Mona Hatoum ( árabe : منى حاطوم ; nacida en 1952) es una artista de instalación y multimedia británico-palestina que vive en Londres. [1]
Mona Hatoum nació en 1952 en Beirut , Líbano , [2] de padres palestinos . [3] Aunque nació en el Líbano, Hatoum no era elegible para una tarjeta de identidad libanesa [4] y no se identifica como libanesa. [5] A medida que crecía, su familia no apoyó su deseo de dedicarse al arte. [6] Sin embargo, continuó dibujando durante toda su infancia, ilustrando su trabajo a partir de clases de poesía y ciencias. [6]
Hatoum estudió diseño gráfico en la Universidad de Beirut, en el Líbano, durante dos años y luego comenzó a trabajar en una agencia de publicidad. Hatoum no estaba satisfecha con el trabajo publicitario que producía. [6] Durante una visita a Londres en 1975, estalló la guerra civil libanesa y Hatoum se vio obligada a exiliarse. [3]
Se quedó en Londres, formándose en la Byam Shaw School of Art y en la Slade School of Fine Art ( University College, Londres ) entre los años 1975 y 1981. En los años transcurridos desde entonces, "ha viajado mucho y ha desarrollado una práctica artística dinámica que explora las luchas humanas relacionadas con el conflicto político, la inequidad global y el hecho de ser un outsider". [4]
Hatoum explora una variedad de temas diferentes a través de diferentes marcos teóricos. [7] Su trabajo puede interpretarse como una descripción del cuerpo, como un comentario sobre la política y sobre el género y la diferencia a medida que explora los peligros y los confines del mundo doméstico. [8] Su trabajo también puede interpretarse a través del concepto de espacio, ya que sus esculturas e instalaciones dependen de que el espectador habite el espacio circundante para completar el efecto. Siempre hay múltiples lecturas de su trabajo. [6] [8] Las respuestas físicas que Hatoum deseaba provocar respuestas psicológicas y emocionales aseguran reacciones únicas e individuales de diferentes espectadores. [8]
Los primeros trabajos de Hatoum consistieron principalmente en piezas de performance que utilizaban la confrontación física directa con el público para expresar un mensaje político. Utilizaba esta técnica como un medio para hacer una declaración directa utilizando su propio cuerpo; las performances a menudo hacían referencia a su pasado y a la situación política en Palestina. [8] En su trabajo, abordó la vulnerabilidad del individuo en relación con la violencia inherente a las estructuras de poder institucional. Su principal punto de referencia era el cuerpo humano, a veces utilizando su propio cuerpo. [9]
Un ejemplo de ello fue su obra Roadworks (1985) , en la que Hatoum caminaba descalza por las calles de Brixton , con botas negras atadas a los tobillos, una declaración sobre la vigilancia y el control policial de la población predominantemente afrocaribeña después de los disturbios/levantamientos de Brixton de 1981 y de 1985. Sobre esta obra, escribe: «Me encontré en esta rara situación de crear una obra que, aunque personal/autobiográfica, tenía una relevancia inmediata para la comunidad de personas a la que se dirigía. También descubrí que estaba trabajando «para» la gente de las calles de Brixton en lugar de «contra» el público indiferente, a menudo hostil, con el que suelo encontrarme». [10] Roadworks fue comisariada como parte de la Exposición Mujeres en Revuelta de 2023 en la Tate Modern. [11]
Creada en 1988 como resultado de una residencia en Western Front en Vancouver, Measures of Distance ilustra los primeros temas de Hatoum: la familia, el desplazamiento y la sexualidad femenina. [12] [13] La pieza de video en sí tiene una duración de quince minutos y consiste en fotografías íntimas y en color de la madre de Hatoum duchándose. [14] Hatoum superpone las fotografías con cartas que su madre, que vivía en Beirut durante la guerra civil, le escribió a Hatoum, que vivía en Londres. Escritas a mano en árabe, las cartas conforman la narración y los temas del video, y hablan de la dificultad de enviar cartas en tiempos de conflicto. [15] Hatoum lee las cartas en voz alta en árabe e inglés. El video se basa en la breve reunión familiar que ocurrió en Beirut entre Hatoum y sus padres en 1981. Si bien trata principalmente de la relación madre-hija, en las cartas de su madre se menciona al padre de Hatoum y, por lo tanto, en este video se examina la relación padre-hija, así como la relación marido-esposa. [16]
