Robert Yasuda (nacido en 1940) es un pintor abstracto estadounidense , más conocido por sus obras contemplativas y atmosféricas que abarcan la pintura, la escultura y la arquitectura. [1] [2] [3] Atrajo la atención por primera vez en la década de 1970 por sus grandes obras de pared que fusionaban pintura e instalación , montadas en el MoMA PS1 , el Museo de Arte Corcoran y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago . [4] [5] [6] Desde la década de 1990, se ha centrado en pinturas que alteran los formatos convencionales utilizando paneles de madera tallados a mano y elementos de enmarcado personalizados, sobre los que construye superficies iridiscentes de múltiples capas que responden dinámicamente a las condiciones cambiantes de luz, tiempo y perspectiva. [7] [8] [9] Al revisar este trabajo posterior, la crítica de ARTnews Barbara MacAdam describió a Yasuda como un "minimalista romántico" cuyas pinturas presentan una realidad intangible y fugaz que, sin embargo, es referencial, mostrando sus raíces en su construcción, tonos y títulos cambiantes. [10]
Yasuda ha expuesto internacionalmente, incluyendo muestras en el Museo di Palazzo Grimini (Bienal de Venecia), Galerie Bischofberger , Betty Parsons Gallery , The Clocktower y Albright-Knox Art Gallery , entre otros. [11] [12] [13] [14] Su arte pertenece a las colecciones públicas del Museo de Brooklyn , la Biblioteca del Congreso y la Biblioteca Pública de Nueva York , entre otros, y ha recibido premios de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras , el Fondo Nacional para las Artes y la Fundación John Hay Whitney. [15] [16] [14] Vive y trabaja en la ciudad de Nueva York y Sugarloaf Key , Florida, con su esposa, la artista Judith Murray . [11]
Robert Masao Yasuda nació en Lihue , Kauai, Hawái en 1940. Pasó su infancia en la zona rural de Hawái antes de asistir a un internado en Honolulu, donde la exposición a museos y conciertos influyó en su decisión de ser artista. [14] En 1958, se mudó a la ciudad de Nueva York para estudiar arte en el Pratt Institute , obteniendo títulos de BFA y MFA y sumergiéndose en el trabajo de los artistas de la Escuela de Nueva York . [14] [11] A principios de la década de 1960, alquiló una cafetería vacía en Long Island para usarla como estudio y comenzó a pintar pinturas abstractas al óleo de múltiples imágenes sobre lienzo. Estas primeras pinturas se exhibieron en muestras individuales en la Galerie Bischofberger (Zúrich y St. Moritz) en 1968 y 1969. [11]
A principios de los años 1970, Yasuda convirtió un espacio en SoHo en un estudio de trabajo y vivienda y comenzó a explorar temas de percepción y luz en pinturas minimalistas que adquirieron cada vez más una presencia escultórica y arquitectónica. [17] [11] Este trabajo evolucionó hacia instalaciones de pintura mural a gran escala, la primera de las cuales montó en la Betty Parsons Gallery en 1975; [12] Durante la siguiente década, creó instalaciones específicas para el lugar determinadas por la arquitectura del lugar en The Clocktower Gallery, MoMA PS1, Corcoran Museum of Art, Museum of Contemporary Art, Chicago y Brooklyn Bridge Anchorage. [13] [4] [5] [18] [19]
Más adelante en su carrera, recurrió a pinturas de múltiples paneles hechas a mano en exposiciones individuales en Koplin Gallery en Los Ángeles (1982-8), Elizabeth Harris Gallery (Nueva York, 1993-06), Sundaram Tagore Gallery (Nueva York y Singapur, 2010, 2014), y David Lusk Gallery (Memphis, 2000-19), entre otras. [20] [21] [9] También ha aparecido en exposiciones colectivas en el McNay Art Museum , Newhouse Center for Contemporary Art y The Contemporary Museum, Honolulu . [22] [14]
Las pinturas de Yasuda han sido descritas como investigaciones meditativas de lo efímero, la percepción y la forma que lentamente se revelan a través de marcas sutiles, alteraciones y cambios de color en relación con la luz cambiante y las condiciones de visualización. [12] [7] [10] [2] A lo largo de su carrera, ha desafiado los límites convencionales de la pintura, introduciendo nuevos contextos espaciales y elementos escultóricos, arquitectónicos y de encuadre idiosincrásicos, frecuentemente en obras de múltiples paneles; estos elementos incluyen paneles y formas de madera arqueadas y talladas, esquinas redondeadas o hacia arriba y marcos incompletos que sugieren formas de dintel, puerta o puente, entre otros. [23] [1] [8] [9] Emplea un proceso similar a un collage que generalmente comienza con estructuras de madera pintadas con acrílico, que luego envuelve con telas transparentes, capas nuevamente con velos de pigmento translúcidos, similares a frescos , y, por último, barnices para crear superficies activas a la luz. [7] [1] [2] Con el tiempo, ha ido más allá del minimalismo formal hacia un trabajo más subjetivo y sensual que busca transmitir visualmente momentos de percepción y conocimiento, junto con alusiones a la naturaleza y su herencia, incluidas impresiones de Hawái y Florida y sus enseñanzas infantiles sobre el budismo. [2] [10] [9]
