Marguerite Humeau (nacida en 1986) [1] es una artista visual francesa que vive en Londres .
Humeau creció en Beaupréau , Francia , en 1986. Su madre es pintora y llevaba a Humeau a museos y galerías cuando era niña.
Humeau estudió en la École des Arts Appliqués (ENSAAMA) de París y luego estudió en la Design Academy de Eindhoven antes de ser aceptada en el programa de Máster en Diseño e Interacciones, dirigido por Dunne & Raby , en el Royal College of Art de Londres. Humeau cita este programa como una experiencia clave que inspiró sus metodologías artísticas. La naturaleza interdisciplinaria del programa y sus estudiantes permitieron que el diseño y la creación se consideraran como fuentes de información para cuestiones esenciales sobre nuestra relación como humanos con los avances tecnológicos, y como una forma de abordar de manera creativa el diseño futuro de naturaleza crítica o especulativa. Este enfoque de la investigación artística inspiró el método de trabajo de Humeau, que tiene como objetivo abordar los grandes misterios de la existencia humana mediante el empleo de métodos de investigación extensivos con expertos especializados, científicos y personas que poseen formas de conocimiento tradicionales, orales o casi extintas. Las especulaciones de Humeau sobre la existencia de mundos extintos, presentes paralelos, paisajes mentales perdidos o futuros que aún no han llegado y los aspectos que los conectan con el nuestro animan al público a plantearse preguntas en torno a lo que significa ser humano.
La galería que representa a la artista, White Cube , escribe que la obra de la artista "abarca desde la prehistoria hasta mundos futuros imaginados; Marguerite Humeau abarca grandes distancias en el espacio y el tiempo en su búsqueda de los misterios de la existencia humana. Insufla vida a cosas perdidas, ya sean formas de vida que se han extinguido o ideas que han desaparecido de nuestros paisajes mentales. Al llenar los vacíos del conocimiento con especulaciones y escenarios imaginados, su objetivo es crear nuevas mitologías para nuestra era contemporánea". [2]
Humeau comenzó a trabajar en esta serie como su proyecto de graduación de la RCA. Humeau tenía como objetivo devolver a la vida las canciones de criaturas prehistóricas ( Mammoth Imperator (-4,5 MYA), Entelodont también conocido como Terminator Pig (-25 MYA), Ambulocetus " Walking whale " (-50 MYA), así como Lucy ( Australopithecus Afarensis (-3 MYA)) reconstruyendo la laringe de cada criatura y haciendo eco de sus voces dentro de sus esculturas insuflándoles aire. [3] [4] Lucy , de su Opera of Prehistoric Creatures, se incluyó en The Universal Addressability of Dumb Things [5] curada por Mark Leckey en 2013.
A través de conversaciones con paleontólogos , zoólogos y radiólogos , Humeau fusionó ecosistemas olvidados con el nuestro, llenando las ausencias causadas por la extinción. Humeau colaboró con el desarrollador de audio Julien Bloit para que las criaturas pudieran escucharse entre sí y generar canciones cada vez más complejas a medida que evolucionaban durante el tiempo de la exposición. [4]
Echoes fue una obra que abordó cuestiones sobre lo que significa explorar el espectro entre la vida y la muerte, y cómo estas divisiones entre reinos se vuelven más complicadas a la luz de los avances tecnológicos. Para Echoes , el espacio de exhibición se "transformó en parte templo, parte laboratorio para la producción industrial de un elixir para la vida eterna". [6]
Humeau resucitó la voz de la reina Cleopatra para cantar a capela una canción de amor de su época en los nueve idiomas que ella hablaba y que hoy están todos extintos. De esta manera, Humeau exploró lo que significa estar vivo sin un cuerpo físico, y hasta qué punto se puede abstraer el cuerpo físico, o si uno puede existir sin una envoltura física. [3]
La instalación también contó con dos esculturas inspiradas en dos dioses del Antiguo Egipto relacionados con la fertilidad, Wadjet (King Cobra) y Taweret , reimaginados como animales en una cadena de producción. Wadjet (King Cobra) se inyectaba su propio veneno para crear su propio antídoto, y Taweret producía un elixir de vida a partir de varios fluidos corporales animales, como la leche de hipopótamo . Humeau utilizó veneno mortal de pitón mamba negra amarilla para cubrir todo el espacio de la galería, haciendo referencia a la muerte de Cleopatra. Esta exposición fue un momento clave para el artista y se mostró nuevamente en la Tate Britain en 2017-2018.
