444 adquirió dos propiedades más grandes, el "zome Carbunckel", cerca de la iglesia de Saint Alban , [34] y el "zome Alden Gryne". [33] Los historiadores han especulado si estas adquisiciones indican la necesidad de albergar a un grupo creciente de asistentes debido a su creciente éxito comercial. Es probable que viviera en una casa y trabajara en la otra. [33] Las compras pueden haber causado tensión; Alrededor de 1447 parece haber encontrado dificultades financieras y se vio obligado a volver a hipotecar las casas. Las segundas hipotecas se contrataron en 1448. [20]
En 1447, el gremio de pintores local eligió a Lochner como su concejal municipal representativo, o Ratsherr . El nombramiento implica que había vivido en Colonia al menos desde 1437, ya que sólo aquellos que habían vivido en la ciudad durante diez años podían ocupar el cargo. No había adquirido la ciudadanía inmediatamente, posiblemente para evitar pagar la tasa de 12 florines . Se vio obligado a actuar como Ratsherr y el 24 de junio de 1447 se convirtió en burgués de Colonia. [35] El cargo de concejal municipal sólo podía desempeñarse por un período de un año, quedando vacante dos años antes de su reocupación. Lochner fue reelegido para un segundo mandato en el invierno de 1450-1451, pero murió en el cargo. [20]
Hubo un brote de peste en 1451 y no quedan registros de ella después de la Navidad de ese año. El 16 de agosto de 1451, funcionarios de Colonia informaron al consejo de Meersburg que Lochner no podría atender el testamento y el patrimonio de sus padres, recientemente fallecidos. [22] Se presume que para entonces ya estaba enfermo; La peste estaba muy extendida en la zona. El 22 de septiembre, la parroquia de Saint Alban solicitó permiso para quemar a las víctimas en el solar contiguo a su casa; ya no había espacio en su cementerio. Lochner murió en algún momento entre esta fecha y diciembre de 1451, cuando los acreedores tomaron posesión de su casa. [10] Los registros de 1451 no mencionan a Lysbeth, quien presumiblemente ya estaba muerta. [22]
Lochner trabajó en el estilo gótico internacional tardío ( schöner Stil ), que ya se consideraba anticuado y anticuado en la década de 1440, [36] pero que en general se considera innovador. Introdujo una serie de progresiones en la pintura en Colonia, especialmente llenando sus fondos y paisajes con detalles específicos y elaborados, y dando a sus figuras más volumen y volumen. [37] Wellesz describió sus pinturas como evidencia de una "intensidad de sentimiento que le da una cualidad muy especial y muy conmovedora a su trabajo. Su devoción se refleja en sus figuras: carga de significado simbólico los detalles más pequeños de sus pinturas; y, en De manera oculta, casi mágica, habla desde la concordia de sus colores puros y resplandecientes." [38]
Lochner pintó al óleo , preparando la superficie de una manera típica de otros artistas del norte de Alemania; en algunas obras fijó el lienzo al soporte del panel debajo de la habitual base de tiza. Probablemente esto se hizo donde iba a haber grandes áreas de dorado simple . [39] Cuando el fondo de oro debía tener un patrón como un brocado , este se tallaba en el fondo de tiza antes de dorar y, en algunas pinturas, a los elementos se les aplicaban adiciones moldeadas para elevar la superficie a dorar. [40] Empleó una serie de técnicas al dorar, para dar diferentes efectos. Estos incluían colocar la hoja con agua para los pasajes bruñidos y con aceite o barniz ( dorado con mordiente) para las áreas más decorativas. [41] Sus combinaciones de colores tienden a ser brillantes y luminosas, llenas de variedades de pigmentos rojos, azules y verdes. A menudo empleaba el ultramar , entonces caro y difícil de conseguir. [42] Sus figuras están regularmente delineadas con pintura roja. [43] Fue innovador en su interpretación de los tonos de piel, que construyó utilizando blancos