El Salon des Refusés , que en francés significa "exposición de rechazados" ( pronunciación francesa: [salɔ̃ de ʁəfyze] ), se conoce generalmente como una exposición de obras rechazadas por el jurado del Salón oficial de París , pero el término se utiliza más famoso para referirse al Salón de los Rechazados de 1863. [1] [2]
Hoy en día, por extensión, salon des refusés se refiere a cualquier exposición de obras rechazadas de una muestra de arte con jurado.
El Salón de París , patrocinado por el gobierno francés y la Academia de Bellas Artes , se realizaba anualmente y era una exposición del mejor arte académico. Una medalla del Salón era garantía de una exitosa carrera artística; Los ganadores recibieron encargos oficiales del gobierno francés y fueron buscados para retratos y encargos privados. Desde el siglo XVIII las pinturas fueron clasificadas por géneros, siguiendo una jerarquía; Las pinturas de historia ocuparon el primer lugar, seguidas del retrato, el paisaje, la " escena de género " y la naturaleza muerta. El jurado, encabezado por el conde de Nieuwerkerke, director de la Academia de Bellas Artes, fue muy conservador; Se esperaba un realismo casi fotográfico pero idealizado. [3]
A menudo se producía mucha intriga para conseguir la aceptación y conseguir un buen lugar en las galerías. En 1851, Gustave Courbet logró incluir un cuadro en el Salón, Enterrement à Ornans , y en 1852 sus Baigneuses fueron aceptadas, escandalizando a la crítica y al público, que esperaba desnudos románticos en ambientes clásicos, pero en 1855 el Salón rechazó todos los cuadros de Courbet. . Ya en la década de 1830, las galerías de arte de París organizaban pequeñas exposiciones privadas de obras rechazadas por los jurados del Salón. Courbet se vio obligado a organizar su propia exposición, llamada El Pabellón del Realismo , en una galería privada. Las exhibiciones privadas atrajeron mucha menos atención por parte de la prensa y los patrocinadores, y limitaron el acceso de los artistas a un público reducido.
En 1863, el jurado del Salón rechazó dos tercios de las pinturas presentadas, incluidas las obras de Gustave Courbet , Édouard Manet , Camille Pissarro , Antoine Chintreuil y Johan Jongkind . Los artistas rechazados y sus amigos protestaron, y las protestas llegaron hasta el emperador Napoleón III . Los gustos artísticos del Emperador eran tradicionales; encargó y compró obras de artistas como Alexandre Cabanel y Franz Xaver Winterhalter , pero también fue sensible a la opinión pública. Su oficina emitió un comunicado: "El Emperador ha recibido numerosas quejas sobre las obras de arte que fueron rechazadas por el jurado de la Exposición. Su Majestad, deseando que el público juzgue la legitimidad de estas quejas, ha decidido que las obras de arte rechazadas deberán exhibirse en otra parte del Palacio de Industria." [4]
Más de mil visitantes visitaron cada día el Salón de los Rechazados. El periodista Émile Zola informó que los visitantes se esforzaban por entrar en las abarrotadas galerías donde estaban colgados los cuadros rechazados, y las salas se llenaban de risas de los espectadores. [5] Los críticos y el público ridiculizaron los rechazos , que incluían pinturas tan famosas como Déjeuner sur l'herbe de Édouard Manet y Sinfonía en blanco, n.° 1: La chica blanca de James McNeill Whistler . La atención crítica también legitimó la vanguardia emergente en la pintura. Los impresionistas expusieron sus obras fuera del Salón tradicional a partir de 1874. Los Salones de los Rechazados posteriores se montaron en París en 1874, 1875 y 1886, momento en el que la popularidad del Salón de París había disminuido para aquellos que estaban más interesados en el impresionismo.
