Aaron Copland escribió la Sinfonía para órgano y orquesta en 1924. [1] Representa una obra importante en la obra del compositor, ya que fue su primera obra orquestal completamente realizada, su primera obra para órgano y la primera pieza cuya orquestación escuchó. Se estrenó el 11 de enero de 1925 en Nueva York. En 1928, Copland reorquestó la obra sin órgano como su Sinfonía n.º 1 , reescribiendo la parte de órgano en los metales y añadiendo el saxofón. [2]
Copland estudió composición en París de 1921 a 1924 con la famosa pedagoga Nadia Boulanger . Apreciaba especialmente la confianza que ella mostraba en sus jóvenes estudiantes estadounidenses, y ella hizo arreglos para que él escribiera una importante obra sinfónica para órgano y orquesta que ella misma estrenaría en órgano y en la Orquesta Sinfónica de Nueva York bajo la dirección de Walter Damrosch , seguida por la Orquesta Sinfónica de Boston (BSO) bajo la dirección de Serge Koussevitzky . Había llegado a ser conocido en París como "ese talentoso joven compositor estadounidense", y en una reunión en la casa de Koussevitzky con Sergei Prokofiev y Boulanger, el director comentó: " ¡ Usted escribirá un concierto para órgano, Mademoiselle Boulanger lo tocará y yo lo dirigiré!". [1] A pesar de su aprensión sobre su preparación para escribir una obra tan grande (Copland nunca había escuchado su propia orquestación), Boulanger le aseguró que poseía las habilidades y el talento necesarios.
La Sinfonía para órgano y orquesta se estrenó en Nueva York el 11 de enero de 1925 en el Aeolian Hall , también el debut estadounidense de Boulanger. [1] El estreno en Boston tuvo lugar más tarde ese año. El estreno de la Primera sinfonía reorquestada no tuvo lugar hasta 1931, cuando la Orquesta Sinfónica de Berlín la interpretó bajo la batuta de Ernest Ansermet .
La Sinfonía para órgano y orquesta está escrita para flautín , dos flautas , dos oboes , corno inglés , dos clarinetes en si bemol , clarinete bajo en si bemol , dos fagotes , contrafagot , cuatro trompas , tres trompetas en do, tres trombones , tuba , timbales , percusión , dos arpas , celesta , cuerdas y órgano . [3]
La Primera Sinfonía (la versión sin órgano) está orquestada para flautín, dos flautas, dos oboes, corno inglés, dos clarinetes en si bemol , clarinete bajo en si bemol , 2 fagotes, contrafagot, saxofón alto en mi bemol , ocho trompas, cinco trompetas, tres trombones, tuba, timbales, percusión, piano , dos arpas y cuerdas. [4]
La Sinfonía para órgano contiene tres movimientos: un preludio contemplativo, un scherzo con una sección de trío "bluesero" y un final de tempo moderado que varía en carácter desde lúgubre hasta implacable. [2] La obra es inusual para una "sinfonía" en el sentido de que solo contiene tres movimientos y los movimientos aumentan en duración de principio a fin. Howard Pollack , un historiador de compositores estadounidenses, afirma que la obra se parece mucho más a un concierto y que su elongación progresiva de los movimientos hace que el último en particular parezca arrastrarse en algunos puntos, pero que "tales defectos se compensan con creces con la vitalidad, la brillantez y la individualidad de la música". Pollack señala además:
El preludio, más melancólico que triste, presenta ese tono pastoral agridulce tan característico de su compositor. El scherzo revela un sello igualmente familiar en su evocación de la vida urbana moderna: aquí es propulsivo, mecánico, jazzero, con una cita irónicamente robotizada de la melodía francesa "Au Claire de la Lune", un homenaje, sin duda, a Boulanger... El Finale, alternativamente fúnebre y urgente (la voz profética del compositor ya se hace oír), termina triunfalmente, como suele hacerlo su música.