de plomo para dar tez pálida con cualidades casi de porcelana. En esto, se refiere a una tradición más antigua de indicar mujeres de alta nobleza cuya palidez se asociaba con una vida en el interior, "protegidas del trabajo duro en el campo, que era la suerte de la mayoría". En particular, esta técnica sigue la del Maestro de Verónica, aunque las figuras del pintor anterior tenían un tono marfileño casi amarillento. [44] Las Madonnas de Lochner tienden a vestirse con azules saturados que resuenan con la pintura amarilla, roja y verde circundante. [45] Según James Snyder , el artista "empleó estos cuatro colores básicos para sus armonías", pero fue más allá al utilizar tonos más tenues y profundos en una técnica denominada "color puro". [46]
Al igual que Conrad von Soest , Lochner a menudo aplicaba un rayado negro sobre oro, generalmente para representar objetos metálicos como broches , coronas o hebillas, imitando el trabajo de los orfebres en objetos preciosos como relicarios y cálices . [47] Estuvo fuertemente influenciado por el arte y el proceso de la orfebrería y la orfebrería, especialmente en su pintura de motivos de oro, y se ha sugerido que alguna vez pudo haberse formado como orfebre . La evidencia de su imitación de elementos de su oficio es evidente incluso en sus dibujos inferiores . [47] Ejemplos pintados notables y elaborados incluyen el borde de oro labrado del concierto angelical en su Juicio Final , y el broche de Gabriel en el ala exterior del retablo de Dombild . [48]
Lochner parece haberse preparado sobre el papel antes de abordar sus dibujos; hay poca evidencia de reelaboración, incluso cuando se colocan grandes grupos de figuras. La reflectografía infrarroja de los dibujos inferiores de los paneles del Juicio Final muestra letras utilizadas para indicar el color final que se aplicará, por ejemplo g para gelb (amarillo) o w para weiss (blanco), y hay pocas desviaciones en el trabajo terminado. [49] A menudo reorganizaba las líneas de pliegue de las cortinas o para denotar la perspectiva, ampliaba o disminuía el tamaño de las figuras. [50] Los dibujos revelan a un dibujante de habilidad, dinamismo y confianza; las figuras parecen completamente formadas con poca evidencia de reelaboración. Muchos están modelados con gran detalle y precisión, por ejemplo el broche de Santa Úrsula en el Retablo de los Santos Patronos de la ciudad , que contiene guirnaldas y diademas muy detalladas . [51]
Quizás influenciado por Madonna in the Church de van Eyck , Lochner detalló detalladamente la caída y el gradiente de luz. Según la historiadora del arte Brigitte Corley, la ropa de "los protagonistas cambia de tonalidad en delicada reacción al influjo de la luz: los rojos se transforman, a través de una sinfonía de tonalidades rosadas, en un blanco grisáceo polvoriento, los verdes en un cálido amarillo pálido y tonos limón". pasando por naranjas hasta un rojo saturado". Lochner empleó la noción de iluminación sobrenatural no sólo de Van Eyck, sino también de la Crucifixión de von Soest , donde la luz que emana de Cristo se disuelve alrededor de la túnica roja de Juan , mientras los rayos amarillos eventualmente se vuelven blancos. [42] Existe una posibilidad real de que algunos de los rostros de los santos estén inspirados en personajes históricos, es decir, como retratos de los comisionados y sus esposas. Las figuras que encajan con esta teoría incluyen los paneles de Santa Úrsula y San Gereón del retablo de los Santos de la Ciudad. [52]
