Olga de Amaral (nacida en 1932 [1] ) es una artista visual y textil colombiana conocida por sus obras abstractas a gran escala realizadas con fibras y cubiertas con pan de oro y/o plata. Debido a su capacidad para conciliar las preocupaciones locales con los desarrollos internacionales, de Amaral se convirtió en una de las pocas artistas de América del Sur en ser conocida internacionalmente por su trabajo en fibra durante las décadas de 1960 y 1970. [2] También es considerada una importante practicante en el desarrollo de la abstracción latinoamericana de posguerra . Actualmente vive y trabaja en Bogotá , Colombia . [3]
Olga de Amaral nació como Olga Ceballos Vélez en 1932 en Bogotá , Cundinamarca , Colombia , de padres de la región de Antioquia en Colombia . [4] Se crió en una familia religiosa tradicional con 5 hermanas y 2 hermanos. Creció en un barrio tradicional de Bogotá en un ambiente familiar cálido y seguro, manteniendo una relación especial con su amorosa y cariñosa madre. Al graduarse del bachillerato, en los años 1951–52 se licenció en Diseño Arquitectónico en el Colegio Mayor de Cundinamarca en Bogotá. [4] Después de graduarse, el futuro artista textil trabajó durante un año como director de la Facultad de Dibujo Arquitectónico de la misma escuela.
En 1954, de Amaral fue a la ciudad de Nueva York para estudiar inglés en la Universidad de Columbia . [4] De 1954 a 1955, estudió arte en fibras en la Academia de Arte Cranbrook en Bloomfield Hills, Michigan . [5] Contó sobre su estancia allí como estudiante: "En Cranbrook, el taller textil tenía ocho telares colocados contra las ventanas: uno de ellos, en la esquina, sería mi hogar durante un año. Allí viví mi mayor Momentos íntimos de soledad; nació mi certeza sobre el color; su fuerza; sentí que amaba el color como si fuera algo tangible. También aprendí a hablar en color. Recuerdo con nostalgia esa experiencia en la que las almas se tocaban las manos". . [6] En Cranbrook, de Amaral conoció a Jim Amaral y se hicieron amigos cercanos. [5]
En 1955, después de un año en Cranbrook, regresó a Colombia y comenzó a confeccionar textiles decorativos por encargo para sus amigos arquitectos. Mientras tanto, Jim Amaral sirvió en la Marina estadounidense en una base en Filipinas . [5] En 1956, Jim Amaral visitó Colombia para ver a Olga, inicialmente por algunas semanas. Se casaron en 1957 y se radicaron en Bogotá. [5] Tuvieron dos hijos, Diego y Andrea, y comenzaron un taller de textiles tejidos a mano. Durante ese período, Jack Lenor Larsen visitó Colombia y el taller de Amaral. Expresó interés por los tapices de Olga. Su relación profesional y artística se volvió crucial para proyectar su obra en el mundo internacional del tapiz contemporáneo. En 1965, de Amaral fundó y enseñó en el Departamento Textil de la Universidad de Los Andes (Colombia) en Bogotá. [7]
En 1966-1967 la familia Amaral vivió en Nueva York. [4] Allí, Olga de Amaral conoció a Eileen Vanderbilt del Consejo Mundial de Artesanía y se convirtió en la representante colombiana del Consejo. [4] Con la colaboración de Larsen, Olga de Amaral exhibió sus tapices en la ciudad de Nueva York (durante una exposición individual en 1967 en la sala de exposición de Larsen en Nueva York) y enseñó en Penland School of Crafts en Carolina del Norte y en Haystack Mountain School of Crafts en Maine . Luego de regresar a Colombia, los Amaral viajaron a Popayán y la región de Tierradentro con su imperdible San Agustín . Posteriormente Olga visitó Perú como representante del CMI. En una rápida visita a Irlanda para participar en una conferencia del CMI, Olga conoció a Lucie Rie , una ceramista británica que la inspiró a incorporar oro en los tapices. A principios de los años setenta, los Amaral se trasladaron a Barcelona y luego a París . Visitaron Grecia , Italia , los Países Bajos , Bélgica , Suiza , Suecia e Inglaterra . Hicieron contactos con los centros de arte europeo. Vivieron un tiempo en Europa , luego regresaron a Bogotá, visitaron diferentes zonas de Colombia y luego regresaron a Francia , en medio de exposiciones, trabajo y nuevas amistades. Otro viaje importante para la artista fue su viaje a Japón .
