Meret (o Méret) Elisabeth Oppenheim (6 de octubre de 1913 - 15 de noviembre de 1985) fue una artista y fotógrafa surrealista suiza nacida en Alemania .
Meret Oppenheim [1] nació el 6 de octubre de 1913 en Berlín . Recibió su nombre en honor a Meretlein, una niña salvaje que vive en los bosques, de la novela Green Henry de Gottfried Keller. [2] [3] Oppenheim tenía dos hermanos, una hermana Kristin (nacida en 1915) y un hermano Burkhard (nacido en 1919). [4] Su padre, un médico judío alemán [5] , fue reclutado en el ejército al estallar la guerra en 1914. [4] En consecuencia, Oppenheim y su madre, que era suiza, [5] se mudaron a vivir con los abuelos maternos de Oppenheim en Delémont, Suiza. [6] En Suiza, Oppenheim estuvo expuesta a una gran cantidad de arte y artistas desde una edad temprana, incluidos Alfred Kubin , expresionistas alemanes, impresionistas franceses y poemas de los románticos. [7] Oppenheim también se inspiró en su tía, Ruth Wenger, especialmente en la devoción de Wenger por el arte y su estilo de vida moderno. [6] A finales de la década de 1920, Oppenheim estuvo más expuesta a diferentes obras de arte relacionadas con el modernismo, el expresionismo, el fauvismo y el cubismo. [8]
En 1928, Oppenheim conoció los escritos de Carl Jung a través de su padre y se sintió inspirada a registrar sus sueños. [9] Oppenheim estaba interesada en el enfoque analítico de Jung, particularmente su teoría animus-anima . A lo largo de su vida, Oppenheim analizó cuidadosamente sus propios sueños y los transcribió en detalle en sus escritos. Intentó usarlos al abordar "cuestiones fundamentales de la vida". Asimismo, Oppenheim utilizó la iconografía y los motivos de los arquetipos de Jung en su trabajo a lo largo de los años; los motivos típicos que Oppenheim utilizó incluyen espirales y serpientes. [10] Oppenheim renunció al término "arte femenino" y adoptó la creatividad andrógina ideal de Jung en su arte en el que los aspectos masculinos y femeninos trabajaban simultáneamente. [11]
La obra de Paul Klee , foco de una retrospectiva en la Kunsthalle de Basilea en 1929, ejerció otra fuerte influencia sobre Oppenheim, despertándola a las posibilidades de la abstracción.
En mayo de 1932, a la edad de 18 años, Oppenheim se mudó a París desde Basilea, Suiza y asistió esporádicamente a la Académie de la Grande Chaumière para estudiar pintura. [12] Su primer estudio fue una habitación de hotel en el Hotel Montparnasse en París. En esta época produjo principalmente pinturas y dibujos. [13] En 1933, Oppenheim conoció a Hans Arp y Alberto Giacometti . Después de visitar su estudio y ver su trabajo, Arp y Giacometti la invitaron a participar en la exposición surrealista en el “Salon des Surindépendants”, [12] celebrada en París entre el 27 de octubre y el 26 de noviembre. [14] Oppenheim conoció más tarde a André Breton y comenzó a participar en reuniones en el Café de la Place Blanche con el círculo surrealista. Impresionó a los surrealistas con su comportamiento desinhibido. [15] Poco después de que comenzara a asistir regularmente a reuniones con Breton y otros conocidos, al círculo de Oppenheim se unieron otros artistas surrealistas como Marcel Duchamp, Max Ernst y Man Ray. [16] El enfoque conceptual favorecido por Marcel Duchamp , Max Ernst y Francis Picabia se volvió importante para su trabajo. [17]
En 1936, Meret Oppenheim realizó su primera exposición individual en Basilea , Suiza, en la Galerie Schulthess. [18] Continuó contribuyendo a las exposiciones surrealistas hasta 1960. Muchas de sus piezas consistían en objetos cotidianos dispuestos para aludir a la sexualidad femenina y la explotación femenina por parte del sexo opuesto. Las pinturas de Oppenheim se centraban en los mismos temas. Su abundante fuerza de carácter y su seguridad en sí misma informaban cada obra que creaba, transmitiendo una cierta confrontación cómoda con la vida y la muerte. [19] Su originalidad y audacia la establecieron como una figura líder en el movimiento surrealista. En Oppenheim: Object se la describió como la encarnación y "personificación del ideal del surrealismo masculino de la 'femme-enfant'". [13]