A diferencia de los pintores de los Países Bajos, Lochner no estaba tan preocupado por delinear la perspectiva ; sus imágenes suelen estar ambientadas en un espacio poco profundo, mientras que sus fondos dan pocos indicios de distancia y a menudo se disuelven en oro macizo. Así, y dadas sus armoniosas combinaciones cromáticas, se suele calificar a Lochner como uno de los últimos exponentes del gótico internacional. Esto no quiere decir que sus pinturas carezcan de la sofisticación nórdica contemporánea; sus arreglos son a menudo innovadores. [53] Los mundos que pinta son silenciosos, según Snyder, logrados con la simetría del uso tenue del color y el elemento estilístico a menudo repetido de los círculos. Los ángeles forman círculos alrededor de las figuras celestiales; Las cabezas de las figuras celestiales son muy circulares y llevan aureolas redondas. Según Snyder, el espectador se siente lentamente "atraído a la empatía con las formas giratorias". [54]
Debido a la escasez de obras atribuidas que se conservan, es difícil detectar alguna evolución en el estilo de Lochner. Los historiadores del arte no están seguros de si su estilo fue progresivamente más o menos influenciado por el arte holandés. Un examen dendrocronológico reciente de las obras atribuidas indica que su desarrollo no fue lineal, lo que sugiere que la Presentación más avanzada en el Templo es de 1445, anterior a los paneles más góticos de los Santos ahora divididos entre Londres y Colonia. [55]
Las principales obras de Lochner incluyen tres grandes polípticos: el Retablo de Dombild ; el Juicio Final , que se encuentra desmenuzado y en varias colecciones; y la Crucifixión de Nuremberg . Sólo dos pinturas atribuidas están fechadas; la Natividad de 1445, ahora en la Alte Pinakothek de Múnich, y la Presentación en el Templo de 1447, ahora en Darmstadt . [10] Hay una versión anterior, más pequeña, de la escena de presentación en la Fundación Calouste Gulbenkian , Lisboa, fechada en 1445. [56] A medida que la demanda de obras seculares creció y las obras religiosas pasaron de moda en los siglos posteriores, los polípticos del siglo XV a menudo se rompían. Se exhibían y vendían como obras individuales, especialmente si un panel o sección contenía una imagen que pudiera pasar por un retrato secular. [57]
Los paneles de alas y otros fragmentos de las obras más importantes de Lochner se encuentran hoy repartidos en varios museos y colecciones. Dos paneles de alas de doble cara que se conservan de un retablo con imágenes de santos se encuentran en la Galería Nacional de Londres y en el Museo Wallraf-Richartz de Colonia (ahora cortados para que ambos lados puedan exhibirse en una pared). [58] Las alas del Juicio Final originalmente tenían seis partes, pintadas por ambos lados, pero fueron cortadas en doce cuadros individuales, ahora divididos entre el Museo Wallraf-Richartz, la Alte Pinakothek de Munich y el Museo Städel de Frankfurt. [53] [59] [60] Probablemente sea de principios de su carrera, pero en el tema y los antecedentes difiere de otras obras existentes y atribuidas. Si bien los elementos están dispuestos en la armonía típica, la composición y el tono son inusualmente oscuros y dramáticos. La Crucifixión es también una obra temprana y recuerda a la pintura medieval tardía. Tiene un fondo dorado muy ornamentado y la suave fluidez del estilo gótico "suave". [53]
Las obras existentes abordan repetidamente las mismas escenas y temas. La natividad es recurrente, mientras que varios paneles representan a la Virgen y el Niño, a menudo rodeados por un coro de ángeles, o en paneles anteriores, bendecidos por una representación flotante de Dios o una paloma (que representa el Espíritu Santo ). En muchos casos María está encerrada en su habitual jardín cerrado . [38] Varios revelan el trabajo de varias manos, con pasajes más débiles y menos seguros atribuidos a los miembros del taller. Las figuras de María y Gabriel en el reverso del Dombld fueron dibujadas más rápidamente y con menos habilidad que las figuras de los paneles principales, y sus ropajes están modelados con, según el historiador del arte Julien Chapuis, cierta "rigidez", mientras que el rayado cruzado "no logra una definición clara de relieve ". [61] Varios dibujos se han asociado con él, pero sólo uno, un c. 1450 pincel y tinta sobre papel, titulado La Virgen y el Niño y actualmente en el Museo del Louvre , se le atribuye con seguridad. [62]