"No conozco las tendencias actuales en el diseño textil. Me parece que quienes tejen artísticamente se basan sólo parcialmente en la artesanía en fibra , lo que en mi opinión no tiene sentido. Considero que hay que basarse en la precisión, en las matemáticas. , sobre la teoría del color . Lo que se teje no ocurre por casualidad, sino todo lo contrario: está muy calculado. No puedo hacerlo porque no estoy entrenada y porque estoy en medio de una abstracción. Finalmente, mi El trabajo no es más que mi manera de contar lo que siento acerca de la vida, acerca del alma de las cosas." –Olga de Amaral [6]
Desde el principio, el arte de Olga de Amaral ha estado impulsado por la creación de obras que redefinen nuestras nociones de unidad, concepto, representación y expresión personal . de Amaral explora y revisa ideas, técnicas y procesos, buscando variaciones sutiles e intrincadas dentro de su propio proceso artístico. Es una figura importante entre un grupo globalmente disperso de artistas que están deconstruyendo y repensando la estructura, la superficie y el soporte de la pintura agregando dimensiones escultóricas y materiales atípicos. [8] Su trabajo saca los elementos de la pintura del bastidor y los lleva al espacio, abordando el problema de la superposición, de las capas en una pintura desde el punto de vista del material mismo: el soporte de la pintura, el lienzo, la tela o la textura. . [9]
Al principio categorizadas como tapices de pared representativos y bidimensionales, a finales de la década de 1960 sus obras entraron en los géneros de escultura , instalación , arte abstracto y conceptual :
"El arte de De Amaral une hábilmente innumerables tradiciones artesanales; se preocupa por el proceso y la materialidad, con los principios del formalismo, la abstracción y la metafísica. La artista ha desarrollado una voz distintiva en su campo a través de su dominio de las técnicas convencionales para construir objetos textiles mientras impulsa progresivamente Los límites de la comprensión ortodoxa de cómo los textiles funcionan como objetos en el espacio. Gradualmente ha llevado las obras basadas en telas más allá de la categoría de tapiz tejido, una que privilegia la planitud, la adherencia a la pared, lo pictórico y una obsesión con lo orgánico y lo físico. propiedades de los materiales - en una práctica más conceptual que abarca estrategias que de otro modo se encuentran en la pintura , la escultura y la arquitectura ". [10]
La forma en que el artista incorpora los materiales, fibras naturales y artificiales, pintura, yeso y metales preciosos ( hojas de oro y plata principalmente), a través de la artesanía , procesos y técnicas artesanales, hacen referencia al arte prehispánico de Colombia, las tradiciones indígenas de tejido, y el legado del Barroco Colonial Español, traído al Nuevo Mundo por los colonos católicos. [11] Como indicó Twylene Moyer, esta inspiración es "un verdadero mestizaje , o mezcla de culturas". [12] Lo que esas culturas tenían en común era que todas atribuían un gran poder expresivo a lo visual, de la misma manera que el trabajo de De Amaral encarna contenido visual y táctil "que nos reconecta con una antigua comprensión y apreciación de las imágenes como presencias en sí mismas, capaces de trascender la materialidad para expresar la verdad a través de la belleza". [12] Esta capacidad de conectar lo antiguo y lo contemporáneo [10] ha permitido a la artista crear obras bajo la premisa de que "el arte tiene el poder de trascender la representación y encarnar valores espirituales y emocionales a través de la forma. (...) Sus tapices son nada menos que meditaciones sobre la naturaleza ilusoria del significado." [12]
El hilo, el color y la luz determinan el aspecto visual y metafórico de las obras de de Amaral. "Empecé a trabajar con la fibra por casualidad -coincidencia buscada- y he continuado con ello porque nunca me ha decepcionado. A medida que la conozco mejor, mejor me conoce ella. En pocas palabras, nunca ha dejado de excitar mi curiosidad. La fibra es como un lápiz viejo: uno lo ha usado durante tanto tiempo que lo da por sentado. Estoy hecho de fibra porque lo he abrazado y porque lo sé". [6] Olga de Amaral sobre el color: “Cuando pienso en el color, cuando toco el color, cuando vivo el color -la íntima exaltación de mi ser, de mi otro yo- vuelo, me siento otro, siempre hay otro ser. cerca de mí." [6]