En 1937, Oppenheim regresó a Basilea y esto marcó el comienzo de su bloqueo artístico. Luchó después de conocer el éxito y se preocupó por su desarrollo como artista. Oppenheim solía trabajar en ráfagas espontáneas y, a veces, destruyó su trabajo. Oppenheim se tomó un descanso de su carrera artística en 1939 después de una exposición en la Galerie René Drouin iniciada por René Drouin en París . En la exposición apareció junto a muchos artistas, incluidos Leonor Fini y Max Ernst . No compartió ningún arte con el público nuevamente hasta la década de 1950. Luego, Oppenheim volvió a su "estilo original" y basó sus nuevas obras de arte en viejos bocetos y obras y creaciones anteriores. [20]
La obra de arte más conocida de Oppenheim es Object (Le Déjeuner en fourrure) [Objeto (Desayuno en piel)] (1936). Object de Oppenheim consiste en una taza de té, un platillo y una cuchara que cubrió con piel (pensó que era de una gacela china, aunque el MoMA determinó que no lo es). [13] [21] Se podría decir que la piel representa la opulencia. La taza, hueca pero redonda, puede evocar los genitales femeninos; la cuchara, con su forma fálica, agrega otra nota erótica. [22] Object se inspiró en una conversación que Oppenheim tuvo con Pablo Picasso y su amante Dora Maar en el Café de Flore en París. Mientras admiraban una pulsera de piel que Oppenheim había diseñado, Picasso, según una versión de la historia que contó Oppenheim, dijo que todo podía cubrirse de piel, incluso una taza y un platillo. [21] Oppenheim creó Object después de que Breton la invitara a participar en una exposición de objetos surrealistas en la Galerie Charles Ratton en París. [21] Al cubrir el servicio de té con piel, Oppenheim logró un objetivo surrealista al liberar el platillo, la cuchara y la taza de té de sus funciones originales como objetos de consumo. [23] Los espectadores experimentaron varias emociones al observar Object, que se volvió disfuncional. [21] El título largo de la obra de arte fue creado por Breton (Oppenheim se refirió a ella simplemente como Object ), quien combinó la novela Venus in Furs de Leopold Sacher-Masoch con Dejeuner sur l'herbe de Edouard Manet . [24] Durante el año de su creación, Object fue comprado por Alfred Barr , quien esperaba colocarlo en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde se incluyó en la histórica exposición del museo Fantastic Art: Dada and Surrealism . [25] Debido a esta compra, se pensó que Oppenheim era la primera mujer en la colección permanente del museo, y fue apodada "la Primera Dama del MoMA". [26] Pero Barr, que compró la obra con su propio dinero, no logró que los fideicomisarios conservadores la aceptaran, y no entró en la colección permanente hasta 1963 (entró en la colección de estudio del museo en 1946, donde no se vio durante muchos años). [21]
Object de Oppenheim sería una de las principales fuerzas que llevaron a su prolongada crisis artística debido a su aumento vertiginoso de popularidad después de ser exhibida por Barr en Nueva York. Aunque le trajo a Oppenheim una gran cantidad de fama, Object reforzó la creencia del público de que Oppenheim solo practicaba el surrealismo, lo que, según ella, obstaculizaba su libertad de expresión artística y la exploración de otros estilos artísticos. [27] De hecho, Object se hizo tan conocido que se crearon muchos conceptos erróneos sobre Oppenheim y su arte debido a ello. [27] Por ejemplo, muchos creyeron incorrectamente que Oppenheim creaba principalmente objetos en piel. [27] Al ser conocida como la artista de Object , Oppenheim estaba ligada al surrealismo por las expectativas del público, una conexión que estaba tratando de evitar. Décadas más tarde, en 1972, comentó artísticamente sobre su dominio de su carrera al producir una serie de " souvenirs " de Le Déjeuner en fourrure . [28] El objeto también ha sido ampliamente interpretado a través de una lente freudiana y ha sido visto en un sentido simbólico como una referencia sexual femenina. [29]
A lo largo de su vida, Oppenheim ha posado con gusto para los fotógrafos. [22] Su sesión de fotos más popular con Man Ray refleja profundamente su postura personal sobre la feminidad. Contrariamente a la discreción sobre el género del creador de Le Déjeuner , las fotografías proporcionaron un monumento inequívoco a su feminidad y un testimonio de su falta de voluntad para exponerla. [22]
