Shirley Clarke (de soltera Brimberg ; 2 de octubre de 1919 - 23 de septiembre de 1997) fue una cineasta estadounidense.
Nacida como Shirley Brimberg en la ciudad de Nueva York , era hija de un inmigrante polaco que hizo su fortuna en la industria manufacturera. Su madre era hija de un fabricante e inventor judío multimillonario. La mayor de tres hijas, su hermana era la escritora Elaine Dundy . [1] Su interés por la danza comenzó a una edad temprana, pero se encontró con la desaprobación de su padre, un matón violento. [2]
Clarke asistió al Stephens College , la Universidad Johns Hopkins , el Bennington College y la Universidad de Carolina del Norte . Como resultado de las lecciones de baile en cada una de estas escuelas, se formó bajo la técnica Martha Graham , la técnica Humphrey-Weidman y el método Hanya Holm de danza moderna . Se casó con Bert Clarke para escapar del control de su padre, para poder estudiar danza con los maestros en la ciudad de Nueva York. Su hija Wendy nació en 1944. [3] Su matrimonio con Bert terminó en divorcio en 1963. [4] Comenzó su carrera como bailarina en el movimiento de danza moderna de vanguardia de Nueva York. Fue una ávida participante en lecciones de baile y actuaciones en la Asociación Hebrea de Mujeres Jóvenes .
En 1972, Clarke fue signataria de una campaña de la revista Ms. , "Hemos tenido abortos", que pedía el fin de las "leyes arcaicas" que limitaban la libertad reproductiva; los participantes animaron a las mujeres a compartir sus historias y tomar medidas. [5]
En su primera película, Dance in the Sun (1953), adaptó una coreografía de Daniel Nagrin . La Sociedad de Cine y Danza de Nueva York la seleccionó como la mejor película de danza del año. [6] En Dance in the Sun (1953), Clarke hizo uso de tomas rítmicas, filmando un baile en el escenario y luego cortando del escenario a la playa y de ida y vuelta a lo largo de la película. Pasó de ser bailarina a ser cineasta y expresar su arte a través de un nuevo medio. [7]
Clarke estudió cine con Hans Richter en el City College de Nueva York después de realizar In Paris Parks (1954). En 1955, se convirtió en miembro de Independent Filmmakers of America y formó parte de un círculo de cineastas independientes en Greenwich Village, como Maya Deren , Stan Brakhage , Jonas Mekas y Lionel Rogosin .
En A Moment in Love , Clarke utilizó líneas y colores abstractos para capturar la danza pura. La película de Clarke Bridges Go-Round (1958) [8] es un gran ejemplo de expresionismo abstracto en el cine, con dos bandas sonoras alternativas, una con música electrónica de Louis y Bebe Barron [9] y la otra está orientada al jazz y fue creada por Teo Macero . Utilizó la cámara para crear una sensación de movimiento mientras filmaba estructuras inanimadas. También participó en películas producidas por la Agencia de Información de Estados Unidos para la Exposición Mundial de Bruselas de 1958. [10]
Recibió una nominación al Oscar por Rascacielos (1959) junto con otros dos cineastas documentalistas. Filmado principalmente en 1958, el cortometraje captura la construcción del 666 de la Quinta Avenida que comenzó en 1957. La película de 20 minutos incluye tomas del Teatro Roxy , que fue demolido el año en que se estrenó Rascacielos . En 1959, ganó el Premio Golden Gate en el Festival Internacional de Cine de San Francisco .
A Scary Time (1960), que muestra la pobreza y la enfermedad entre los niños de los países del Tercer Mundo, fue producida por UNICEF en consulta con Thorold Dickinson . Cuenta con música de Peggy Glanville-Hicks . [11]
Clarke describió el impacto que su experiencia como mujer tuvo en su forma de hacer películas:
Hay varias razones por las que tuve éxito. En primer lugar, tenía suficiente dinero como para no tener que convertirme en secretaria para sobrevivir. Y en segundo lugar, he desarrollado esta personalidad, esta forma de ser... Resulta que elegí un campo en el que tengo que estar presente, en constante contacto, estar a cargo de grandes cantidades de dinero, equipos y personas. Y ese no es particularmente el papel de una mujer en nuestra sociedad... Me identifiqué con la gente negra porque no podía lidiar con la cuestión de la mujer y la trasladé. Podía entender muy fácilmente los problemas negros y, de alguna manera, los equiparaba a lo que yo sentía. Cuando hice The Connection , que trataba sobre drogadictos, no sabía nada sobre drogadicción y me importaba menos. Era un símbolo: gente que está al margen. Siempre me sentí sola y al margen de la cultura en la que estaba. Crecí en una época en la que las mujeres no dirigían las cosas. Todavía no lo hacen. [12]
En 1962, describió sus objetivos: "Me rebelo contra las convenciones del cine. ¿Quién dice que una película tiene que costar un millón de dólares y ser lo suficientemente segura e inocua para satisfacer a todos los niños de 12 años de Estados Unidos?" [1]
Su primer largometraje, The Connection (1961), basado en la obra de Jack Gelber , trata sobre músicos de jazz adictos a la heroína y fue parte del surgimiento de un movimiento de largometrajes independientes en Nueva York. La película anunció un nuevo estilo que abordaba temas sociales relevantes en películas en blanco y negro de bajo presupuesto. Clarke pretendía que la película se utilizara como un caso de prueba en una lucha exitosa para abolir las reglas de censura del estado de Nueva York . También sirvió como un comentario sobre los fracasos del cinema verité . Se pretende que parezca documentar las interacciones espontáneas de un estilo de vida contemporáneo y específico (el Nueva York bohemio de principios de la década de 1960).