Rechazado por el jurado del Salón de 1863, Manet aprovechó la oportunidad para exponer Déjeuner sur l'herbe y otras dos pinturas en el Salón de los Rechazados de 1863. [6] Déjeuner sur l'herbe representa la yuxtaposición de un desnudo femenino y una bañista escasamente vestida al fondo, en un picnic con dos hombres completamente vestidos en un entorno rural. La pintura generó notoriedad pública y generó controversia y sigue siendo controvertida, incluso hasta el día de hoy. Hay una discusión sobre ello, desde este punto de vista, en La memoria de las cosas pasadas de Proust .
Una interpretación de la obra es que representa la prostitución desenfrenada en el Bois de Boulogne , un gran parque en las afueras del oeste de París, en ese momento. Esta prostitución era de conocimiento común en París, pero se consideraba un tema tabú inadecuado para un cuadro. [7]
Émile Zola comenta sobre Déjeuner sur l'herbe :
El almuerzo sobre la hierba es la obra más importante de Édouard Manet, en la que realiza el sueño de todos los pintores: colocar figuras de grandeza natural en un paisaje. Sabemos el poder con el que venció esta dificultad. Hay algunas hojas, algunos troncos de árboles y, al fondo, un río en el que se baña una mujer en camisola; en primer plano, dos jóvenes están sentados frente a una segunda mujer que acaba de salir del agua y que se seca la piel desnuda al aire libre. Esta mujer desnuda ha escandalizado al público, que sólo la ve a ella en el lienzo. ¡Dios mío! ¡Qué indecencia: una mujer sin la más mínima cobertura entre dos hombres vestidos! Eso nunca se ha visto. Y esta creencia es un grave error, pues en el Louvre hay más de cincuenta cuadros en los que se encuentran mezclas de personas vestidas y desnudas. Pero nadie va al Louvre para escandalizarse. La multitud se ha abstenido además de juzgar El almuerzo sobre la hierba como debería juzgarse una auténtica obra de arte; ven en él sólo a algunas personas que están haciendo un picnic, terminando de bañarse, y creen que el artista había puesto una intención obscena en la disposición del tema, mientras que el artista simplemente había buscado obtener oposiciones vibrantes y un público directo. Los pintores, especialmente Édouard Manet, que es un pintor analítico, no tienen esta preocupación por el tema que atormenta sobre todo a la multitud; el tema, para ellos, es simplemente un pretexto para pintar, mientras que para la multitud, sólo el tema existe. Así, seguramente, la mujer desnuda de El almuerzo sobre la hierba sólo está ahí para brindarle al artista la ocasión de pintar un poco de carne. Lo que hay que ver en el cuadro no es un almuerzo sobre la hierba; es el paisaje entero, con sus vigores y sus delicadezas, con sus primeros planos tan grandes, tan sólidos, y sus fondos de una ligera delicadeza; es esta carne firme modelada bajo grandes puntos de luz, estos tejidos flexibles y fuertes y, en particular, esta deliciosa silueta de una mujer vestida con una camisola que forma, al fondo, una adorable mancha blanca en medio de hojas verdes. Es, en definitiva, este vasto conjunto, lleno de atmósfera, este rincón de la naturaleza interpretado con una sencillez tan justa, toda esta página admirable en la que un artista ha colocado todos los elementos particulares y raros que hay en él. [8]
Émile Zola incorporó un relato ficticio del escándalo de 1863 en su novela L'Œuvre (La obra maestra) (1886).
En 1861, después de regresar a París por un tiempo, James Abbott McNeill Whistler pintó su primera obra famosa, Sinfonía en blanco, n.° 1: La muchacha blanca . Este retrato de su amante y directora comercial Joanna Hiffernan fue creado como un sencillo estudio en blanco; sin embargo, otros lo vieron de otra manera. El crítico Jules-Antoine Castagnary pensó que la pintura era una alegoría de la inocencia perdida de una nueva novia. Otros lo vincularon con La mujer de blanco de Wilkie Collins , una novela popular de la época, o con otras fuentes literarias. En Inglaterra, algunos lo consideraban una pintura al estilo prerrafaelita . [9] En la pintura, Hiffernan sostiene un lirio en su mano izquierda y se para sobre una alfombra de piel de lobo (interpretada por algunos como representación de masculinidad y lujuria) con la cabeza del lobo mirando amenazadoramente al espectador.
