Papunya Tula , registrada como Papunya Tula Artists Pty Ltd , es una cooperativa de artistas formada en 1972 en Papunya , Territorio del Norte , propiedad de y operada por aborígenes del desierto occidental de Australia. El grupo es conocido por su trabajo innovador con el Movimiento Artístico del Desierto Occidental , conocido popularmente como pintura de puntos . A sus artistas se les atribuye el mérito de haber llamado la atención mundial sobre el arte aborigen contemporáneo , y sus artistas inspiraron a muchos otros artistas y estilos aborígenes australianos.
La compañía opera hoy en Alice Springs y sus artistas provienen de un área grande que se extiende hasta Australia Occidental , 700 kilómetros (430 millas) al oeste de Alice Springs.
A finales de la década de 1960, el gobierno australiano trasladó varios grupos diferentes que vivían en la región del Desierto Occidental a Papunya , 240 km (150 millas) al noroeste de Alice Springs en el Territorio del Norte, para sacarlos de las tierras ganaderas y asimilarlos a la cultura occidental. . Estos grupos desplazados fueron principalmente los pueblos Pintupi , Luritja , Walpiri , Arrernte y Anmatyerre .
En 1971, Geoffrey Bardon , el maestro de escuela de la comunidad, animó a los niños a pintar un mural utilizando el estilo tradicional de arte ceremonial de cuerpo y arena . [1] Este estilo de pintura se usaba con fines espirituales y, por lo tanto, tenía protocolos estrictos para su uso. Muchos símbolos representaban tótems personales y Ensueños , y otros, historias más generales de la creación del Tiempo de los Sueños . Cuando algunos de los hombres mayores vieron lo que hacían los niños, sintieron que el tema era más adecuado para los adultos. Comenzaron a crear un mural que representaba a Honey Ant Dreaming. Tradicionalmente, Papunya es el epicentro de Honey Ant Dreaming, donde convergen las líneas de las canciones . Los administradores europeo-australianos de Papunya pintaron más tarde sobre los murales, lo que la curadora Judith Ryan llamó "un acto de vandalismo cultural", señalando que "[l]a escuela fue desaboriginalizada y ya no se permitía que el arte se mantuviera erguido y desafiante. como símbolo de un pueblo resiliente e indomable". [2] Aunque visible, el mural resultó muy influyente, lo que llevó a otros hombres a crear pinturas más pequeñas de sus Jukurrpa (historias ancestrales), en cualquier superficie disponible, incluidos trozos de masonita vieja , capós de automóviles, latas y cajas de cerillas. Esta explosión de actividad artística se considera generalmente como el origen del arte indígena australiano contemporáneo . [3] [4]
El colectivo, originalmente enteramente de hombres aborígenes australianos, se formó en 1972. Derivaron el nombre de tula de una pequeña colina cerca de Papunya, un sitio de Honey Ant Dreaming. Algunas mujeres, en particular Pansy Napangardi , comenzaron a pintar para la empresa a finales de los años 1980. No fue hasta 1994 que las mujeres comenzaron a participar en general. [ cita necesaria ]
Si bien los artistas colectivos utilizaron un estilo de pintura tradicional en la arena y para adornar el cuerpo en ceremonias, la mayoría de ellos nunca antes habían pintado al estilo occidental, es decir, usando pintura acrílica y una superficie dura. A medida que su trabajo ganó popularidad, los artistas omitieron o cambiaron muchos de los símbolos espirituales para el público, ya que la comunidad aborigen criticó a los artistas por revelar "demasiado de su herencia sagrada". [5] Según Ryan: [5]
Diseños secretos restringidos a un contexto ritual estaban ahora en el mercado, hechos visibles para los forasteros kardiya y las mujeres aborígenes. En respuesta a estas objeciones, se eliminaron o modificaron todas las representaciones detalladas de figuras humanas, tjurungas ( bramadores ) completamente decoradas y parafernalia ceremonial. Tales diseños y sus significados "internos" no debían escribirse ni "comerciarse". Cualquier contravención rompía el inmutable plan de descendencia, el vínculo del iniciado con su antepasado totémico a través de su padre y del padre de su padre. De 1973 a 1975, los artistas de Papunya Tula intentaron camuflar referencias abiertas a la ceremonia y se volvieron reticentes. Revelaron menos del corazón sagrado de su cultura. La apertura de la era Bardon había llegado a su fin. Los puntos y los puntos excesivos, como medio ideal para ocultar o pintar sobre diseños secretos y peligrosos, se convirtieron en una moda en esta etapa. El arte se hizo público, diluido para una exhibición general, señalando la singularidad de los años de Geoffrey Bardon, que, al igual que la inocencia, no pueden redescubrirse.
