RH Quaytman (nacida en 1961) es una artista contemporánea estadounidense , más conocida por sus pinturas sobre paneles de madera, utilizando elementos abstractos y fotográficos en "Capítulos" específicos del sitio, que ahora suman 35. Cada capítulo está guiado por las características arquitectónicas, históricas y sociales del sitio original. Desde 2008, su trabajo ha sido recopilado por varios museos de arte moderno. [1] También es educadora y autora radicada en Connecticut .
Rebecca Howe Quaytman nació en Boston, Massachusetts , en 1961. Su madre es la célebre poeta posmoderna estadounidense Susan Howe , y su padre fue el pintor abstracto Harvey Quaytman , conocido por sus obras geométricas , con más de 60 exposiciones individuales. [2] [3] [4] Sus padres se conocieron mientras estudiaban pintura en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston . La familia se mudó al barrio SoHo de la ciudad de Nueva York en 1963.
Cuando Quaytman tenía 4 años, sus padres se separaron. Su madre comenzó a vivir con David von Schlegell , artista abstracto y escultor, con quien se casó décadas después. Él se convirtió en el director de estudios de posgrado en escultura en la Universidad de Yale . [5]
Quaytman atribuye a su padre y a su padrastro una gran influencia en su desarrollo como artista. [6] Quaytman fue artista residente en la Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan en 1982, [7] y recibió una licenciatura del Bard College en 1983. [8] [9]
Su medio hermano es el escritor Mark von Schlegell . [3]
En 1987 fue contratada por PS1 , donde más tarde se convirtió en coordinadora de programas durante tres años. Mientras estuvo allí, organizó la primera exposición individual en Estados Unidos dedicada a la pintora abstracta sueca pionera Hilma af Klint , en 1989. [10] Más tarde trabajó como asistente del artista Dan Graham . [6] En 1991, recibió el Premio de Roma, lo que le permitió un año completo de trabajo dedicado. Además, estudió durante un año en el National College of Art & Design en Dublín , Irlanda, y más tarde asistió al Institut des Hautes Études en Arts Plastiques en París para estudiar con Daniel Buren y Pontus Hultén . [6]
En 2005, Quaytman fue miembro fundador y director de una galería cooperativa en el Lower East Side de Manhattan llamada Orchard , dirigida por doce socios, entre ellos artistas, cineastas, historiadores del arte y curadores. [11] Desde 2006 ha estado en la facultad de Bard College , en Annandale-on-Hudson, Nueva York , enseñando pintura en el programa de Maestría en Bellas Artes, [12] y es frecuentemente artista visitante, académica o profesora en otras universidades y museos. [13]
Tras ganar el Premio Roma en 1992, en ese año de tiempo ininterrumpido para perseguir su desarrollo artístico, Quaytman comenzó a realizar una serie de pinturas que pertenecían juntas, a las que describió como "frases". Cita su epifanía como "La postura de la pintura es el perfil", después de lo cual pensó en sus pinturas en el contexto del público que pasaba caminando, agrupado y observado con visión periférica. [6]
Después de trabajar como asistente de Dan Graham , que había estado experimentando con instalaciones de video con retardo de tiempo, comenzó a usar imágenes fotográficas en su trabajo, que aplica con serigrafía . Una serigrafía del propio Graham aparecería más tarde en su trabajo. [14] Encontró que el uso de la serigrafía era liberador y cita la influencia de Rauschenberg , Warhol , Polke y Richter . [15]
En 2001, fue invitada a participar en una muestra en el Museo de Arte de Queens , para la que realizó 40 pinturas, en reconocimiento a su 40 cumpleaños, además de otras 40 para una galería local. Las 80 pinturas estaban todas vinculadas conceptualmente y formaban el primer "capítulo": "El Sol, Capítulo 1". [6] En la exhibición, hace referencia a la muerte de su abuelo y bisabuelo, en un accidente de tren cerca del lugar en Queens, basándose en un artículo de periódico recortado del New York Sun. [ 15]