FOXP2 de Humeau fue una serie de obras que se exhibieron en el Palais de Tokyo para la primera muestra del artista en un museo. [7] La instalación se basó en la investigación sobre las evoluciones genéticas que permitieron a los humanos desarrollar el lenguaje y la mutación única del gen FOXP2 que supuestamente distingue a los humanos de los animales no humanos. Para esta muestra, Humeau creó una instalación de dos partes . [8]
La primera parte se titulaba La historia de la humanidad. Una voz artificial hace beatboxing sobre el origen del lenguaje humano antes de unirse a un coro de 108 mil millones de voces . Este es el número de humanos que han vivido en la Tierra desde el comienzo de la humanidad, hace 100.000 años. La voz se escucha como si estuviera metamorfoseándose tras la mutación del gen FOXP2 y sigue a los visitantes por los pasillos de la exposición, evocando las experiencias humanas en la Tierra a través de paisajes naturales y el nacimiento del lenguaje. Parece deambular por el laberinto a través del cual los humanos acceden al segundo capítulo de esta instalación, que Humeau llamó una "sala de exposición biológica". [9]
En este segundo capítulo, Humeau imaginó un mundo especulativo en el que este gen no se desarrolló en humanos sino en elefantes . Presentado en torno al evento central de la muerte de una matriarca de elefante, Humeau exploró las diversas formas en que su ecosistema imaginado se formaría en torno al duelo colectivo . Mientras el latido del corazón moribundo de la matriarca de elefante marcaba el ritmo del velorio de la familia del elefante, cada miembro de su familia reunido a su alrededor estaba desarrollando formas sofisticadas de lenguaje, emociones y comportamiento.
Rebecca Lamarche-Vadel encargó a Humeau la instalación de un pulmón artificial en un apartamento incendiado de París. El pulmón contenía vitamina B12 , una vitamina que se suele administrar a las personas que sufren las secuelas de haber estado en un incendio.
La muestra Éxtasis de Humeau en el Kunstverein de Hamburgo, que se realizó en secuencia con la exposición Canal de nacimiento en el New Museum en 2018-2019, amplió el interés del artista por interactuar con culturas y ecosistemas extintos. La investigación realizada por la antropóloga Bethe Hagens fue una inspiración principal para esta serie de obras. En particular, la tesis de Hagens de que las figuras de Venus del Paleolítico pueden no haber sido piezas de arte, sino recetas para la ingestión de varios cerebros animales que se suponía que contenían sustancias psicoactivas. Las esculturas creadas navegaron por las transformaciones entre el cuerpo femenino terrenal, lo divino y lo animal.
Cada figura esculpida tenía una voz asociada que se recreaba a través del canto a capela como si se tratara de una sesión espiritista . Se pidió a los cantantes que encarnaran elementos naturales o sonidos de animales para actuar y llevar su voz al límite de la envoltura física de sus cuerpos. La exposición también incluyó diagramas y obras en papel que exploraban más a fondo estos viajes chamánicos y sus efectos en la actividad cerebral. La instalación se montó como una reconstrucción de un trance temprano, y el sistema de calefacción del museo se conectó al "cerebro" de la exposición, sincronizando las voces e invitando al público a hacer lo mismo. Se colocaron colchones especialmente diseñados por todo el espacio y se diseñaron notas largas y de frecuencias específicas para que los humanos se sumergieran en un estado de meditación.
Esta serie de trabajos explora cómo los efectos desastrosos del cambio climático y las muertes masivas que este fenómeno causa en el reino animal podrían impulsar a los animales no humanos a volverse espirituales. Humeau cuestiona las facetas de la humanidad que se han utilizado para diferenciarnos de otros animales e interroga si son legítimas, haciendo referencia a los comportamientos de los animales no humanos que podrían indicar una comprensión de la espiritualidad que ya existe en el reino animal. Como se destaca en la entrevista de Studio International con el artista, la muestra de Humeau High Tide en el Centro Pompidou en 2019 continuó estos temas y mostró una serie de mamíferos marinos, bailando y rezando. [3] Uno de ellos, titulado The Myth Teller , era un mamífero marino invisible, al que se escuchaba viajar por el espacio, que usaba un lenguaje atribuido a las ballenas y delfines con los que estamos familiarizados, chasquidos y silbidos, para reaccionar a una gran inundación imaginada inducida por los humanos que creó su sociedad.