The Connection generó controversia y debate en la comunidad artística del centro de la ciudad de Nueva York. La obra original de Jack Gelber había sido condenada por los críticos durante sus representaciones fuera de Broadway, pero aun así había atraído a un público que incluía a " Leonard Bernstein , Anita Loos , Salvador Dalí y Lillian Hellman , que la compararon con 'un buen momento en el circo'". [13]
Clarke estaba decidida a filmar la obra y, una vez terminada, recibió críticas favorables. Se proyectó fuera de competición en el Festival de Cine de Cannes en 1961, donde nuevamente fue recibida positivamente. Celebridades de la generación beat estadounidense que estaban en Europa en ese momento viajaron a Cannes para mostrar su apoyo a la película de Clarke. Las proyecciones de The Connection en el estado de Nueva York fueron posteriormente prohibidas tras quejas que alegaban indecencia, basándose en una toma que incluía una revista pornográfica y una palabra considerada obscena. En ese momento, el estado de Nueva York solo permitía que se proyectaran películas en público si habían recibido una licencia de la junta de censores del estado. Se hizo otro intento de proyectar públicamente la película un año después, solo para que interviniera la policía, ya que los cineastas aún no tenían una licencia de la junta de censores del estado. Después de estos incidentes, las críticas de The Connection se volvieron predominantemente negativas. La situación dificultó a Clarke organizar la financiación y la distribución de sus proyectos cinematográficos. [13]
Mientras filmaba The Connection , se enamoró del actor Carl Lee . Después de divorciarse de Bert Clarke, comenzó una relación con Lee que duró hasta su muerte en 1986 a causa del SIDA , que había contraído por el uso de una aguja hipodérmica sucia. [1] [14]
En 1961, Clarke firmó el manifiesto "Declaración para un nuevo cine americano ", [15] y en 1962, cofundó The Film-Makers' Cooperative en Nueva York con Jonas Mekas . [1]
Robert Frost: A Lover's Quarrel With the World (1963), dirigida por Clarke y protagonizada por el poeta Robert Frost , ganó el Premio de la Academia al Mejor Largometraje Documental .
Basada en una novela de Warren Miller , la película de Clarke, The Cool World (1964), sigue la vida de un joven que llega a ser el líder de una pandilla juvenil. [1] La primera película que dramatiza una historia sobre pandillas callejeras negras sin depender de la moralización al estilo Hollywood, se filmó en locaciones de Harlem y fue producida por Frederick Wiseman . The Cool World fue la primera película independiente que se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Venecia . [12]
Clarke dirigió una entrevista de larga duración con un prostituto negro gay, Retrato de Jason (1967), que fue seleccionada para el Festival de Cine de Nueva York . [1] Editada a partir de 12 horas de metraje de la entrevista, la película fue descrita por Lauren Rabinovitz como una exploración del "carácter de una persona mientras que simultáneamente aborda el alcance y las limitaciones del estilo del cinéma-verité". Retrato de Jason (1967) tuvo una respuesta mixta de los críticos estadounidenses. Con la excepción de publicaciones no convencionales, los críticos fueron generalmente negativos centrándose en el supuesto "punto de vista morboso" de Clarke y la falta de pulido de la producción. Retrato de Jason tuvo una mejor recepción en Europa. La película fue distribuida por el Film-Makers Distribution Center. Cofundado por Clarke en 1966, el distribuidor cerró en 1970 después de encontrar dificultades financieras. [16]
En los años 1970 y principios de los 1980, Clarke experimentó con performances en video en vivo, [17] volviendo a sus raíces como bailarina. Formó The TeePee Video Space Troupe en su ático del Hotel Chelsea . Este grupo incluía a los artistas de video Andy Gurian, Bruce Ferguson, Stephanie Palewski, DeeDee Halleck, Vickie Polan, Shrider Bapat, la hija de Clarke, Wendy Clarke, y muchos otros. La Troupe también fue una de las primeras en experimentar con performances, instalaciones y documentación en video grabado. [18]