Para Hetti Perkins y Hannah Fink, [6] los artistas a través de sus pinturas "trazan las genealogías de su herencia ancestral". Y comenta que "A través de las pinturas de los artistas de Papunya Tula experimentamos la angustia del exilio y la liberación del éxodo... Al refigurar el paisaje australiano, los artistas expresan lo que siempre les ha sido conocido. Y al revelar esta visión a "Si el exilio es el sueño del hogar, el anhelo físico de patria expresado en las primeras pinturas ahora ha sido respondido".
A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, después del establecimiento de la Ley de derechos a la tierra de los aborígenes de 1976 , muchas personas abandonaron Papunya para trasladarse a sus tierras tradicionales, pero la cooperativa de arte persistió y siguió creciendo. Durante muchos años, el mercado y los museos prácticamente ignoraron su trabajo. Una excepción importante fue el Museo y Galería de Arte del Territorio del Norte (MAGNT), que tiene la colección más grande de poco más de 220 obras tempranas adquiridas entre 1972 y 1976, gracias a los esfuerzos visionarios del director de MAGNT, el Dr. Colin Jack Hinton, y Alice Springs. Pat Hogan, propietario de la galería. En 2008, esta seguía siendo la colección de tableros antiguos más grande del país. La Galería Nacional de Victoria no adquirió ninguna obra producida por el colectivo hasta 1987, cuando Judith Ryan convenció al actual director para que comprara 10 de las obras. [7] En ese momento, el precio de venta era de 100.000 dólares australianos , lo que Ryan describió en 2008 como "una ganga", dada la escalada del valor. [7]
En 2007, una sola pintura del artista de Papunya Tula, Clifford Possum Tjapaltjarri, estableció un récord en una subasta por el precio solicitado para el arte aborigen, recaudando £ 1,03 millones (o 2,4 millones de dólares), más del doble que el poseedor del récord anterior. [8]
La compañía ahora opera desde Alice Springs, [9] y cubre un área enorme, que se extiende hasta Australia Occidental , 700 kilómetros (430 millas) al oeste de Alice Springs. [10]
En 2000, la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur realizó una exposición, comisariada por Hetti Perkins , para el Festival de las Artes de los Juegos Olímpicos de Sydney . La exposición, titulada Papunya Tula, Génesis y Genio , fue la primera gran exposición retrospectiva de la cooperativa. [11]
Durante un período de varios meses (del 27 de noviembre de 2007 al 3 de febrero de 2008), el Museo Nacional de Australia exhibió una colección de pinturas Papunya de los primeros años del movimiento. La mayoría de las obras expuestas en la colección no habían sido vistas antes por el público en general, ya que la mayoría de estas pinturas fueron compradas por la Junta de Artes Aborígenes (ahora desaparecida) de las décadas de 1970 y 1980. La exposición contiene algunas de las obras más antiguas y de mayor valor de la primera generación de pintores papunya de alto nivel. Estas pinturas se exhibieron anteriormente en oficinas gubernamentales y embajadas. Comisariada por la profesora Vivien Johnson , la exposición fue significativa al presentar la importancia del movimiento al público en general. [ cita necesaria ]
Dos artistas papunya, Tommy Watson y Ningura Napurrula , están también representados en París en el museo del Quai Branly , dedicado al arte indígena del mundo. Los motivos en blanco y negro característicos de Napurrula aparecen superpuestos en el techo de la parte administrativa del edificio del museo.
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