Los primeros trabajos de Yasuda consistieron en pinturas de múltiples paneles, a menudo de formas poco convencionales e instalaciones de pintura mural a gran escala. [12] [23] Sus pinturas murales se inclinaban hacia adelante desde paredes o estructuras existentes para crear espacios nuevos, comprimidos y angulares, distinguiéndose como objetos en lugar de murales. [13] [17] [12] Utilizó diagonales, motivos pintados simples, líneas sutiles y cambios de tono para realzar y compensar estas sensaciones físicas y espaciales, explorando contradicciones de perspectiva y percepción. [12] [17] [13] El crítico John Perreault escribió que las instalaciones demostraban "el potencial del arte abstracto para el poder espiritual", [4] mientras que Thomas Hess de la revista New York Magazine describió la obra como "un arte de delicadezas" desarrollado a escala arquitectónica. [17]
La instalación de Yasuda para la exposición inaugural de PS1 "Rooms" (1976) ocupaba dos salas conectadas. [4] [24] En una sala, exhibió una gran pintura inclinada inscrita con un triángulo y un doble sutil y espejado encima, que estaba dispuesto para ser visible a través de la puerta de la sala contigua; en la otra, dos pinturas inclinadas casi tan grandes como las paredes originales presentaban diagonales que reflejaban la pintura de la otra sala. [4] [25] Su instalación en The Clocktower, Double Oblique (1977), empleó cuatro paneles consecutivos en formación de W, cada uno dividido por una diagonal que corría entre esquinas opuestas, que llevaba la mirada hacia adentro, hacia afuera, hacia arriba o hacia abajo según el punto de vista y comprimía o expandía el espacio. [13] En 1979, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago invitó a Yasuda (y a otros cuatro, incluidos Robert Ryman y Lucio Pozzi ) a crear grandes entornos visuales temporales individuales directamente en las paredes de exhibición principales del museo. [6] [26] [27]
Las exposiciones individuales de Yasuda de esta época a menudo combinaban instalaciones y obras individuales. La revista Arts Magazine describió su exposición de 1977 en la Galería Parsons como una "declaración de fuerza" de pureza discreta sobre las posibilidades de transformar el espacio, la luz y el color. [23] Utilizando luz natural, artificial y reflejada y sutiles efectos de color, la muestra presentó delgadas obras verticales que abarcaban las esquinas de la galería, lienzos rectangulares pareados suspendidos diagonalmente de las paredes y pinturas horizontales sencillas con áreas diagonales u horizontales divididas de colores melocotón, rosa y blanco estrechamente relacionados y apenas inflexionados. [23] En muestras en todo Estados Unidos en la década de 1980 (en el Albright College [28] y las galerías Thomas Babeor, [29] [30] Betty Parsons, [31] Marianne Deson, [32] [33] Hoshour, [34] [35] y Koplin [20] ), Yasuda desarrolló esta obra para incluir obras de múltiples paneles con forma irregular y con forma de escudo, y más tarde, dispositivos de enmarcado irregulares. [36]
En dos exposiciones en la Elizabeth Harris Gallery (1993, 1996), Yasuda presentó grandes abstracciones que combinaban paneles de madera rectangulares colocados uno al lado del otro o apilados, que el crítico del New York Times Pepe Karmel comparó con pares y cuartetos de lienzos monocromáticos de Brice Marden . [7] [37] Los críticos notaron en estas pinturas un tranquilo efecto óptico de luz interior, logrado a través de las capas alternas de color translúcido y tela estirada similar a una gasa de Yasuda, el tejido apretado agrega una formalidad similar a una cuadrícula sobre tonos otoñales y primaverales de gris, verde, tostado, azul y gris. [7] [37] En el título, estas obras a menudo aluden a lugares reales (por ejemplo, Pompeya , Prairie ), pero en realidad fueron pintadas parcialmente al aire libre en el verano de los Cayos de Florida y terminadas en el estudio de Yasuda en Nueva York. [7] La revista Cover escribió que a pesar del minimalismo no objetivo de la obra, sugería de manera convincente el aire del mar y la luz moteada, creando "una amalgama exótica de entornos naturales y artificiales, de luz diurna y tiempo influenciado por halógenos". [7]
