Liz Deschenes (nacida en 1966) [1] es una artista y educadora contemporánea estadounidense. Su trabajo se sitúa entre la escultura y la imagen y se relaciona con la fotografía posconceptual y el minimalismo . [2] Su trabajo examina la fluidez del medio de la fotografía y amplía lo que constituye la visualización de una fotografía. Deschenes ha declarado que busca "permitir al espectador ver la inconstancia de las condiciones de visualización, que siempre están en juego pero a veces son difíciles de ver". [3] Su práctica no está ligada a una sola tecnología, método, proceso o tema, sino a los elementos fundamentales de la fotografía, como la luz, el papel, la química y el tiempo.
Ha enseñado en Bennington College y fue artista visitante en la Escuela de Artes Visuales de la Universidad de Columbia y en la Universidad de Yale . En 2019, ocupó la Cátedra Wolf de Fotografía en Cooper Union . Actualmente enseña en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York y es artista visitante de fotografía en Bard College . [4] [5] Vive y trabaja en la ciudad de Nueva York .
Deschenes nació en 1966 en Boston , Massachusetts , y creció en South Shore , una ciudad en gran parte homogénea y conservadora. Cuando era niña, se encontraba con frecuencia y quedaba fascinada con el Boston Gas Tank (Rainbow Tank) de la artista y activista Corita Kent , situado en un lugar destacado del paseo marítimo de Dorchester .
A mediados de la década de 1980, Deschenes se matriculó en la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD), con la intención de estudiar pintura o arquitectura, pero finalmente cambió su enfoque hacia la fotografía. [6] El estilo pedagógico de RISD en ese momento era muy conservador y había pocas mujeres docentes en el departamento de fotografía. Como resultado, Deschenes buscó otros contextos para involucrarse con el feminismo, la política queer y el activismo contra el SIDA, examinando el poder de la representación dentro del medio de la fotografía. [7] Deschenes se graduó de RISD en 1988 con una licenciatura en fotografía. [8]
Deschenes trabajó en laboratorios de fotografía como técnica a lo largo de su carrera como artista joven, convirtiéndose en experta en procesos de impresión químicos y analógicos. En esta capacidad, también trabajó extensamente documentando las obras de arte de otros, lo que influyó en su noción de mediación y las condiciones de producción y exhibición. [7] En 1997, Deschenes presentó Elevation #1-#7 (1997), un conjunto de siete impresiones monocromáticas por transferencia de tinte cuyos colores corresponden a los desarrollados por los cartógrafos para representar el rango de elevación de la Tierra. En el trabajo, utilizando el proceso de impresión en color por transferencia de color, que Kodak suspendió en 1994, Deschenes investiga los cambios tecnológicos en el medio. En 2001, influenciada por su visita a la convención de la Asociación Nacional de Locutores en Las Vegas, Deschenes creó su serie Blue and Green Screens (2001-2002), que puso en primer plano los fondos invisibles utilizados para efectos especiales en la producción cinematográfica.
Deschenes explora los materiales y las propiedades de la fotografía, la luz y la percepción, a menudo en relación con los entornos arquitectónicos en los que se muestran. [9] El curador y crítico Matthew Witkovsky ha escrito que el trabajo de Deschenes "va en contra de los términos básicos por los cuales se define convencionalmente la fotografía: instantaneidad, veracidad, fijeza o reproducibilidad". [10] Al mismo tiempo, Deschenes se involucra con el legado del Minimalismo , llamando la atención sobre las técnicas del observador mediante el despliegue de métodos y técnicas fotográficas antiguas como el fotograma y el daguerrotipo . [11] Deschenes "calibra sus obras según el sitio" para revelar la relación del espectador con el espacio, ya sea fomentando nuevos encuentros visuales o respondiendo e interrumpiendo el espacio arquitectónico. [7]
En 2007, Deschenes presentó su serie de fotografías titulada Moiré (2007) en la exposición "Registration" de la Galería Miguel Abreu . [12] Para el trabajo, Deschenes fotografió una hoja de papel perforado que filtraba la luz que entraba por la ventana y superpuso el negativo con un duplicado en una ampliadora para crear una imagen abstracta con ilusiones de movimiento. [7] Los muaré se combinaron con Red Transfer (1997), un díptico de impresiones monocromáticas por transferencia de tinte con sutiles diferencias de tono. La alineación de las matrices de las transferencias de tinte sirvió como contrapunto al error de registro en la serie Moirés . En una entrevista con Mousse Magazine en 2014, Deschenes señaló que la serie Moires buscaba "confundir" las limitaciones de hacer algo "con una propiedad en gran medida fuera de los límites de la fotografía y las expectativas que surgen al mirar una obra fotográfica". [13]
Dos años más tarde, en 2009, Deschenes creó Tilt / Swing (2009), una instalación de seis paneles de "espejos plateados" dispuestos en una configuración de 360 grados del suelo al techo. Se basó en un diseño de exposición no realizado concebido por Herbert Bayer , artista y arquitecto de la Bauhaus , en Los fundamentos del diseño de exposiciones. [14] Mientras que el esquema de Bayer buscaba ser "una imagen inclusiva de todas las posibilidades [de punto de vista]", la instalación de Deschenes resultó en una fragmentación del entorno circundante. [7] Al comentar el título de la obra, Matthew Witkovsky ha escrito que las palabras inclinación y balanceo evocan "cuestiones abstractas de punto de vista y manipulación, por ejemplo las formas en que el sujeto espectador se gira o enfoca en el entorno controlado de un museo". edificio." [15] Al mismo tiempo, la curadora Eva Respini ha señalado que además de la referencia a Bayer, es crucial considerar la influencia del arte conceptual y performance en Tilt / Swing , ya que la obra requiere una "activación física por parte del espectador". ". [7]