Contrarrestando las críticas de los tradicionalistas, los partidarios de Whistler insistieron en que la pintura era "una aparición con un contenido espiritual" y que personificaba su teoría de que el arte debería preocuparse esencialmente por la disposición de los colores en armonía, no por una representación literal del mundo natural. [10]
Whistler comenzó a trabajar en La chica blanca poco después del 3 de diciembre de 1861, con la intención de presentarla a la prestigiosa exposición anual de la Royal Academy . A pesar de los ataques de enfermedad, terminó la pintura en abril. [11] La pintura blanca que utilizó Whistler contenía plomo, y su trabajo en el lienzo de dos metros de alto le había dado al artista una dosis de envenenamiento por plomo. [12] El retrato fue rechazado para su exhibición en la conservadora Royal Academy de Londres. Whistler luego presentó la pintura al Salón de París de 1863, donde también fue rechazada. El público pudo ver el cuadro expuesto junto a otras obras rechazadas, en el Salón de los Rechazados. El Salon des Refusés fue un evento autorizado por el emperador Napoleón III , para apaciguar al gran número de artistas que unieron fuerzas para protestar por las duras decisiones del jurado en 1863 [12] De las más de 5.000 pinturas presentadas en 1863, 2.217 fueron rechazadas.
En una carta a George du Maurier a principios de 1862, Whistler escribió sobre la pintura:
... una mujer con un hermoso vestido de batista blanco, parada frente a una ventana que filtra la luz a través de una cortina de muselina blanca transparente, pero la figura recibe una luz fuerte desde la derecha y por lo tanto la imagen, salvo el cabello rojo, es hermosa masa de color blanco brillante. [13]
Whistler envió el cuadro a la Academia, pero, según Joanna Hiffernan, esperaba que fuera rechazado. [11] El año anterior, en 1861, otro cuadro había provocado un pequeño escándalo. La musaraña domesticada de Edwin Henry Landseer mostraba un caballo con una mujer descansando en el suelo cerca. La modelo fue nombrada Ann Gilbert, [14] una destacada ecuestre de la época, [15] sin embargo, pronto se rumoreó que en realidad era Catherine Walters , la famosa cortesana de Londres . [16] La pintura de Whistler recordaba tanto a la de Landseer que los jueces se mostraron cautelosos a la hora de admitirlo. [17] White Girl fue presentado a la Academia junto con tres grabados, los cuales fueron aceptados, mientras que la pintura no. [18] Whistler lo exhibió en la pequeña Berners Street Gallery de Londres. [13] Al año siguiente, Whistler intentó exhibir la pintura en el Salón de París, la exposición de arte oficial de la Academia de Bellas Artes , pero también fue rechazada allí. [19] En cambio, fue aceptado en el Salón de los Rechazados alternativo , la "exposición de los rechazados" que se inauguró el 15 de mayo, dos semanas después del Salón oficial . [20]
Aunque la pintura de Whistler fue ampliamente notada, fue eclipsada por la pintura más impactante de Manet, Le déjeuner sur l'herbe . [19] La controversia en torno a las pinturas fue descrita en la novela L'Œuvre (1886) de Émile Zola . [11] Sin embargo, la recepción que recibió la pintura de Whistler fue mayormente favorable y lo reivindicó en gran medida después del rechazo que había experimentado tanto en Londres como en París. [21] El cuadro fue muy admirado por sus colegas y amigos Manet, el pintor Gustave Courbet y el poeta Charles Baudelaire . El crítico de arte Théophile Thoré-Bürger lo vio en la tradición de Goya y Velázquez . Sin embargo, hubo quienes fueron menos favorables; Algunos críticos franceses vieron la tendencia prerrafaelista inglesa como algo excéntrica. [22]
El historiador de arte Albert Boime escribió: "El Salon des Refusés introdujo el concepto democrático de un sistema multiestilo (muy parecido a un sistema multipartidista) sujeto a la revisión del jurado general del público". [2]