El arte de Amaral se interpreta con mayor frecuencia a través de temas de arquitectura , matemáticas y dicotomías socioculturales en Colombia , pero principalmente del paisaje: "Fascinada por las formas de rocas, arroyos, colinas, montañas y nubes, encuentra inspiración en las texturas y movimientos de los paisajes que rodean su casa en Bogotá. Desde los diseños geométricos de los diagramas cosmológicos medievales hasta las cuadrículas de Mondrian , la simetría armoniosa de la forma ha aludido y participado de la perfección y lo absoluto". [12] Su obra se caracteriza por varias series, cada una con una esencia o técnica particular que abarca una plétora de intrincadas variaciones desarrolladas a lo largo de su carrera. Los títulos de las numerosas series de de Amaral revelan los temas detrás de sus tejidos: Alquimias , Cestas lunares , Imágenes perdidas , Telas ceremoniales , Escrituras , Bosques , Ríos , Montañas , Lunas , Soles cuadrados , Umbras, Estelas , etc. Como señaló Amparo Osorio, " gran parte de la poesía (...) surge de estas imágenes en movimiento, cuyo título (...) es un referente más para que logremos comprender este sentido recóndito, de ese deseo de decir en el lenguaje de los símbolos todo lo que está más allá de las palabras. " [13]
El primer período de la obra de De Amaral se caracteriza por tapices visualmente relativamente tradicionales, pero que ya presentan la búsqueda de un lenguaje individual a través de experimentaciones formales. Desde mediados de los años 60, trabajó principalmente con lana, algodón, lino y tintes hilados a mano. Colores vivos y combinaciones audaces y la exploración de la estructura y los bordes del tejido caracterizan algunos de sus primeros trabajos a pequeña escala de este período. La concepción geométrica y la composición de estas obras revelan una profunda conciencia y comprensión de las tendencias artísticas modernas de la época, recordando, entre otras, la corriente de abstracción De Stijl . En 1966 los Amaral fueron invitados por Miguel Arroyo a mostrar su obra en el Museo de Bellas Artes de Caracas , Venezuela . Fue la primera exposición individual de Olga de Amaral fuera de su país natal. En 1967 Olga presentó su obra por primera vez en la destacada Bienal de Lausana en Suiza , la primera de seis apariciones posteriores en ese evento. En 1969 Olga de Amaral participó en una exposición colectiva de 27 artistas de la fibra en el MoMA de Nueva York titulada “Wall hangings”. [14] Se trataba de una exposición internacional comisariada por la curadora de arquitectura y diseño Mildred Constantine, organizada con Jack Lenor Larsen y presentada no en el lobby de arquitectura y diseño como es habitual para los artistas de fibra , sino en la sección de arte del MoMA , que hasta entonces Estaba reservado sólo a la pintura o la escultura. Ésta fue la importancia de esa exposición: abordó las transformaciones en el medio del arte de la fibra , notó las diferencias entre los continentes y anticipó la experimentación venidera. [15]
A finales de los años 60, con la creación de la pieza Entrelazado en naranja, gris, multicolor (1969), de Amaral finalmente "explotó el plano pictórico de adentro hacia afuera". [9] Al final de este período, el artista abandonó el concepto fundamental de tejido (la oposición entre urdimbre y trama), dejando sólo la urdimbre (en forma de trenzado) y dejándola flotar libremente. La forma completa o el volumen acentuado en la composición de las piezas de este período, las hacen parecer casi esculturas de hilo. Sin embargo, después de este período de llevar el arte del tejido a sus límites, en la próxima década, la cuestión de la superficie plana surgirá nuevamente en el arte de De Amaral. Los enormes tapices de Olga llamados Muros tejidos , sólidos baluartes construidos con lana dura y crin de caballo , debutaron en una exposición individual en el Museo de Artesanía Contemporánea de Nueva York en 1970. [2] En 1971, Olga participó en una exposición "Deliberate Entanglements" en la Universidad de California, Los Ángeles, organizada por su profesor de arte Bernard Kester. Mostró arte en fibra de Estados Unidos y Europa del Este por primera vez en el sur de California . Reflejaba la revolucionaria escultura en fibra de la época, en particular su tendencia hacia la monumentalidad. [15] "Cuando comencé a mostrar mi trabajo en Europa y Estados Unidos, se consideraba arte, no artesanía. Y fue entonces cuando me di cuenta de que no era el tejido, sino la calidad visual lo que ahora importaba en mis creaciones. " [dieciséis]