Los elementos del vídeo (las cartas, el deseo de la madre de Hatoum de verla y las menciones de la madre de Hatoum sobre la guerra) exploran cómo la guerra en Palestina y la guerra en el Líbano desplazaron la identidad y las relaciones de Hatoum y su familia. [17] El vídeo no es un documental ni pretende ser periodístico. El vídeo critica los estereotipos y se mantiene optimista, ya que la narración de las cartas es en gran parte positiva, excepto por la distancia entre la madre y la hija. [17] Hatoum intenta recrear los momentos en que se reunió con su madre en Beirut y cuando le pidió fotografiarla en la ducha. En lugar de representar directamente el conflicto palestino-israelí o la guerra civil libanesa, Hatoum muestra cómo los conflictos afectaron las relaciones de su familia y su identidad. Hatoum distancia y atrae a la vez al público occidental a través de su narración en inglés y árabe. [18]
En este retrato de una mujer palestina, Hatoum da voz a su madre mientras subvierte los estereotipos sobre las mujeres árabes. [19] La Tate Modern describe el retrato con las siguientes palabras: "Es a través del proyecto artístico de la hija que la madre puede presentarse libremente, en una forma que consolida un vínculo de identidad independiente de las preocupaciones coloniales y patriarcales". [15] Medidas de distancia es una de las pocas obras realizadas por Hatoum que habla directamente de su origen. En otras obras, Hatoum prefiere ser más abstracta y dejar la obra abierta. [19] Aunque no es tan abstracta como muchas de sus otras obras, el espectador se ve obligado a trabajar para entender los elementos formales del video. No son fáciles de dar para Hatoum, como lo es la narración aquí. [17] "El video transmite el 'estado paradójico de distancia geográfica y cercanía emocional'". [18] Subraya su sensación de exilio y separación causada por la guerra. [20]
Medidas de distancia se proyectó en el Festival de Cine de Londres , el Festival Nacional de Video AFI y el Festival de Cine y Video de Mujeres de Montreal. [16]
Realizada en 2002, Grater Divide transforma un objeto cotidiano, en este caso un rallador de cocina común, en un divisor de 80 pulgadas × 76 pulgadas × 33 pulgadas (203 cm × 193 cm × 84 cm), en alusión a la alienación política, tal vez causada por los muros construidos por Israel en territorio palestino. [21] [22]
Hot Spot III , creada en 2009, es una gran pieza de instalación del globo inclinado como la Tierra y aproximadamente tan alto como una persona. El título se conecta con el tema de la agitación política, imaginando un conflicto en un área geográfica que perturba al mundo entero. [3] El globo está hecho de acero similar a una jaula que brilla de un rojo luminiscente, como si el mundo estuviera en llamas, parpadeando rápidamente, con la intención de crear un entorno energético que hipnotiza al público. La instalación también invoca una sensación de peligro con la luz roja intensa que delinea los continentes. [23] Hatoum cuestiona si las formas minimalistas o surrealistas pueden abordar adecuadamente los problemas del mundo. [3]
A finales de los años 1980, Hatoum abandonó las performances por considerarlas políticamente demasiado directas y, en cambio, centró su atención en instalaciones y objetos, retomando algunas de las ideas anteriores de sus días de estudiante en la Slade School of Art de Londres. [24] [25] A partir de entonces, se basó en el tipo de interactividad que permite al espectador involucrarse en la experiencia estética sin hacer del artista como intérprete el foco de atención. [24]