En 1937 Oppenheim regresó a Basilea para formarse como conservadora de arte y así asegurar su estabilidad financiera. Esto marcó el comienzo de una crisis creativa que duró hasta 1954. Aunque mantuvo cierto contacto con sus amigos en París, creó muy poco y destruyó o no logró terminar gran parte de lo que creó. [17] En Basilea se convirtió en miembro del Gruppe 33 y participó en sus exposiciones colectivas, en 1945 en el Kunstmuseum Basel . [30]
Oppenheim comenzó a trabajar como conservadora de arte en 1944, durante un episodio depresivo que duró dieciocho años. Oppenheim era conocida por luchar con su conciencia de la opresión de las mujeres en la sociedad. Oppenheim también se vio afectada cuando su padre tuvo que huir a Suiza antes de la Segunda Guerra Mundial debido a su apellido judío; sus credenciales y formación como médico también fueron desacreditadas, dejándolo sin empleo. Como resultado, Oppenheim necesitaba dedicarse a la conservación para obtener alivio financiero y emocional. Ella veía las obras que produjo en esta época de su vida como imaginativas y "proyecciones de su fantasía". [11]
Oppenheim mantuvo un estudio en Berna desde 1954 y vivió allí permanentemente desde 1967 hasta su muerte. [11]
En la década de 1950, Oppenheim entabló amistad con Arnold Rudlinger, director del Kunsthall de Berna. Los variados programas y exposiciones del Kunsthall de Berna situaron a Oppenheim en un estimulante entorno artístico que le permitió explorar las tendencias artísticas internacionales mientras trabajaba junto a Dieter Roth, Daniel Spoerri y Markus Raetz. [11]
En 1956, Oppenheim diseñó el vestuario y las máscaras para la producción de Daniel Spoerri de la obra de Picasso Le Désir attrapé par la queue en Berna. Ella y la artista Lilly Keller fueron elegidas para el papel de teloneros. Tres años después, en 1959, organizó un banquete de primavera (Le Festin) en Berna para algunos amigos en el que se sirvió comida sobre el cuerpo de una mujer desnuda. La exhibición causó controversia, ya que Oppenheim fue acusada de tratar el cuerpo femenino como un objeto para ser devorado. [15] Con el permiso de Oppenheim, Andre Breton volvió a representar la performance más tarde ese año en la inauguración de la Exposition inteRnatiOnale du Surrealisme (EROS), en la Galerie Cordier en París. Fuera de su entorno íntimo original, la performance fue demasiado provocativa y Oppenheim sintió que su intención original para la obra se perdió. [31] Oppenheim sintió que el surrealismo cambió después de la Segunda Guerra Mundial y nunca volvió a exponer con los surrealistas. [15]
En la década de 1960 Oppenheim se distanció de los surrealistas. Sentía que pertenecía a la generación de posguerra, que era más joven. Oppenheim era notablemente “fiel a sí misma” y abordaba temas novedosos en su obra con un “lenguaje pictórico fresco”. A pesar de esto, Oppenheim nunca tuvo sus propios estudiantes, pero a veces asesoraba a artistas más jóvenes. En 1968 Oppenheim realizó una exposición individual en la Galerie Martin Krebs en Berna. [11]
En 1982 Oppenheim ganó el Premio de Arte de Berlín y apareció en la exposición documenta 7 de Rudi Fuchs . En ese año se publicó Meret Oppenheim: Defiance in the Face of Freedom y la comisión de arte de Berlín le encargó que hiciera una fuente pública. Su fuente se fundió en 1983 y tuvo críticas mixtas del público. Debido a que se ilumina por la noche, los periódicos la llamaron un "faro" y "una monstruosidad". Con el tiempo, se cubrió de algas y musgo, lo que permitió que el público la aceptara. [11] En 1983, Oppenheim también participó en una exposición itinerante a través del Instituto Goethe en Italia. En 1984 tuvo una exposición individual en Kunsthalle Bern en Suiza junto con el Musee d'Art Moderne en París, Francia. Por lo tanto, Oppenheim fue una de las únicas "artistas femeninas de su generación en ser reconocidas internacionalmente mientras estaba viva". [11]
Después de que Oppenheim se mudara a París, sus primeros contactos fueron Alberto Giacommetti y Hans Arp. Luego conoció a Marcel Duchamp y Man Ray, y en 1936 le pidieron que exhibiera su trabajo en una muestra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. [13] Sus pinturas se colgaron junto a las de las escenas artísticas de París y Nueva York, incluidos Salvador Dalí y Giacommetti. [13] Después de la exposición de Object, Man Ray ungió a Oppenheim como "la 'musa' del surrealismo".