Después de trabajar en películas de vídeo durante varios años en el Hotel Chelsea, Roger Corman le propuso a Clarke trabajar en su siguiente película Crazy Mama (1975). Esto provocó desacuerdos sobre los enfoques creativos. Clarke se dio cuenta de que Corman esperaba una protegida sin experiencia cinematográfica. En una entrevista de 1985, Clarke declaró que no creía que la situación se hubiera producido si ella hubiera sido un cineasta hombre:
Estaba claro que no podía estar hablando con una cineasta establecida que había ganado premios y todo eso. No sabía quién era yo en absoluto. [...] ¿Hablaría alguna vez con un hombre así? No confiaba en mí, eso es seguro. Existe una profunda discriminación contra las mujeres artistas que todavía es muy fuerte. Yo era una representante del simbolismo. Se confiaba en mí para que fuera la cineasta mujer. Ninguna persona puede llevar esa carga. No hay duda de que mi carrera habría sido diferente si yo fuera un hombre, pero si fuera un hombre sería un ser humano diferente. [12]
De vez en cuando, los miembros del colectivo pionero de video Videofreex formaban parte de la compañía: David Cort, Parry Teasdale, Chuck Kennedy, Skip Blumberg, Bart Freidman y Nancy Cain. La compañía trabajaba en el Hotel Chelsea y sus alrededores en West 23rd St en la ciudad de Nueva York, a menudo instalando múltiples cámaras y monitores en el techo o en la escalera. Los participantes invitados de Chelsea incluyeron a Viva , Arthur C. Clarke (sin relación), Severn Darden y Agnès Varda . [18] La compañía realizó una gira por universidades y centros de medios, incluido el Bucknell College en Pensilvania, donde trabajaron con estudiantes de teatro y danza en una actuación nocturna masiva en el centro de estudiantes, y SUNY Cortland , donde crearon un mural de video con estudiantes de arte.
La última película de Clarke fue Ornette: Made in America (1985), un perfil documental del saxofonista y compositor de jazz Ornette Coleman . [1]
Además de dirigir sus propias películas, Clarke interpretó a una cineasta independiente en la comedia de estilo cinéma vérité Lions Love (1969) de Agnès Varda . Clarke también aparece brevemente en el documental He Stands in a Desert Counting the Seconds of His Life (1986) de Jonas Mekas. Las piernas de Clarke aparecieron en la película de 1971 de John Lennon y Yoko Ono Up Your Legs Forever . [19]
Clarke dio conferencias regularmente, hablando en teatros y museos. Durante el período entre 1971 y 1974, Clarke dirigió una serie de talleres itinerantes de Teepee en una variedad de lugares e instituciones, incluidos The Kitchen, el Museo de Arte Moderno ("Open Circuits"), Antioch College, Baltimore, Wesleyan College, Bucknell University, Film Study Center, Hampshire College y la Universidad de Buffalo. Clarke se convirtió en profesor en UCLA en 1975, enseñando cine y video hasta 1983. [1]
Clarke murió de un derrame cerebral en Boston, Massachusetts, después de luchar contra la enfermedad de Alzheimer , poco antes de cumplir 78 años.
El único largometraje que recibió una amplia cobertura mediática durante la vida de Clarke fue The Connection . No fue su única película sujeta a prohibiciones por parte de los censores del estado de Nueva York, o desafíos de distribución planteados por la falta de infraestructura para cineastas independientes. La reputación de Clarke languideció durante muchos años, durante un período en el que fue "marginada, excluida de las historias y descartada como una diletante". [13] Sin embargo, ha habido un renovado interés en su cine. El primer premio Shirley Clarke Avant-Garde Filmmaker fue entregado a Barbara Hammer en octubre de 2006. [20] Thomas Cohen, en un libro de 2012 que analiza su carrera, describió sus largometrajes como "películas consideradas obras esenciales del Nuevo Cine Americano". [21]
A partir de 2012, Milestone Films emprendió el "Proyecto Shirley", un proyecto en profundidad de ocho años para lanzar versiones restauradas de muchas de las películas de Clarke en DVD y Blu-ray, precedido por presentaciones limitadas en salas de cine. [13] [22] [23] Esto abarcó Ornette: Made in America (Volumen 1, 11 de noviembre de 2014), [24] Portrait of Jason (Volumen 2, 11 de noviembre de 2014), [25] The Connection (Volumen 3, 24 de febrero de 2015) [26] [27] y The Magic Box: The Films of Shirley Clarke. 1927-1986 (Volumen 4, 15 de noviembre de 2016). [28] [29]