El material tonal del preludio se puede encontrar en sus primeros cuatro compases, basados en la escala octatónica de semitonos/tonos que comienza en sol ♯ (sol ♯ -ABCDD ♯ -FF ♯ -sol ♯ ). [5] El uso de escalas octatónicas ocupa un lugar destacado en la sinfonía y sirve como medio para cambiar entre centros tonales. Esto unifica el preludio en una forma ternaria característica de Copland, moviendo el centro tonal mediante un tritono en la sección B.
A lo largo de la obra, Copland emplea un motivo de tres notas basado en la tríada menor . [2] El motivo se escucha por primera vez de forma destacada en la primera entrada de la trompeta, aunque está en el nivel dinámico de pianissimo y en sordina. Utilizado en los tres movimientos, aparece cerca del final de la obra en triple forte (fortessissimo), unificando la sinfonía y dando peso a su conclusión.
El movimiento del scherzo presenta un ostinato polirrítmico presente en el 80% del movimiento, basado en dos figuras de "corchea, corchea, silencio de corchea" con una corchea desfasada. Los ritmos entrelazados le dan una sensación de perpetuum mobile al movimiento, cuyo material temático también deriva de él. [5] Copland afirmó que los ritmos bluseros que se encuentran en la sección de trío del scherzo no habrían estado allí si él no hubiera sido criado en Brooklyn. [1]
El Finale está compuesto en una forma de sonata modificada , posiblemente porque originalmente estaba destinado a abrir la sinfonía. [2] Copland describió la forma de sonata como compuesta por un primer tema en las violas basado en el motivo de la tríada menor, un segundo tema en las cuerdas sobre una línea de bajo ostinato basada en el motivo, una sección de desarrollo iniciada por el órgano que incluye un tema "vivaz" para violín solo y una breve recapitulación que combina estos elementos principales. Pollack sostiene que la forma de sonata es difícil de entender en este movimiento, incluso para un oyente experimentado, y lo compara con una passacaglia , con "su tema abierto al unísono, su exposición contrapuntística , sus líneas de bajo repetitivas, su falta de contraste temático claro y, quizás sobre todo, su estasis tonal".
La Sinfonía para órgano y orquesta estableció a Copland como un compositor moderno serio. La musicóloga Gayle Murchison postula que su uso de las escalas octatónicas y de tonos enteros, figuras ostinato polirrítmicas y contrapunto disonante demuestra su dominio de las técnicas armónicas, rítmicas y melódicas modernistas de la década de 1920. [5] La obra muestra mucha influencia del héroe de Copland, Igor Stravinsky , como sus ritmos nerviosos y enérgicos y parte de su lenguaje armónico, pero también se nutre de manera significativa y consciente del jazz (derecho de nacimiento de Copland), como en su interpretación lúdica del compás ternario en el movimiento scherzo. [6] Durante una década, Copland seguiría inspirándose en el jazz en su búsqueda por evocar un sonido esencialmente "estadounidense". Su interacción con el maestro Koussevitzky llevaría a este último a dirigir 12 de las piezas orquestales de Copland como director de la BSO, incluidas varias que encargó y estrenó. [5]
El público que asistió al estreno en Nueva York se quedó atónito por su «desviación radical de las convenciones habituales en la práctica ». [5] Desde el escenario, el maestro Damrosch comentó: «Si un joven talentoso puede escribir una sinfonía como esa a los veintitrés años, en cinco años estará listo para cometer un asesinato», lo que, en palabras de Copland, era una broma destinada a «calmar los ánimos de sus conservadoras damas de las tardes de domingo ante la música moderna». [7] Así como los críticos contemporáneos rechazaron la obra de Copland por ser demasiado jazzera y demasiado moderna, los directores y el público receptivos se emocionaron al escuchar su estilo en desarrollo. El propio Copland llegó a ver la obra como demasiado «europea» y trató conscientemente de evocar un idioma americano en su obra futura antes de aceptarla finalmente como un reflejo de su idioma natural. [2]
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