Cada capítulo posterior refleja y adapta elementos del lugar en el que se muestran inicialmente. Para "Poema de Lodz, Capítulo 2", en la Bienal de Lodz, Polonia, se centró en dos modernistas polacos tempranos, Katarzyna Kobro y Wladyslaw Strzeminski , entrelazando pinturas de leyendas y dibujos de los artistas de la era de la Segunda Guerra Mundial. [6]
En 2008, fue seleccionada para una exposición individual en la galería Miguel Abreu de Nueva York, y una exposición en pareja con el artista Josef Strau, en Vilma Gold de Londres, para la que creó "iamb, Chapter 12". Esta colección se relaciona con el uso de la luz por parte de Strau (lámparas reales), y la ilustración, basada en una imagen de El Paraíso Perdido de Milton , ilustrada por John Martin , un artista inglés del siglo XIX. [6] La muestra fue bien recibida por los críticos, incluyendo Frieze Magazine [15] y The Brooklyn Rail , señalando que "Quaytman hace referencia en el título tanto al lugar de la visión (yo soy), como al metro clásico de la poesía", y "la disección sofisticada de Quaytman de las complejidades de la visión y los múltiples aspectos que informan la percepción es evidente no sólo en obras individuales, sino también en la relación entre obras específicas instaladas en la exposición, y en el efecto acumulativo del conjunto", [14] y The New York Times "Las pinturas en la exposición de RH Quaytman son cerebrales, pensadas físicamente y decididamente ópticas. Abordan la pintura en todos los niveles de una manera contenida; también se involucran entre sí". [16]
Protagonizó el documental New York Memories (2010) de Rosa von Praunheim . Quaytman fue seleccionada para la Bienal del Whitney de 2010. Se le ofreció una habitación orientada al norte con una ventana trapezoidal diseñada por Marcel Breuer . Para la muestra, creó "Distracting Distance, Chapter 16", [17] que reflexiona sobre la forma de la ventana y su referencia a la perspectiva, así como sobre una famosa pintura del Whitney: "A Woman in the Sun", de Edward Hopper , pintada en 1961, el año de su nacimiento. [6] Las fotos de toda la habitación fueron publicadas por Contemporary Art Daily . [18]
Más tarde, en 2010, para el Museo de Arte Neuberger en Purchase, Nueva York , creó una exposición retrospectiva "Spine, Chapter 20", de nuevas piezas. A diferencia de todos los capítulos anteriores, esta exhibición no incorporó los detalles del lugar, sino que reflexionó sobre todo su trabajo hasta la fecha. Juntos, los capítulos forman un libro figurativo, una estructura general para todas las pinturas. [19] "La instalación en sí tiene una 'columna vertebral': una pared de 80 pies que se extiende desde una esquina de la habitación, en la que están colgadas la mayoría de las aproximadamente 30 pinturas, creando una sensación de espacio, incluso vacío, si diriges tu atención hacia las paredes donde se cuelgan habitualmente las pinturas en el Neuberger". según la crítica de The New York Times Martha Schwendener . Las piezas de este capítulo extraen elementos de todos sus capítulos anteriores, como "Distracting Distance / Hardy", en el que una mujer desnuda está parada frente a la ventana de Marcel Breuer en el Whitney. [20] "Spine, Capítulo 20" también proporcionó el capítulo final de un impresionante libro físico: la retrospectiva que publicó en 2011, Spine , con 380 ilustraciones en color.
En 2011, su pintura apareció en la portada de la revista Artforum , con un ensayo de Paul Galvez que describía su "triunvirato de instalaciones" internacional de los últimos tres años. [21]
En 2017, su obra fue incluida en el componente de Atenas de la documenta 14 .
Su primera gran muestra museística, Morning, Chapter 30 , fue organizada por el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA) en 2016.
En 2018, creó + x, Capítulo 34, un conjunto de trabajos derivados de los cuadernos de Hilma af Klint y presentados junto con la gran retrospectiva del Guggenheim sobre esa artista. [10] [22]
Su obra se encuentra en numerosas colecciones de museos, incluidos el Whitney, el MoMA , el Museo Guggenheim , el SFMOMA y el Tate Modern [23] [24] [25]
RH Quaytman está representada por Miguel Abreu Gallery , [26] y Gladstone Gallery . [27]