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Sara Szé

Sarah Sze ( / ˈz iː / ; nacida en 1969) es una artista estadounidense y profesora de artes visuales en la Universidad de Columbia . [1] El trabajo de Sze explora el papel de la tecnología, la información y la memoria con objetos en la vida contemporánea utilizando materiales cotidianos. [2] Su trabajo a menudo representa objetos atrapados en suspensión. A partir de las tradiciones modernistas, Sze confronta la relación entre objetos de bajo valor producidos en masa en instituciones de alto valor, creando la sensación de que los objetos de la vida cotidiana pueden ser arte. [3] Ha expuesto internacionalmente y sus obras se encuentran en las colecciones de varios museos importantes.

Temprana edad y educación

Sze nació en Boston en 1969. Su padre, Chia-Ming Sze, era un arquitecto que se mudó a los Estados Unidos desde Shanghai a los cuatro años y su madre, Judy Mossman, era una maestra de escuela anglo-escocesa-irlandesa. Sze informa que cuando era niña dibujaba constantemente. [4] Asistió a la Academia Milton como estudiante diurna y se graduó summa cum laude con una licenciatura en Arquitectura y Pintura de la Universidad de Yale en 1991. [5] [6]

Carrera

El trabajo de Sze ha aparecido en la Bienal del Whitney (2000), la Carnegie Internacional (1999) y varias bienales internacionales, incluidas Berlín (1998), Guangzhou (2015), Liverpool (2008), Lyon (2009), São Paulo (2002). y Venecia (1999, 2013 y 2015). [7]

Sze ha creado obras de arte públicas para el Instituto Tecnológico de Massachusetts , el Walker Art Center y el High Line de Nueva York. [7]

Sze es miembro de MacArthur en 2003 y recibió el premio del concurso bienal de la Fundación Louis Comfort Tiffany en 1999. [8]

Trabajar

En 2013, Sze representó a Estados Unidos en la Bienal de Venecia con una exposición llamada Triple Point. [9]

El 1 de enero de 2017, se inauguró una instalación permanente encargada por MTA Arts & Design de dibujos de Sze sobre azulejos de cerámica en la estación de metro de 96th Street en la nueva línea de metro de la Segunda Avenida en la ciudad de Nueva York. [10]

En 2020, Sze presentó Shorter than the Day , una instalación permanente, en el aeropuerto de LaGuardia [11] [12]

En 2021, Sze presentó su instalación permanente más reciente, Fallen Sky, en Storm King Art Center , [13] Cornwall, Nueva York.

Para su exposición de 2023 llamada Timelapse en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, Sze creó una serie de instalaciones específicas del sitio a través del edificio Frank Lloyd Wright . [14]

En 2023, Sze transformó una gran sala de espera victoriana en la estación Peckham Rye de Londres en una instalación inmersiva llamada The Waiting Room .

En 2023, Sze apareció en la serie Primer plano de Nueva York de Art21. [15]

Vida personal

Sze tiene un hermano, el capitalista de riesgo David Sze . Sze vive en la ciudad de Nueva York con su marido Siddhartha Mukherjee y sus dos hijas. [6] El bisabuelo de Sze, Alfred Sao-ke Sze , fue el primer estudiante chino en ir a la Universidad de Cornell. Fue ministro de China en Gran Bretaña y más tarde embajador en Estados Unidos. Su abuelo es Szeming Sze, quien fue el iniciador de la Organización Mundial de la Salud . [ cita necesaria ]

Proceso

Sze se inspira en las tradiciones modernistas de los objetos encontrados para construir instalaciones a gran escala . [16] Utiliza elementos cotidianos como cuerdas, hisopos, fotografías y alambre para crear composiciones complejas que se asemejan a constelaciones. [17] Esta composición le da a su trabajo un estilo caótico pero preciso con la superposición de materiales. Todos los objetos, independientemente de su tamaño, [18] están relacionados entre sí. Esto crea un significado más amplio en su trabajo ya que todas las piezas se unen para transmitir un mensaje. Al remodelar y remodelar estos objetos cotidianos, Sze también cambia el valor de estos materiales. [19] La incorporación de estos objetos de "bajo valor" rechaza el estándar tradicional de que las esculturas tienen que ser sólidas, limitadas en formas geométricas y trabajar con materiales específicos. Esto se puede mostrar con la inclusión intencional de Sze de materiales de proceso invisibles (escaleras, clips, postes de madera, etc.) [20] en su trabajo final.