En su exposición de 2012-2013 en la Secession de Viena, Deschenes presentó una nueva serie de fotogramas, Stereographs 1-16 (2012). [16] En la instalación, Deschenes imitó la ilusión de espacialidad en los estereoscopios convirtiendo la galería en una cámara. Deschenes trasladó la entrada de la galería a una puerta lateral exterior que no se utilizaba anteriormente, conduciendo a los espectadores a través de un largo pasillo ( el visor ) hasta dos salas adyacentes ( la estereografía ). Cada habitación contenía cuatro estereografías del mismo tamaño. Johanna Burton afirmó que las estereografías "deben verse no sólo como un contexto que dilata e insiste en la ocupación espacial, sino también como un movimiento especulativo: en desarrollo ". [17]
En 2014, por invitación del Walker Art Center en Minneapolis, Deschenes creó Gallery 7 (2014), una instalación site-specific compuesta por tres elementos: once fotografías en marcos independientes; tres líneas horizontales grabadas en las paredes de la galería; y la luz natural de los ventanales del suelo al techo. Los marcos independientes se ubicaron en el centro del espacio, trasladando la experiencia visual desde las paredes hacia las ventanas. La exposición estuvo abierta durante un año, durante el cual las condiciones de luz cambiaron y fomentaron la oxidación de los fotogramas fotosensibles. Las proporciones de las fotografías, además, se basaron en las de una ficha, en referencia al c . 7.500 exposiciones de arte conceptual realizadas por mujeres artistas en el Walker Art Center en 1973. [18] En 2014, Deschenes recibió el prestigioso Premio de Arte Rappaport. Establecido en 2000, el Premio Rappaport es un premio de arte anual presentado a un artista contemporáneo con fuertes conexiones con Nueva Inglaterra por el Parque y Museo de Esculturas deCordova a través del apoyo de la Fundación Phyllis y Jerome Lyle Rappaport.
En 2018, Deschenes realizó su exposición Rates (Fotogramas por segundo) en la Galería Miguel Abreu. En la instalación, Deschenes tomó como punto de partida los experimentos protocinemáticos de Étienne-Jules Marey y presentó dos series, FPS (frames per second) y FPF (frames per feet) . El FPS se cortó y montó directamente sobre tiras verticales de dibond, y el FPF se presionó en marcos horizontales delgados. Ambas series avanzaban al ritmo de los pasos del espectador, similar al movimiento del cuerpo captado en el tiempo por la cámara. El Brooklyn Rail describió la exposición como centrada no en "las condiciones atmosféricas o ambientales específicas que produjeron cada impresión", sino en "cómo se siente el tiempo ... y el peso específico que el tiempo puede tener en el espacio". [19]
Deschenes ha expuesto extensamente en los Estados Unidos y en el extranjero, incluidas exposiciones individuales en ICA/Boston (2016), MASS MoCA en North Adams, MA (2015), Walker Art Center en Minneapolis (2015), Campoli Presti en París [20] y Londres (2013), [21] Secession, Viena (2012), Sutton Lane, Bruselas (2010) y Galería Miguel Abreu de Nueva York (2009). [10] Su primera presentación individual en un museo estadounidense, "Liz Deschenes: Gallery 7", estuvo expuesta en el Walker Art Center de noviembre de 2014 a octubre de 2015 y fue curada por Eric Crosby. [22]
El trabajo de Deschenes ha sido incluido en numerosas exposiciones colectivas en el Whitney Museum of American Art , [8] Musee d'Art Moderne , el Centre Pompidou y Extra City Kunsthal en Amberes. Su trabajo también apareció en "Sitios de la razón: una selección de adquisiciones recientes" en el Museo de Arte Moderno (2014), "¿Qué es una fotografía?" en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York (2014), y "Cross Over. Photography of Science + Science of Photography" en Fotomuseum Winterthur , Suiza (2013). [10] Deschenes también apareció en la Bienal Whitney de 2012 [23] [8] y "Parcours" (2012), [24] una exposición para dos personas en el Instituto de Arte de Chicago que fue co-curadora con Florian Pumhösl y Matthew. Witkovski.
Entre las monografías recientes dedicadas al trabajo de Deschenes se incluyen Liz Deschenes (Boston: The Institute of Contemporary Art, 2016) [25] y Liz Deschenes, Secession (Viena: Secession, Berlín: Revolver, 2012). [26]
La obra de Deschenes se encuentra en las colecciones del Centro Pompidou en Francia, el Museo de Arte Moderno de San Francisco , el Museo de Arte Moderno , el Museo Metropolitano de Arte , el Museo Whitney de Arte Americano y el Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York. York , así como el Instituto de Arte de Chicago , el Centro de Arte Walker en Minneapolis, el ICA/Boston , el Museo de Arte CCS Bard Hessel , el Museo de Arte de Milwaukee , el Museo de Arte Corcoran y el Museo y Jardín de Esculturas Hirschhorn en Washington, CC [10]
El Instituto de Arte Contemporáneo de Boston mostró el primer estudio completo de su trabajo en 2016. [27]
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