Desde la década de 1990, su obra ha pasado de hacer declaraciones a plantear preguntas. Se exige mucho más del espectador, ya que las performances fueron reemplazadas por esculturas e instalaciones que requerían un nivel de interactividad mental y física. [8] Su práctica se ha orientado hacia la especificidad del lugar, por ejemplo, en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston y la Kunsthalle de Hamburgo . [26]
Una pieza notable que ejemplifica su cambio de la performance a los objetos físicos es Keffieh (1993-1999), una bufanda tejida con cabello humano que yuxtapone ideas de feminidad y religión. [27]
A finales de los años 1980, comenzó a centrarse en objetos domésticos comunes, incluidos utensilios de cocina y muebles para el hogar. T42 (1993-98) es un par de tazas de té fusionadas en el borde. [28] [29]
Muchas de las primeras piezas de Hatoum sitúan el cuerpo como el lugar de una red de preocupaciones (políticas, feministas y lingüísticas), lo que provoca una respuesta altamente visceral. [30] Una de sus piezas, una instalación de video de 1994 llamada Corps etranger [ 31] mostraba imágenes de video en color de una sonda endoscópica de su cuerpo. [32] Corps etranger se produjo originalmente para el Centro Georges Pompidou y presenta una estructura cilíndrica parcialmente cerrada a la que se invita a los espectadores a ingresar. El espectador se para sobre una placa circular de vidrio y imágenes de video en primer plano de partes internas y externas del cuerpo de la artista. La artista invita al espectador a "caminar alrededor" del interior de su cuerpo a través de la secuencia visual tomada en el endoscopio y colonoscopio, escaneando y sondeando su sistema digestivo. El audio es una grabación de un latido del corazón y movimientos corporales.
La obra de Hatoum investiga el concepto de "abyección" introducido por la teórica cultural, Julia Kristeva y lo siniestro en sus obras que utilizan vello corporal. [33]
Las posibilidades políticas de este motivo visual siniestro son relevantes para el análisis de la obra de Hatoum, ya que la disrupción que se logra a nivel psicológico puede tener amplias implicaciones que involucran poder, política o preocupaciones individuales. [8] La alusión que logra su obra no siempre hace referencia a grandes acontecimientos políticos ni apela a una conciencia cultural generalizada, sino que se refiere a una amenaza aparentemente inalcanzable que solo es posible abordar a escala individual. [8]
Hatoum ha vinculado sus obras a otros movimientos políticos, especialmente a la lucha negra. En una entrevista con Michael Archer en 1997, Hatoum dijo: "Al principio era importante pensar en la lucha negra como una lucha política total. Hay fuerzas políticas y actitudes comunes que discriminan a las personas. De la misma manera que el feminismo comenzó con este concepto totalizador de 'hermandad', y luego terminamos con muchos feminismos, por así decirlo. La lucha negra se diversificó una vez que se establecieron los temas básicos. Y la negritud aquí no tiene que ver con el color de la piel, sino con una postura política". [34]
El trabajo de Hatoum se presentó en una exposición individual en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston en 2015. [35] En mayo de 2016, Tate Modern realizó una "exploración exhaustiva de 35 años de trabajo de Hatoum en Gran Bretaña, desde sus primeras performances y trabajos de video hasta su escultura e instalación a gran escala" [36] La Colección Menil en Houston, Texas, organizó una exposición individual titulada "Mona Hatoum: Terra Infirma" que estuvo en exhibición desde el 12 de octubre de 2017 hasta el 25 de febrero de 2018. [37] Esta exposición luego viajó a la Fundación de Artes Pulitzer y estuvo en exhibición desde el 6 de abril hasta el 11 de agosto de 2018. [38]
En marzo de 2018, Hatoum fue preseleccionada para el Premio Hepworth de Escultura , junto a Michael Dean , Phillip Lai, Magali Reus y Cerith Wyn Evans . [39] En enero de 2020, Hatoum formó parte de la exhibición de Artpace titulada Visibilities: Intrepid Women of Artpace . [40] También en 2020, recibió el premio Julio González, que aparece en una exposición individual en el Institut Valencià d'Art Modern en 2021. [41]