Lochner está asociado con tres libros de horas supervivientes ; en Darmstadt, Berlín y Anholt . Se debate el alcance de su asociación en cada uno; Los miembros del taller probablemente estaban muy involucrados en su producción. El más famoso es el Libro de oraciones de Stephan Lochner de principios de la década de 1450 , ahora en Darmstadt; los otros son el Libro de Oraciones de Berlín de c. 1444, y el Libro de Oraciones de Anholt, terminado en la década de 1450. [63] Los manuscritos son muy pequeños (Berlín: 9,3 cm x 7 cm, Darmstadt: 10,7 cm x 8 cm, Anholt: 9 cm x 8 cm) [64] y similares en diseño y coloración y cada uno de ellos está ampliamente decorado en oro y azul. Los bordes están adornados con colores brillantes y contienen volutas de acanto , follaje dorado, flores, frutos parecidos a bayas y vainas redondas. [65] El libro de Darmstadt incluye un ciclo completo del Martirio de los Apóstoles. Sus ilustraciones contienen la característica aplicación de azul profundo de Lochner, que recuerda a su Virgen en el jardín de rosas . [66]
El historiador de arte Ingo Walther detecta la mano de Lochner en la "piadosa intimidad y conmoción de las figuras, siempre expresadas con tanta dulzura y elegancia, incluso en el formato extremadamente pequeño de las imágenes". [31] Chapuis está de acuerdo con la atribución y señala que muchas de las miniaturas comparten similitudes temáticas con los paneles atribuidos. Escribe que las ilustraciones "no son un fenómeno periférico. Al contrario, abordan varias de las preocupaciones articuladas en las pinturas de Lochner y las formulan de nuevo. No hay duda de que estas exquisitas imágenes surgen de la misma mente". [67] El texto del libro de Darmstadt está escrito en lengua vernácula de Colonia, el libro de Berlín en latín. [sesenta y cinco]
Se conservan vestimentas litúrgicas que contienen figuras bordadas, incluida la de Santa Bárbara, en el estilo de Lochner y con tipos faciales similares. Esto ha llevado a algunas especulaciones sobre si Lochner proporcionó los modelos. Además, varios paneles de vidrieras contemporáneos tienen un estilo similar y se ha debatido si podría haber sido responsable de los murales de la iglesia; las figuras de tamaño natural del Dombld y la Virgen con la Violeta indican su capacidad para trabajar a escala monumental. [68]
En ocasiones se pensó que dos dibujos sobre papel conservados en el Museo Británico y en la École nationale supérieure des Beaux-Arts eran estudios para la Natividad de Munich . [69] Las líneas de los pliegues de las prendas coinciden mucho con las de la pintura, aunque la habilidad técnica no. El dibujo de París tiene manchas de pintura que indican que era una pieza de estudio para los miembros del taller. La pieza de Londres es superior, pero sus líneas son más rígidas y carecen de la fluidez de Lochner, por lo que su atribución ha quedado relegada a un dibujante estrechamente asociado con Lochner. [70]
El arte de Lochner parece deudor de dos amplias fuentes; Los artistas holandeses van Eyck y Robert Campin , [37] y los primeros maestros alemanes Conrad von Soest y el Maestro de Santa Verónica. [71] Del primero, Lochner extrajo su realismo al representar fondos, objetos y ropas naturalistas. De este último, adoptó la manera un tanto anticuada de representar figuras, especialmente femeninas, con rasgos de muñeca, elocuentes y sensibles, para presentar atmósferas "icónicas, casi atemporales", realzadas por los entonces anticuados fondos dorados. [72] Las figuras de Lochner tienen rasgos faciales idealizados típicos del retrato medieval. Sus sujetos, en particular las mujeres, suelen tener frentes altas, narices largas, barbillas pequeñas y redondeadas, rizos rubios recogidos y orejas prominentes típicas del gótico tardío, lo que les confiere la monumentalidad característica del arte del siglo XIII, ubicándolos en fondos superficiales aparentemente similares. . [73]