Oppenheim encajó con los surrealistas porque buscaba "aceptación y aprobación para la forma en que vivía su vida". [13] Era escéptica respecto de cualquier ideología concreta, y el surrealismo le permitió experimentar dentro de su arte. [13] Esto es evidente en su pintura Figura sentada con las manos cruzadas , que ha sido descrita como "sin sexo, sin rasgos, sin lugar... un retrato de la actitud de su creador". [13]
Oppenheim experimentó con diversos estilos a lo largo de su carrera, incluso cuando se identificaba como surrealista. Experimentó con el “surrealismo verista” y tenía una cualidad de apertura que le permitió a su trabajo mantener su relevancia. [11] A diferencia de otros surrealistas que veían los sueños como una forma de desbloquear el subconsciente, Oppenheim utilizó la pintura y sus sueños como una “analogía de sus formas (las del subconsciente)”. Del mismo modo, Oppenheim utilizó símbolos versátiles, en parte influenciados por Carl Jung, que proporcionaban misterio y ambigüedad. De manera similar, a diferencia de otros surrealistas, Oppenheim utilizó símbolos con un “impacto fluido y cambiante” y produjo obras que eran cohesivas a través de ideas frecuentes y organizadas en lugar de un lenguaje formal. Para dirigir a los espectadores hacia su significado, titulaba estratégicamente sus obras. [11]
No obstante, el Objeto de Oppenheim persiste como un ejemplo de “fetichismo surrealista”, ya que su función sigue a su forma; la piel de la taza la hace no funcional. [11]
En 1936, al comienzo de su carrera, Oppenheim fue incluida en dos importantes exposiciones surrealistas fuera de París: The International Surrealist Exhibition , New Burlington Galleries , Londres y Fantastic Art Dada Surrealism , The Museum of Modern Art, Nueva York.
En 1943, la obra de Oppenheim fue incluida en la muestra de Peggy Guggenheim Exhibition by 31 Women en la galería Art of This Century de Nueva York. [32]
La primera retrospectiva de Oppenheim fue presentada por el Moderna Museet Stockholm en 1967. En Suiza, su primera retrospectiva se llevó a cabo en el Museum der Stadt, Solothurn (1974) y viajó al Kunstmuseum Winterthur y al Wilhelm-Lehmbruck Museum , Duisburg, Alemania en 1975.
En 1996, el Museo Solomon R. Guggenheim montó la primera gran muestra de Oppenheim en un museo de los Estados Unidos en un momento en el que ya había comenzado en Europa un renovado interés por su obra, en particular entre los artistas jóvenes. [33] En 2013, se inauguró una retrospectiva integral de la obra de Oppenheim en el Martin-Gropius-Bau de Berlín, que reunió pinturas, bocetos, esculturas, máscaras, ropa, muebles y joyas de la artista. Entre los prestamistas se encontraban el cantante David Bowie , la magnate minorista y comerciante de arte suiza Ursula Hauser y el magnate holandés de diamantes Sylvio Perlstein. [34] En 2022, el MoMA organizó una exposición retrospectiva que destacó la producción continua de Oppenheim a lo largo de su dilatada carrera. [35]
Oppenheim recibió el Premio de Arte de la Ciudad de Basilea el 16 de enero de 1975. En su discurso de aceptación, Oppenheim acuñó la frase "La libertad no te es dada, tienes que tomarla". [36] En 1982, tres años antes de su muerte , recibió el Berliner Kunstpreis 1982. [37]
En 2019, Basilea inauguró una plaza, una calle, una fuente y un edificio de apartamentos de gran altura (obra de Herzog & de Meuron ) [38], todos ellos con el nombre de Oppenheim en el centro de la ciudad. La gran fuente presenta su escultura Spirale (der Gang der Natur) [39] .
Oppenheim ha sido considerada como una figura de “identificación feminista” para el movimiento de mujeres y un modelo a seguir para las generaciones más jóvenes debido a su “actitud sociocrítica y emancipadora”. En 1975 Oppenheim dio un discurso en “la presentación del Basler Kunstpreis” y pidió directamente a las mujeres “que demostraran a la sociedad la invalidez de los tabúes adoptando formas de vida no convencionales” y utilizaran su intelecto como una fuerza creativa sin miedo. [11]
Oppenheim, que murió en 1985 a los 72 años, llevaba minuciosas notas sobre los mecenas y colegas que le gustaban y dónde acababan sus obras. Ella dictaba qué escritos debía publicar y cuándo, y hay lagunas desconcertantes, ya que destruyó parte del material. El archivo y gran parte de las obras de arte han sido confiadas a instituciones de Berna, entre ellas el Museo de Bellas Artes y la Biblioteca Nacional. [34]
Levy Galerie, fundada en 1970 por el residente de Hamburgo Thomas Levy, representa el patrimonio de Meret Oppenheim, en estrecha colaboración con la familia de la artista.
El 6 de octubre de 2017, Google celebró su 104º cumpleaños con un Google Doodle . [40]
En 2018, Oppenheim fue el tema de un breve documental de Cheri Gaulke , Gloria's Call.
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