La serie Migraciones de Humeau consistió en tres esculturas a gran escala exhibidas en la 59.ª Exposición Internacional de Arte de La Biennale di Venezia, The Milk of Dreams, curada por Cecilia Alemani en 2022. En relación con los temas que Humeau exploró con Mist and High Tide, Migrations explora las reacciones de los animales no humanos al cambio climático en el contexto veneciano con las tasas más altas de inundaciones que la ciudad haya visto en el siglo XXI. Las obras El Niño , La Niña y Kuroshio , llamadas así por las corrientes oceánicas, analizan el desplazamiento del agua y sus efectos en los ecosistemas. Estas obras se construyeron a partir de "resina y polímeros biológicos y sintéticos, sal, algas, algas marinas, huesos, pigmentos, polvo mineral, plástico oceánico, vidrio y acero inoxidable". [10]
Surface Horizon se exhibió en Lafayette Anticipations en 2021 y significó la incursión de Humeau en otros medios más allá de la escultura y el trabajo sonoro. Surface Horizon exploró ecosistemas olvidados y, en particular, hizo referencia a la idea del "horizonte superficial" como la capa de tierra debajo de la superficie donde ocurren transformaciones significativas en el mundo natural. Esta capa es donde la materia muerta en la superficie se descompone y renace, imaginada en este conjunto de trabajos como un lugar donde los humanos podrían encontrar respuestas para nuevas formas de estar en el mundo.
La inspiración de Humeau para esta obra incluye la doctrina de las firmas , la idea de que las plantas que se asemejan a ciertas partes del cuerpo podrían usarse para tratar dolencias específicas. Humeau estudió esta teoría de cerca con la ayuda de Julia Graves. La exposición contó con un clarividente que guiaría a los visitantes a través de sus propios "horizontes de superficie", reimaginando la capa del suelo como un lugar psicológico. Los invernaderos también albergaban plantas, las llamadas "malas hierbas", que son bioindicadoras , comparadas con oráculos por el artista, ya que predicen el futuro de los paisajes en los que crecen. Humeau también se conectó con la recolectora Lucia Stuart para crear un elixir titulado "¿Qué está dormido en ti?" y lo acompañó con un juego de té desde el que se podía servir. Humeau también creó una serie de dibujos al pastel que comparó con "mancias", visiones de seres en plena metamorfosis en el Horizonte de la Superficie.
Rise fue el primer encargo de Humeau para un lugar específico, realizado para el Parque de Arte Sandretto Re Rebaudengo y ubicado en la cima de la colina de San Licerio junto a las viñas de Nebbiolo que producen las uvas que se utilizan en la producción de vino. El trabajo de Humeau se basó en investigaciones realizadas en el área local y en la anatomía botánica de las flores de una vid. [11] [12] [13]
La anatomía hermafrodita de la subespecie de flor Sativa implica que los elementos masculinos y femeninos convergen una vez que se recogen las flores. [13] Rise reimagina este encuentro, una experiencia que se traduce en una escultura monumental y queer pintada a mano por Humeau en tonos de vinos locales, que hace referencia a un "árbol de la vida". [14] La investigación de Humeau para el proyecto implicó conversaciones con productores de vino, curanderos, geólogos y especialistas en tradiciones alquímicas, energías renovables y botánicos.
Este conjunto de trabajos amplió los temas explorados en Surface Horizon , como la " doctrina de las firmas ", y exploró las conexiones entre las plantas y los remedios herbales o elixires. El comunicado de prensa de la exposición destaca la elección de Humeau de "organismos que pueden actuar como nuestros guías... conectándolos aún más con las emociones humanas que no tienen un denominador lingüístico". [15] Inspirado por el Dictionary of Obscure Sorrows de John Koenig , las formas en que existimos, cómo sentimos emociones que no están definidas y que no entendemos son las intersecciones que Humeau pretende descubrir. Este punto en la carrera de Humeau marcó la introducción de materiales naturales y en descomposición en las obras del artista.
La exposición de Humeau en White Cube , Londres, exploró las formas de vida que perdurarían más allá de la existencia humana. Inspirado por insectos como las termitas que viven en comunidades colectivas, Humeau reflexionó sobre cómo los humanos podrían aprender de las sociedades de insectos. La exposición se dividió en tres salas.
La primera sala exhibió una obra de cerámica producida en "colaboración" con el artista fallecido Adam Kossowski . Su escultura, The History of Old Kent Road (1965), se colocó afuera del Centro Cívico de Peckham, que ahora será demolido. Humeau utilizó el programa de inteligencia artificial GPT3 para recrear conversaciones con Kossowski, estableciendo colaboraciones en el más allá en un momento en que el centro estaba a punto de dejar de existir. La obra reunió la noción de comunidad colectiva, un tema central en toda la exposición. Los azulejos para un nuevo panel de cerámica se realizaron en colaboración con un centro comunitario de cerámica.