Lochner probablemente vio el c. 1432 Retablo de Gante durante su visita a los Países Bajos y parece haber tomado prestados algunos de sus elementos compositivos. Las similitudes incluyen la manera en que las figuras interactúan con su espacio y el énfasis y la representación de elementos como brocados , gemas y metales. Algunas figuras de las pinturas de Lochner están tomadas directamente de Gante y varios rasgos faciales coinciden con los que se ven en van Eyck. [74] Su Virgen con la Violeta ha sido comparada a menudo con la Virgen en la Fuente de van Eyck de 1439 . De manera similar a los de la obra de van Eyck, los ángeles de Lochner suelen cantar o tocar instrumentos musicales, incluidos laúdes y órganos. [75]
Aparentemente rechazó algunos aspectos del realismo van Eyckiano, especialmente en sus representaciones de sombras y su falta de voluntad para aplicar veladuras transparentes. Como colorista, Lochner se inclinaba más hacia el estilo gótico internacional, aunque esto inhibiera el realismo. No utilizó las técnicas holandesas recientemente desarrolladas para representar la perspectiva , sino que indicó la distancia mediante la disminución de objetos paralelos. [42]
La evidencia histórica sugiere que las pinturas de Lochner fueron muy conocidas y ampliamente copiadas durante su vida, y así siguieron siendo hasta el siglo XVI. Los primeros ejemplos en tinta de su Virgen en Adoración se encuentran en el Museo Británico y en la École nationale supérieure des Beaux-Arts . [76] La influencia del Juicio Final de Lochner se puede ver en el retablo de Gdansk de Hans Memling , donde las puertas del Cielo son similares, al igual que la representación de los bienaventurados. [77] Alberto Durero sabía de él antes de su estancia en Colonia, y Van der Weyden vio sus pinturas durante su viaje a Italia. El Altar de San Juan de este último es similar al Desollado de Bartolomé de Lochner , especialmente en la pose del verdugo, [77] mientras que su retablo de San Columba incluye dos motivos del tríptico de la Adoración de los Magos de Lochner ; concretamente, el rey en el panel central de espaldas al espectador, y la niña en el ala derecha sosteniendo una canasta que contiene palomas. [78] [79]
El Retablo de Heisterbach , un conjunto doble de alas desmantelado, ahora destrozado y dividido entre Bamberg y Colonia, debe mucho al estilo de Lochner. Los paneles interiores muestran dieciséis escenas de las vidas de Cristo y de la Virgen que tienen múltiples similitudes con la obra de Lochner, incluso en formato, motivos compositivos, fisonomía y coloración. Durante un período, la obra se atribuyó a Lochner, pero ahora se acepta generalmente que tiene una fuerte influencia. En 1954, Alfred Stange describió al Maestro del Retablo de Heisterbach como "el alumno y seguidor más conocido e importante" de Lochner, [80] aunque una investigación de 2014 indica que los dos pueden haber colaborado en los paneles. [81]
La investigación realizada en 2014 por Iris Schaeffer sobre los dibujos subyacentes del Retablo de Dombld estableció dos manos guías, presumiblemente Lochner y un alumno excepcionalmente talentoso, de quien, según ella, probablemente fue el artista principal detrás del Retablo de Heisterbach . [82] Una opinión contraria es que el taller de Lochner estaba produciendo dentro de una fecha límite, y él delegó por cuestión de conveniencia. [83]
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![Tres santos (Mateo, Catalina de Alejandría y Juan evangelista),[84] c. 1450. Galería Nacional, Londres](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/26/Stefan_Lochner_-_Drei_Heilige,_ca.1450_(London).jpg/1280px-Stefan_Lochner_-_Drei_Heilige,_ca.1450_(London).jpg)
