Orson Rehearsed es una película independiente estadounidense de 2021de Daron Hagen sobre Orson Welles que combina elementos del cine de ópera , el cine documental y el cine surrealista . [1] La narrativa sigue una producción teatral de 2018 de la undécima ópera de Hagen que integra extensas películas prefilmadas y pistas electroacústicas en las que, en el bardo entre la vida y la muerte en la noche de su fallecimiento, Welles hace un balance de su vida. [2] Dirigida por Hagen basada en su propio guion y banda sonora, la película fue producida por Burning Sled Media y el Chicago College of Performing Arts . Está protagonizada por Robert Orth, Robert Frankenberry y Omar Mulero como Welles, y cuenta con el Fifth House Ensemble.
Hagen comenzó el guion en 2016 como una colección de 52 ritmos dramáticos con Welles y Marlene Dietrich , John Houseman , Paola Mori , Rita Hayworth y Marc Blitzstein con música original de Hagen y palabras creadas por Hagen a partir de comentarios de dominio público de William Shakespeare y Welles. [3] Concebida simultáneamente como una ópera en vivo (en varias configuraciones dramatúrgicas [4] ) y una película que es una obra de arte en sí misma que pliega la actuación en vivo en una visión más amplia, en la primavera de 2018 Hagen redujo los 52 ritmos a 14 que se centraron en el personaje de Welles dividido en tres avatares: uno joven, uno de mediana edad y uno en la noche de su muerte. [5]
Entre 2016 y 2017, Hagen filmó y editó tres series de 14 películas de 60 minutos para proyectarlas sobre las cabezas de los Orsons en el escenario durante una actuación en vivo. [6] Hagen dirigió el estreno en escena de Orson Rehearsed en el Teatro Studebaker en el Edificio de Bellas Artes (Chicago) en septiembre de 2018 en una puesta en escena diseñada para funcionar en el teatro, pero también para proporcionar las tomas trazadas en los guiones gráficos de 2016. [7] Entre 2018 y 2020, editó la banda sonora musical e incorporó las películas en escena a las imágenes del estreno en escena, al tiempo que añadía otra capa de imágenes semiopacas que transmitían una narrativa única a la película. [8]
La película se estrenó el 2 de febrero de 2021, aunque un estreno artístico tradicional se ha retrasado debido al COVID-19, ha recibido una atención positiva sustancial en festivales de cine de todo el mundo, [9] recibiendo laureles por Mejor banda sonora, Mejor compositor, Mejor director y Mejor montaje. [10]
10 de octubre de 1985. Hollywood, California. El corazón de Orson Welles acaba de detenerse. Entramos en su mente en este momento, en el umbral entre la vida y la muerte. En la zona liminal entre la vida y la muerte, los pensamientos de Welles fluyen como una corriente de conciencia que se repite sobre sí misma, como una cinta de Möbius . Esos pensamientos están articulados por tres avatares: el primero representa el pasado, el recuerdo de su yo juvenil de niño prodigio; el segundo representa su autoimagen vestigial como un artista aventurero de mediana carrera, perplejo al estar desplomado en el suelo en bata de baño, muriendo; el último, representa su espíritu, fuera del tiempo , lo que Heidegger llamó un éxtasis . En su cara, se presenta al público una serie de ensayos sobre cómo la ópera y el cine se superponen. Se examina la relación entre un hombre y los roles que ha desempeñado: Falstaff , Otelo , Bruto , Ahab , Kane , Quinlin (de Sed de mal ) y él mismo.
En un flujo de conciencia, primero examina su relación con las obras de Shakespeare, luego vuelve a visitar el ahogamiento accidental de Manoel Olimpio Meira durante el rodaje de It's All True . Contempla el sonido de su propio corazón; y luego arremete, reviviendo el dolor de su repetida pérdida de control creativo en la edición de The Magnificent Ambersons . Recuerda a Marc Blitzstein al piano la noche en que The Cradle Will Rock debutó antes de sumergirse en un alegre recuerdo de la vida de alto octanaje que llevó, reviviendo la vertiginosa alegría de atravesar Manhattan a toda velocidad en una ambulancia alquilada (para cortar mejor el tráfico) en la cima de su carrera en su camino desde un ensayo de Danton's Death a la transmisión de radio de La guerra de los mundos .
Sus pensamientos se dirigen a su desesperación por la nueva versión de Sed de mal , que reutiliza en la imaginación como la comprensión de que se está muriendo. Recuerda unas horas atrás su aparición esa tarde en The Merv Griffin Show , imaginándose a sí mismo como una marioneta maníaca bailando para la diversión de los demás: la humillación de haber comenzado en la cima con Ciudadano Kane y haber terminado haciendo anuncios de vino. Contempla la naturaleza solitaria de la existencia antes de recordar su octavo cumpleaños, la última vez que vio a su madre. Afirma que el mayor error de su vida fue que, cuando su madre le pidió que pidiera un deseo antes de apagar las velas de su pastel de cumpleaños, lo olvidó.
Welles reutiliza el gran credo de Falstaff de Shakespeare mientras reflexiona sobre Campanadas a medianoche y el papel del amor: Tal vez lo olvidé, concluye, conmovedoramente, antes de tener una visión de Rita Hayworth y cantar un tierno himno a la domesticidad y la paternidad. Apasionado activista social, los últimos pensamientos de Welles son sobre el futuro: con la previsión disponible solo para los muertos, llora a su país mientras las palabras de un presidente xenófobo de la televisión de realidad se intercalan con el himno a la libertad de Emma Lazarus . Pero el cuerpo se rinde aunque el espíritu todavía está dispuesto: ya no es un problema de Welles, es nuestro. Los avatares se unen en un himno secular: Nuestras canciones serán silenciadas, cantan, pero ¿qué pasa con eso? Sigue cantando. Sigue. Sigue. Y él lo hace. Nosotros lo hacemos.
La banda sonora documenta lo que los miembros de la audiencia escucharon sentados en el teatro durante la interpretación en vivo de la partitura. En consecuencia, las extensas pistas electroacústicas creadas por Hagen se combinan con los cantantes y los instrumentos en vivo en el escenario interpretados por el Fifth House Ensemble. Este paisaje sonoro estable se mejoró muy ligeramente durante la masterización de posproducción y la película se editó con la banda sonora. El lanzamiento de Naxos Records de mayo de 2021 representa un híbrido de mundos sonoros de grabación de bandas sonoras y elenco.
La revista Fanfare señaló: "La capacidad de Hagen para combinar una multiplicidad de recursos expresivos en un todo coherente, expresivo y convincente es magnífica. Los pasajes que unen las escenas, para subrayar el flujo de conciencia onírico, son magistrales, las transiciones son perfectas". [11] "El collage de ragtime, efectos de sintetizador y arioso posromántico atrapa", admite Steph Power en una reseña de dos estrellas, [12] mientras que David Denton escribe: "Por favor, escuchen Orson Rehearsed como una importante contribución al teatro musical del siglo XXI". [13] [Una] "obra de un solo acto dramáticamente convincente... [ambientada] en un mundo sonoro cautivador", escribió Kevin Filipsky. [14] "Este tipo de enfoque tiene el potencial de abrumar al tema de una ópera y a su público. Pero la combinación de la brevedad de Orson Rehearsed y el infalible sentido del ritmo de Hagen gana el día. El efecto acumulativo es el de una visión muy individual, fascinante y sugerente de una vida que fue tan influyente como imperfecta". [15] American Record Guide señaló: "Encontré que esta es una ópera completamente disfrutable... en un lenguaje altamente dramático". [16]