Laurie Hogin (nacida en 1963) es una artista estadounidense, conocida por sus pinturas alegóricas de animales y plantas mutantes que reelaboran los tropos y estilos exigentes del arte neoclásico para criticar, parodiar o llamar la atención sobre mitologías contemporáneas e históricas, sistemas de poder y experiencia y variedad humanas. [1] [2] [3] Ha expuesto a nivel nacional e internacional, incluso en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago , el Centro Internacional de Impresión de Nueva York y el Centro de Artes Contemporáneas de Cincinnati. [4] [5] Su obra pertenece a las colecciones de arte de la Biblioteca Pública de Nueva York , la Fundación MacArthur , la Galería Addison de Arte Americano y el Museo Estatal de Illinois , entre otros. [6] [7] [4] [5] El crítico Donald Kuspit describió su trabajo como pintado con "una belleza engañosa y astuta" y "sardónicamente agresivo" en su uso de animales sustitutos para criticar a la humanidad; [8] Ann Wiens caracterizó sus "composiciones agitadas de flora y fauna apenas controladas" como "un empleo astuto de conceptos históricos del arte sobre la belleza por su potencial subversivo". [9] Hogin es profesora y directora del Programa de Arte de Estudio en la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign . [10]
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Laurie Hogin nació en Chicago , Illinois en 1963. [4] Creció en Cos Cob, Connecticut , atraída por los bosques cercanos, los dioramas de historia natural y, en la escuela secundaria, por el activismo ambiental. [11] [12] [13] [14] Estudió arte y antropología cultural en la Universidad de Cornell (BFA, 1985), antes de inscribirse en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 1986 (MFA, 1989). [11] [5] En su último año allí, pintó su primer cuadro de animales, haciendo conexiones entre una imagen enciclopédica de conejos, conejitas de Playboy y representaciones culturales de mujeres, que prepararon el escenario para lo que sería su obra característica. [11]
Poco después de graduarse, Hogin comenzó a exponer en la Peter Miller Gallery (Chicago, 1989-2015) y en exposiciones en el Art Institute of Chicago, el New Museum , el Portland Art Museum , el Chicago Cultural Center y el Illinois State Museum, todas entre 1990 y 1996. [15] Después de su primera exposición individual en Peter Miller (1990), pronto le siguieron otras en el Mint Museum (1992), el Kohler Arts Center (1993) y Littlejohn Contemporary (Nueva York); [5] [16] también ha expuesto regularmente en Koplin Del Rio (Los Ángeles/Seattle, 1999–), Schroeder Romero (Nueva York, 2003–11), Tory Folliard (Milwaukee, 2004–) y Opus Art (Newcastle, 2007–15). [17] [18] Se han realizado encuestas de carrera en el Evanston Art Center (1997) y el Cedar Rapids Museum of Art (2007). [4] [19] Hogin se unió a la facultad de la Escuela de Arte y Diseño de la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign en 1997, donde se desempeñó como profesora, presidenta del Programa de Pintura y Escultura (2012-7) y presidenta del Programa de Arte de Estudio (2017-). [10] El trabajo de Hogin ha sido revisado en Artforum , [20] Art in America , [21] Juxtapoz , [13] Arts Magazine , [22] New Art Examiner , [23] Los Angeles Times , [24] y Chicago Tribune , [25] entre otras publicaciones. [26] [27] Sus obras de arte también han sido publicadas en Harper's Magazine (varios números), The Stranger , The Bear Deluxe y Lapham's Quarterly , entre otros. [28] [29] [30] [31] Hogin tiene su base en la zona rural del centro-este de Illinois, donde vive con su esposo, el fotógrafo y cineasta Greg Boozell, y su hijo.