En los años 1970 Olga de Amaral inició las siguientes series: Muros , Corazas , Hojarascas , Marañas , Estructuras , Fragmentos completos, la serie Calicanto , Farallones y Eslabones . "Desde el comienzo de su carrera en los años 1960, ciertamente desde los Muros y Hojarascas de los años 1970, Amaral había dejado claro que el debate sobre si tejer era arte o artesanía sería, al menos en su caso, discutible. Desde el principio , ha habido una clara sensación en su trabajo de que podía encarnar, y lo hizo, ideas y reflexiones importantes de carácter existencial e histórico". [17]
The Walls fue la primera serie donde la artista comenzó a tomar más riesgos que la llevaron a romper con los patrones geométricos predecibles y reemplazarlos por ritmos que por primera vez involucraban el ojo en la obra. La inclusión del espectador en la experiencia, junto con las crecientes dimensiones de las obras de de Amaral, marcaron un umbral en la carrera de la artista y la colocaron en el mapa internacional de las bellas artes: “(…) desde finales de los sesenta hasta mediados de los setenta ( …) los artistas de la fibra se volvieron más atentos a la forma y las dimensiones del contexto arquitectónico y a la experiencia fenomenológica del espectador. (…) Entonces, cuando una obra como El Gran Muro de seis pisos de Olga de Amaral se instaló en 1976 en el vestíbulo del Westin Peachtree Plaza en Atlanta , la pared funcionó menos como un telón de fondo o marco que como un determinante de la forma vertical monumental del tapiz de lana y crin”. [18]
Durante su estancia en París a principios de los años 1970, viviendo en espacios reducidos, Olga creó una serie de pequeñas piezas titulada Fragmentos completos (1975). En esta serie el artista utilizó por primera vez el oro, jugando y experimentando con él. También comenzó a pintar fibras con pintura acrílica y yeso para obtener colores directamente sobre la pieza tejida terminada con el fin de disolver la geometría impuesta por la rígida estructura de urdimbre y trama. Estos bocetos poéticos se exhibieron en la Galería Rivolta de Lausana , Suiza . Esta innovación técnica dio al artista mucha más libertad con las superficies finales de las obras que con las fibras teñidas de color. También trasladó sus tapices de la categoría de "artesanías" a la de "bellas artes". "El color es un lenguaje común a todas las culturas. El color me ayuda a distanciarme de la superficie para añadir diferentes significados al tapiz." [16] Los Fragmentos inician un período de obras mayoritariamente monocromáticas que culmina con la serie Calicanto .
El título de la serie hace referencia a las piedras utilizadas para la construcción. La serie incluye las obras Vestiduras de Calicanto , Paredes de Calicanto y Paisajes de calicanto y se inició en 1977. Las piezas de esta serie son tejidos más grandes en pasto, tonos tierra claros y tonos arena.
Este período se caracteriza por la experimentación entusiasta y la introducción de nuevos materiales. Durante su visita a Japón para una exposición en el Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto , de Amaral comienza a explorar el uso del oro y el yeso inspirado en el Kintsugi , el arte japonés de reparar cerámica rota con oro. Comienza su exploración del oro como material y como color. También continúa explorando las posibilidades de la estructura. La luz y el aire filtrados a través de construcciones tejidas se convierten en protagonistas importantes. En los años 1980 Olga de Amaral inició las siguientes series: Riscos , Tejidos policromos , Tierras , Tablas , Entornos , Cestas lunares, Lienzos ceremoniales, Alquimias y Montañas.