El segundo capítulo, que se desarrolla en un túnel abierto entre dos de las galerías, muestra una película producida en colaboración con Dall-E AI , que examina las danzas rituales de las termitas alrededor de un hongo espiral y permite a los visitantes seguir sus recorridos. Como se detalla en el comunicado de prensa, esta parte de la obra se titula Efervescencia colectiva en referencia a la noción de Émile Durkheim de una sociedad que se une a través de "un pensamiento común, para participar en una acción comunitaria". [16]
En la tercera sala, se invitó al público humano a experimentar un futuro en el que nos hemos convertido en cuerpos colectivos. Los "Guardianes", fundidos en cera de abejas y tallados en madera en varios estados de descomposición, fueron testigos de una reunión de cuerpos colectivos inspirada en la arquitectura natural. Inspirándose en los nidos de abejas y avispas , así como en los termiteros, la obra tiene como objetivo final hacer que el espectador sea testigo de un ecosistema en constante evolución que intenta encontrar el equilibrio. Los elementos de vidrio soplado a mano que sostenía cada Guardián contenían los ingredientes de un elixir de colectividad, como miel recolectada de la azotea de la galería, levadura antigua y nueva , veneno de avispa y Termitomyces , el hongo de las termitas. La pieza sonora de la exposición se realizó a partir de música grabada con un solo saxofón por Bendik Giske . Cada pieza se colocó en su propio bucle, lo que permitió que el azar se convirtiera en el actor principal en la sincronización de este ecosistema recién nacido.
Orisons fue un proyecto de land art en el Valle de San Luis de Colorado , EE. UU. , que abarcó 160 acres. Humeau transformó «una parcela de tierra no cultivable en un lugar de reverencia, honrando su extensa historia, ecosistema existente y futuros imaginables [17] ». Fusionó ecosistemas reales y mitológicos con una serie de ochenta y cuatro esculturas cinéticas y adivinatorias, inspiradas en la fauna y la flora locales. [18] «La obra de Humeau no tiene ningún interés en controlar o dominar el paisaje», dijo Emily Watlington en Art in America. [18] «Orisons celebra todas las vidas que han vivido en él, viven en él y vivirán en él. Se trata de la tierra y sus habitantes, visibles o invisibles. Se trata de celebrar las comunidades humanas y no humanas, todas las cuales son parte de la obra de arte». [19] Humeau colaboró con expertos en suelos y plantas del NRCS, expertos en grullas canadienses , miembros de la tribu Ute Mountain Ute de Towaoc, propietarios de tierras de Jones Farm Organics, miembros de la comunidad y geomantes que podían leer los paisajes. [20] [21] Después de reunirse con los geomantes, se le reveló a Humeau que había espíritus atrapados en este reino, vagando por la tierra, entre otros, una mujer que murió en la tierra en la década de 1850, así como los espíritus de los pueblos ancestrales . Humeau también recibió otras lecturas de la tierra y el lugar donde había líneas de agua, giros o portales a otros espacios y tiempos. Las esculturas adivinatorias de Humeau se colocaron, que recuerdan a las agujas de acupuntura en lugares específicos de la tierra, con la guía de los geomantes y otros expertos, con la esperanza de reactivar la tierra, sus historias y posibles futuros, e intensificar una red espacio-temporal que atraviesa los ecosistemas terrenales y espirituales. Otros posibles encuentros incluyeron: un entierro para un pájaro hecho de barro y flores secas, "pilas de ladrillos que Humeau llama "bancos" [18] construidos por el arquitecto Ronald Rael, escombros pintados, huesos dispersos, un guardaganado abandonado, ratones canguro y sapos cornudos, cardos rusos y semillas latentes, así como la infinita multitud de seres que han atravesado, atraviesan o atravesarán la tierra como uno la recorrió. Esto continúa la exploración de la cuestión de qué formas de vida sobrevivirán a los humanos. Las plantas que prosperan en las enormes sequías podrían verse como oráculos, y la tierra puede verse como un portal hacia el futuro que está a punto de suceder en nuestra vida debido a los efectos devastadores del cambio climático. En palabras del artista, la tierra "es la obra de arte, y quería celebrarla y celebrar a cada ser que la habita, así como reconectarla y a sus habitantes con sus presentes, pasados y futuros". [22]
Continuando su exploración de las cuestiones de la encarnación y la metamorfosis, Humeau trabajó con Shae Whitney de DRAM Apothecary para transformar la tierra en un elixir que los visitantes humanos pudieran absorber, consumiendo Orisons antes o al entrar en ella, con la esperanza de que ellos mismos se fusionaran con el paisaje. Inspirado por los " ungüentos voladores " que se dice que inducen visiones etéreas y sueños lúcidos , el elixir fue elaborado por Dram Apothecary utilizando plantas recolectadas en Orisons. El elixir contenía alcohol de grano, hierba dulce, cardo ruso , artemisa , milenrama , cenizo , esencia espiritual de pluma de grulla canadiense y esencia espiritual de polvo de dunas de arena .
Humeau también transformó la obra y le dio una tercera encarnación, un poema, una guía que permitiría a los visitantes que no podían experimentar la obra físicamente experimentarla en sus paisajes mentales.
Orisons fue producida y curada por Black Cube, un museo de arte nómada.