Sze a lo largo de su carrera ha superado los límites de la escultura. Esto se puede ver en ella usando sus obras para transmitir movimiento. A través de una planificación precisa y consideraciones estratégicas, Sze se esfuerza por hacer que lo inanimado parezca animado. [21] Utilizando influencias de su formación formal en pintura y arquitectura, Sze analiza lo que se puede hacer con una escultura que se limita a lo bidimensional. [22] El efecto de esto es "desafiar el material mismo de la escultura, la constitución misma de la escultura, como una forma sólida que tiene que ver con constituciones, formas y contenidos geométricos finitos". [23]

Sze también toma en consideración la interacción del espectador [24] con sus obras y los objetos que ha elegido mostrar. Al seleccionar materiales, Sze se centra en la exploración de la adquisición de valor: qué valor tiene el objeto y cómo se adquiere. En una entrevista con el curador Okwui Enwezor, Sze explicó que durante su proceso de conceptualización, "coreografiará la experiencia para crear un reflujo y un flujo de información [...] pensando en cómo las personas se acercan, disminuyen la velocidad, se detienen, perciben [su arte ]." [3]

Significado

El trabajo de Sze resume cómo un individuo percibe la vida cotidiana y su entorno. El registro de objetos con memoria es una de las formas en que Sze representa esta idea. En sus obras como Timekeeper , Sze crea una cápsula del tiempo, [25] permitiéndole conectarse directamente con los objetos que utilizó con la pieza del año. Al reconstruir obras anteriores, Sze tiene el registro de lo que usó originalmente, pero ahora puede agregar nuevos materiales, creando una cápsula del tiempo completamente nueva. El tiempo en sí es un tema fuerte con el que Sze juega con el concepto de la multiplicidad de lo desconocido. [26] Esto es creado por sus obras que se desvían del lienzo en múltiples direcciones y conducen a este tema de la pluralidad de lo desconocido. El tiempo y la memoria en la obra de Sze también se pueden ver en la distorsión de las imágenes a lo largo del tiempo. Sze en sus instalaciones impresas ha hecho referencia a trabajos anteriores, confiando en la memoria para reconstruir el trabajo anterior en su proyecto actual. Esto no sólo refleja su trabajo anterior sino que también resalta cómo los objetos cambian con el tiempo en la memoria. Sze entra en detalles adicionales sobre las imágenes y cómo se puede utilizar este método para retener una escultura. [27] La ​​elección del tamaño de los materiales es uno de los factores clave a la hora de asimilar sus obras. La inclusión de estos objetos producidos en masa alude además a la vida doméstica y al sentimiento de sobreabundancia y crecimiento. [28] Tener estos objetos cotidianos reunidos, en capas o apilados uno sobre otro se puede ver en ella transmitiendo un espacio abrumador o estrecho.

Al trabajar con escultura, Sze es consciente del espacio no solo en el que se ubica su obra sino también del espacio que crean. La obra esférica de Sze crea la oportunidad para que los espectadores caminen dentro de la obra, [29] creando una experiencia inmersiva. Esta elección se hace independientemente de que el público sea consciente o no cuando ingresa a la obra de que es parte de la obra o no. Con la experiencia y la formación de Sze en arquitectura, ella es metódica en cómo los visitantes encontrarán su trabajo y cómo el espacio de una galería dará forma y formará su trabajo. Esta consideración profundiza la contemplación de Sze sobre si hay una historia que contar con la arquitectura o si está ahí para guiar a la audiencia. El espacio que Sze crea en sus obras refleja su elección de objetos, creando una relación con su obra y el lugar donde se entrelazan. Dentro del espacio que Sze crea especialmente con sus obras de instalación suspendidas, hay una sensación de fragilidad en estas obras. Sin embargo, a través del proceso deliberado de alinear cada objeto entre sí, existe un método estratégico [30] para su frágil apariencia.

Con obras ubicadas en el entorno natural, Sze también tiene en cuenta el contexto donde residirá su obra. Esto se puede ver en lo que ella quiere que sus obras no solo transmitan sino que también sean valiosas. Con su encargo permanente del Storm King Art Center, Fallen Sky crea la infusión y desintegración del material extraterrestre para volverse uno con la tierra. [31] Otras instalaciones exteriores como Naturaleza muerta con paisaje toman en consideración el hábitat natural e incluyen esas necesidades con la estructura, creando una interconexión perfecta con la composición de la obra. [32]

Exposiciones

Sze ha realizado una gran cantidad de exposiciones individuales y espectáculos en los Estados Unidos e internacionalmente. Entre sus exposiciones individuales destacadas se incluyen White Room (1997), White Columns , Nueva York ; [33] Sarah Sze (1999), Museo de Arte Contemporáneo, Chicago ; [34] Sarah Sze: The Triple Point of Water (2003-2004), originado en el Whitney Museum , Nueva York; [35] Triple Point (2013), pabellón americano , 55ª Bienal de Venecia ; [36] y Sarah Sze: Timelapse (2023), Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York. [37]

Sze también ha participado en una amplia gama de exposiciones colectivas, incluida la Bienal de Berlín (1998); [38] 48.ª [39] y 56.ª Bienal de Venecia [40] (1999, 2015); Bienal de Whitney (2000); [41] y Bienal de Liverpool (2008). [42]

Obras notables en colecciones públicas

Premios y subvenciones

Referencias

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Otras lecturas

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