El título de esta serie alude a acantilados. Las bandas verticales segmentadas también hacen alusión a los quipus incas ( khipus /nudos parlantes), dispositivos de registro utilizados para recopilar datos y mantener registros de tiempo y tareas. Los quipus estaban hechos de hilos de colores o hilos de algodón/fibra. Las piezas de la serie Riscos son en su mayoría formas rectangulares y, en contraste con las trenzas onduladas y encadenadas verticales que cuelgan de arriba a abajo, crean una sensación de movimiento, un efecto casi cinético. En términos de estilo, los efectos orgánicos se parecen mucho a una forma viva, pero las obras de esta serie son estrictamente conceptuales, basadas en las posibilidades y cambios en la estructura de las fibras.
La serie Ceremonial Cloths se inició en 1986 y continuó hasta 1998. El título se refiere a prendas ceremoniales. Cada pieza de esta serie está "impregnada" de un color fuerte y profundo que emerge de la superficie de fondo unificada. Esta serie explora la forma en que las imágenes emergen de una superficie tejida y la creación de una sensación de profundidad. Las superposiciones de capas de hilos crean un juego aéreo de luces que conecta esta serie con los problemas artísticos del Op Art . [9]
Los Moonbaskets exploran los mismos problemas que los Ceremonial Cloths : la profundidad y las imágenes abstractas y coloridas. Cada pieza dentro de su composición única estudia los cambios texturales y cromáticos en las superficies tejidas (cada fibra de algodón está recubierta con yeso y pintura), donde emergen las imágenes geométricas: el círculo del sol y la luna, el arco y el remolino de energías y agua. Las piezas de esta serie expresan sentimientos que surgieron al ver las canastas elaboradas por los Yanomami , una tribu en la frontera entre Venezuela y Brasil , también conocida como los Niños de la Luna. Esta tribu crea cestas de paja con decoración circular que el artista vio como una unificación de la mente y la luna que adoran. Esta inspiración se puede ver en el trenzado de los Moonbaskets .
En una rápida visita a Irlanda para participar en una conferencia del World Craft Council en 1970, de regreso a Colombia , Olga pasó por el estudio de Lucie Rie en Londres (conoció al ceramista británico en la conferencia). Ella la inspiró a incorporar oro a los tapices: "Esa tarde en Londres noté una rotura en un jarrón de cerámica. Lucy Rie me explicó que para ella la rotura no existía porque transformó la pieza al repararla con pan de oro. como lo hacen los japoneses cuando la preciada porcelana se rompe. El concepto me tocó en algún lugar misterioso de mi mente". La serie Alquimia , iniciada en 1983/84 y en curso, fue la primera serie realizada íntegramente con pan de oro, que el artista consideraba, al igual que los alquimistas, como símbolo del conocimiento. Las piezas de esta serie son mini "lienzos" rectangulares hechos de algodón y preparados con yeso blanqueado para ser recubiertos con pintura acrílica y pan de oro/plata. Después de experimentar con la gran escala, Olga de Amaral quiso volver a la escala humana. Las primeras 13 obras de la serie se basan en la proporción de la figura humana y se inspiran en la cultura ancestral del Perú : sus objetos y sus ciencias, especialmente las matemáticas. Además, cuando los artistas visitaron el pueblo de Barichara en el norte de Colombia , el paisaje arquitectónico de ese hermoso pueblo también inspiró los materiales y colores utilizados en las primeras piezas de la serie: lino color arcilla predominantemente con tonos blancos, dorados y azules. El oro ha jugado un papel importante tanto en diversas culturas nativas americanas como en la religión católica. La artista se dio cuenta de que la aplicación de oro hacía que el tejido pareciera pesado y flexible, cualidad que buscaba después de los primeros tejidos a gran escala que tenían una intención arquitectónica y escultórica. A diferencia de esas construcciones masivas tejidas con fibras pesadas como crin y lana tosca hilada a mano, las Alquimias están más preocupadas por cómo las superficies, texturas y acabados transforman el espacio que ocupan o contienen. Las piezas de esta serie cuelgan de forma vertical, gravitacional y separadas de la pared, como si vivieran en un espacio propio y único. El efecto, las atmósferas que crean cuando están colgados son similares a cuando entras a una iglesia colonial o a las cámaras funerarias de las culturas precolombinas . "Siempre ha sido mi deseo inducir un (...) estado de silencio en los lugares donde instalo mis piezas". [dieciséis]
En los años 1990 Olga de Amaral inició las siguientes series: Vesitigios , Ríos , Puertas , Pueblos , Cajas , Umbras , Bosques , Segmentos , Mementos , Imágenes perdidas , Entornos quietos , Sombras , Lunas , Paisajes heredados, Estelas y las series Prosa y Soles cuadrados. .