El trabajo de Hogin emplea técnicas, vocabularios y códigos visuales de la historia de la pintura y la cultura visual: naturalezas muertas holandesas del siglo XVII, paisajes naturalistas ingleses del siglo XVIII, retratos barrocos , cuadros históricos románticos franceses , exhibiciones naturales y más. [32] Los usa para crear escenas mordaces, tipo diorama, que critican, parodian y, a veces, proponen alternativas a problemas culturales y sociales contemporáneos o celebran aspectos de la experiencia humana. [2] [1] [33] Ella cambia estos géneros con lienzos pintados de manera exuberante y completamente investigados cuyos elaborados conceptos visuales presentan protagonistas animales surrealistas y mutados (por ejemplo, conejos gruñendo con pieles de tigre, monos chillones o caimanes albinos) elegidos por sus asociaciones alegóricas y paisajes tóxicos y cubiertos de vegetación. [34] [3] Los críticos, como Susan Snodgrass, sugieren que Hogin emplea una táctica de "cebo y cambio", atrayendo a los espectadores con una técnica virtuosa y luego insertando una crítica cultural subversiva, a menudo dura, transmitida a través de sus criaturas fantásticas y antropomorfizadas, alegorías mordaces y texto irónico y artificio decorativo. [2] [12] [35] La escritora Maureen Sherlock alinea el enfoque irónico de Hogin con la sátira, la caricatura y los proyectos surrealistas e ilustrados de desenmascarar ideologías y códigos de representación. [3]
En sus primeras pinturas, Hogin reelaboró las convenciones de la pintura alegórica romántica que imbuía a los animales y la naturaleza con símbolos de tranquilidad, inocencia y armonía con la humanidad, sustituyéndolos por bestias insolentes que la crítica Kathryn Hixson sugirió que desafiaban un sentimentalismo que a menudo servía de tapadera para la explotación de la era industrial. [1] [2] Obras monumentales como Posse y War (ambas de 1991) mostraban animales salvajes gruñones, ceñudos y sonrientes dispuestos en cuadros históricos o heroicos cuyas composiciones derivaban de obras de artistas como Gainsborough o Copley . [3] [21] [36] Hogin rodeó estos lienzos narrativos con marcos irónicos hechos a mano de chapa de madera y pan de oro, inscripciones cursivas que citaban panegíricos románticos de la época a la tierra y listas de contaminantes químicos. [21] [1] [2] Art in America describió la obra como "paradójicamente monstruosa y hermosa"; [21] James Yood escribió: «El caos ecológico que Hogin postula […] es exuberante y fecundo; sus animales son una especie de compendios, ultracriaturas con una belleza casi enfermiza» presentadas «en un estilo casi documental». [36]
Hogin pasó a un espectro más amplio de temas políticos a mediados de la década de 1990, que incluía el imperialismo, la representación de las mujeres, el patriotismo y el consumismo. [2] [34] [37] En Riquezas de los cuatro grandes ríos de la Tierra (1995) reemplazó las ninfas de Rubens con bestias mutantes; [3] su serie de obras más pequeñas, "Pinup Bunnies" (1994) parodiaba composiciones de Manet , las odaliscas distorsionadas de Ingres y poses de la revista Playboy en retratos de conejitas rosas inscritas con apodos femeninos despectivos, como "tomate" o "magdalena". [2] [3] [13] Su serie "Alegorías de la lealtad a la marca" (1995) cuestionó el marketing actual y la mercantilización de la vida privada con actualizaciones de la vanitas flamenca —que históricamente representaba la inutilidad del placer y la riqueza y la fugacidad de la vida— presentando monos gruñones (símbolos de larga data de la lujuria, la locura, la vanidad y la imitación ciega) e inscripciones de marcas corporativas, como Nike, Elle y ABC News. [34] [13] [38]
En la década de 2000, Hogin se centró con frecuencia en la interacción entre los impulsos humanos, la biología evolutiva y el consumismo, [35] en un trabajo que adoptó cada vez más la paleta sintética y fluorescente de los juguetes y dibujos animados para niños, la psicodelia y el marketing global. [11] [20] [39] [40] La serie "Alegoría de la psicodemografía: 24 productos de marca que mi familia usa en un día típico de verano" (2006) examinó los bienes de consumo, desde Ambien hasta la pasta de dientes, al igual que la posterior "Trilogía del azúcar"; Dos exposiciones individuales en Nueva York ("Neuromantic Evening, Psychotropical Paradise" y "Monkey Brains", ambas de 2008) comentaron los efectos de la psicofarmacología en la vida contemporánea con representaciones de monos aturdidos y armados, reptiles fluorescentes y una instalación de 100 retratos de conejillos de indias mutantes con rasgos rabiosos y abrigos radiactivos, llamada What Ails Us: The 100 Most-Prescribed Pharmaceuticals in the Nation . [41] [20] [40] [19] En 2017, James Yood escribió sobre las parábolas apocalípticas sobresaturadas en su espectáculo, "Implacable Demons and Better Angels" (por ejemplo, Portrait of a Startled Rabbit Near a Culvert , 2016), "Hogin ve en todas partes una corrupción agradable, un reino animal tan vertiginoso en su salvajismo y maldad que solo los adornos de una belleza sobrecargada e invernal podrían describirlo". [33] [42]
Aunque Hogin es más conocida por su pintura, ha creado obras escultóricas y en tela, así como dibujos y grabados. [43]
Los escritos publicados de Hogin incluyen ficción, reseñas críticas y ensayos, [44] [45] y capítulos en las publicaciones Painters on Painting , The Figure (2014), Living and Sustaining a Creative Life (2013) y The Artists' and Writers' Cookbook (2016), entre otras. [46] [47] [48] [49]