En la década de 2000, Yasuda expuso obras en Elizabeth Harris (2002-6) y Sundaram Tagore (2010, 2014) que los críticos definieron cada vez más por su luminosidad, lirismo, soportes de formas excéntricas y énfasis sutil en estados mentales ( Bliss , 2001; Harmony , 2005) y aspectos efímeros del agua, la luz, el aire, la forma y el color (por ejemplo, Footprint , 1998; Vapor , 2001; Wind , 2002). [2] [1] [3] Durante este período, elaboró cada vez más a mano sus paneles moldeados con idiosincrasias refinadas que jugaban con las expectativas y frustraban sus aspectos geométricos con un efecto de otro mundo: soportes arqueados, bordes salientes, curvas suaves, hendiduras y esquinas contorneadas o emplumadas que sugerían impermanencia y movimiento. [1] [8] [3] En una reseña de Brooklyn Rail , Michael Brennan escribe que esta artesanía práctica "es esencial para el aura poética de [las] obras" y, haciéndose eco de otros, relaciona los paneles con la forma aerodinámica de las tablas de surf, parte de la experiencia de Yasuda en su Hawaii natal. [2] [10]
Los críticos sugieren que las perturbaciones en las formas del panel de Yasuda contrarrestaron su tratamiento armonioso del color; en ese momento, tonos moteados de azul, gris, verde, rosa cálido o dorado que Barbara MacAdam escribió "se asemejan a bolsillos tallados en la atmósfera o la superficie del océano". [10] [1] [38] A mediados de la década, recurrió cada vez más a pinturas de interferencia que producían tonos plateados más intensos que cambiaban según el punto de vista y la fuente de luz y que se comparaban con la perlescencia de las conchas de abulón del interior o la iridiscencia de las mariposas y los peces exóticos. [2] [8] A veces amplió la sensación de color parpadeante o retroiluminación pintando la parte posterior de sus soportes de pared para crear un color reflejado sutil y sombras en las paredes que rodeaban la obra. [8]
En exposiciones posteriores, Yasuda ha ampliado su gama, reintroduciendo y reelaborando motivos tempranos y desarrollando nuevos elementos. [2] [9] Sus muestras de 2006 y 2010 ofrecieron pinturas de esquinas estrechas (por ejemplo, Beacon 2005; Guardian , 2009) que funcionan como montantes o postes verticales y parecen parte de la estructura de la galería; Michael Brennan comparó su rigor, atmósferas e iridiscencia reflejada con las esculturas de luz de Dan Flavin . [2] [39] La última muestra también presentó paneles imponentes, casi monocromáticos, apilados o contiguos entre sí, como en Ancestor (2009), una obra verde menta de siete pies que consta de dos formas similares a pilares; el crítico de ARTnews Doug McClemont describió tales obras como "puertas nacaradas" seguras pero modestas que juntas creaban una misteriosa "atmósfera de catedral". [3] Yasuda también comenzó a aumentar sus paneles con tiras de madera negra tallada a mano equilibradas sobre paneles que actúan como elementos arquitectónicos o de enmarcado (por ejemplo, Thesis , 2009; Vintage , 2012; y Aurora , 2013) [9] [3] Lilly Wei de ARTnews consideró su muestra de 2014 un gran avance, cuyas obras "exuberantes" ofrecían una experiencia visual más matizada y fluida a través de una paleta expandida, tonalidades de superficie más ricas y contornos cada vez más ondulados; estos incluyeron Botanikos (2013), que mezcló tonos rosados en paneles verdes oceánicos translúcidos hendidos con turquesa. [9]
Con instalaciones en la exposición del 40 aniversario del MoMA PS1, "Forty" (2016, curada por Alanna Heiss ), y el Museo di Palazzo Grimini (2015, colateral a la Bienal de Venecia ), Yasuda revisó las pinturas murales de su carrera temprana. [40] [14] La creación de la obra específica del sitio MoMA PS1, Across the River —una obra de dos partes, en gran parte retroiluminada en verde que involucra la iluminación de la sala, las superficies de pintura y la arquitectura— fue documentada en la película, Making Sense of It (2017), de Mark Ledzian. [41]
La obra de Yasuda pertenece a las colecciones públicas del Museo de Brooklyn, la Biblioteca del Congreso, la Biblioteca Pública de Nueva York, el Museo Bass , el Museo de Arte Carnegie , el Museo de Arte McNay , la Fundación Estatal para las Artes (Honolulu), el Museo de Bellas Artes de Virginia , el Wadsworth Atheneum y varias instituciones de educación superior. [15] [42] [43] [14] Ha sido reconocido con dos premios de compra de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras (2016 y 2008) y subvenciones del Fondo Nacional para las Artes (1981) y la Fundación John Hay Whitney (1962). [16] [14]