El título se refiere al área de sombra de un eclipse o al centro oscuro de una mancha solar. Aunque las piezas de esta serie son estructuras rígidas e inmóviles, crean superficies vibrantes y visualmente fluidas mediante el uso de pan de plata u oro que dan sombra o reflejan la luz. Junto con la forma en que se doblan los hilos tejidos, el efecto de cada pieza de esta serie es indefinible. Otra particularidad de esta serie es que se une al exterior y al interior en el proceso de tejido. "En las Umbras el reverso es siempre la capa oculta. La parte posterior de cada hebra soporta el color que refleja la cara, y toda la parte posterior es el esqueleto de la superficie visible". [dieciséis]
Esta serie está formada por dípticos cuyo rigor superficial se aleja radicalmente de la abundancia de la década anterior de la obra de Amaral. Uniendo los espacios hay un cuadrado o un rectángulo, en algunos casos con un cambio de color pero no de forma. Las formas geométricas parecen estar en movimiento de un plano a otro.
En la serie de las Estelas iniciada en 1996, al igual que con las Umbras , el interior y el exterior volvieron a estar en la consideración del artista. El título se refiere a la palabra española estrella que significa estrella y " es tela " que significa " está [hecha de] tela ". Olga de Amaral siempre ha considerado el reverso de sus piezas como un lado para experimentar, pero en esta serie decidió trabajar ambos lados por igual. El frente de las Estelas es de oro luminoso y el reverso de plata oscura, manteniendo aún los vestigios de la función experimental original de este lado. "Pienso en ellas como piedras llenas de espacio, cada una una presencia llena de secretos. Muchas juntas, como montículos de piedras o rocas, señalan una respuesta, un orden desconocido, una historia oculta". Estas piezas adquirieron un carácter tridimensional al estar siempre expuestas suspendidas del techo en diferentes elevaciones y ángulos y en grupo, con cada lado (dorado o plateado) orientado en una dirección. El efecto de estas piezas es contradictorio: son superficies sólidas, aportando la solidez de las ruinas de civilizaciones pasadas, y al mismo tiempo flotantes e inmutables. Las Estelas fueron expuestas en la Galería Diners de Bogotá y en museos de Estados Unidos y Europa en 1999.
Después del año 2000 Olga de Amaral inició las siguientes series: Ombríos , Mapas , Escritos , Aguas/Aquas , Glyphs , Alforjas , Espejos , Piedras , Stratas , Nudos , Memorias , Policromos , Entre ríos , Pozos azules , la serie Sol rojo , Árboles , Brumas , Dos mitades, Moyas, Nébulas, Fósiles, Núcleos, Rocas, Minutas, Improntas y Lienzos.
La obra de de Amaral está en la colección del Instituto de Arte de Chicago , [19] el Museo de Arte de Cleveland , [20] el Museo Metropolitano de Arte , [21] el Museo de Arte Moderno , [22] el Smithsonian American Art Museo , [23] y la Tate . [24]
La obra de Amaral, Montaña #13 , fue adquirida por el Smithsonian American Art Museum como parte de la campaña del 50 aniversario de la Galería Renwick . [25]
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