Knoxville: verano de 1915 , op. 24, es una obra de 1947 para voz y orquesta de Samuel Barber , con texto de una breve pieza en prosa de 1938 de James Agee . La obra fue un encargo de la soprano Eleanor Steber , quien la estrenó en 1948 con la Orquesta Sinfónica de Boston bajo la dirección de Serge Koussevitzky . Aunque la pieza es tradicionalmente cantada por una soprano , también puede ser cantada por un tenor . El texto tiene la personalidad de un niño varón.
Knoxville: Verano de 1915 de Samuel Barber es una obra exuberante y de rica textura. Al poner música a extractos de "Knoxville: Verano de 1915", un poema en prosa de 1938 de James Agee que más tarde se convirtió en el preámbulo de su libro publicado póstumamente y ganador del Premio Pulitzer , Una muerte en la familia (1957), Barber pinta un paisaje idílico, Imagen nostálgica de Knoxville, Tennessee , el país natal de Agee . El preámbulo es una descripción sencilla y onírica de una tarde en el sur de Estados Unidos , narrada por un niño que, por momentos, parece transformarse en un adulto. A veces es difícil distinguir la identidad del hablante, lo que realza la calidad onírica de la obra.
Knoxville está ambientado en un solo movimiento y el compositor lo describió como "rapsodia lírica". [1] Se ajusta en términos generales al patrón "ABA" sugerido por el texto, y tiene una forma similar a un rondó , [2] con "varias secciones interconectadas, unidas con un estribillo recurrente". [3] La elección de Barber de componer en una forma relativamente libre a gran escala es paralela a la elección del propio Agee al desarrollar su trabajo; Ambos representan los frutos de una improvisación espontánea, alimentada por una nostalgia conmovedora:
Estaba muy interesado en la escritura de improvisación, en contraposición a la escritura de múltiples borradores cuidadosamente compuesta: es decir, con una especie de paralelo con la improvisación en el jazz, con un cierto tipo de letra "genuina" que pensaba que debería ser puramente improvisada... posiblemente tomó una hora y media; En cuanto a la revisión, me mantuve fiel en un 98 por ciento a mi regla, a favor de estos experimentos "improvisados", en contra de cualquier revisión.
— James Agee, "Notas del programa de la Orquesta Sinfónica de Boston" [4]
1915 fue un año importante para James Agee. Tenía seis años. Fue el último año que su familia estuvo intacta; su padre murió en un accidente automovilístico en 1916 y los miembros restantes de la familia abandonaron Knoxville para no regresar nunca. Según Agee, fue el punto en torno al cual empezó a evolucionar su vida. [5] [ página necesaria ] Después de que Barber y Agee se conocieron, Barber notó que los dos tenían mucho en común. [6]
Estamos hablando ahora de las tardes de verano en Knoxville, Tennessee, en la época en que viví allí disfrazado con tanto éxito cuando era niño. Era un bloque un poco mixto, de clase media baja bastante sólida, con uno o dos salientes a cada lado. Las casas correspondían: casas de tamaño mediano, de madera elegantemente decorada, construidas a finales de los años noventa y principios del siglo XIX, con patios delanteros y laterales pequeños y patios traseros más espaciosos, y árboles en los patios. [7]
Barber eligió sólo extractos de "Knoxville" para su composición, pero su Knoxville, verano de 1915 , en muchos sentidos, es paralelo al texto de Agee. Agee se sintió conmovido por la muerte de su padre en su infancia, mientras que Barber, durante el tiempo de composición, soportaba el deterioro de la salud de su padre. Los dos hombres tenían la misma edad. Sin embargo, lo más importante es que los dos hombres estaban tan impulsados por la nostalgia y la inspiración que (supuestamente) escribieron sus piezas rápidamente y sin mucha revisión. [6]
En una entrevista de radio de 1949, Barber dijo: “[M]i respuesta musical ese verano de 1947 fue inmediata e intensa. Creo que debí haber compuesto Knoxville en unos pocos días... Verás, expresa los sentimientos de soledad, asombro y falta de identidad de un niño en ese mundo marginal entre el crepúsculo y el sueño”. [3]
El texto de Knoxville, Verano de 1915 no cuenta una historia. Es una evocación poética de la vida vista desde la perspectiva de un niño pequeño. Está lleno de aliteraciones ("personas en parejas", "padres en los porches", "dormir, sonrisa suave", "a lo largo del césped"). La cuestión es que no está pasando nada; los adultos se sientan en el porche y hablan "de nada en particular, de nada en absoluto". Sus voces son "suaves y sin sentido, como las voces de los pájaros dormidos". Pasan un caballo y una calesa, un coche ruidoso, un coche silencioso, un tranvía ruidoso. Los miembros de la familia yacen sobre edredones en el patio (como era habitual en una calurosa tarde de verano, antes del aire acondicionado ). "Las estrellas son anchas y vivas, cada una parece una sonrisa de gran dulzura, y parecen muy cercanas". Los miembros de la familia son descritos como lo haría un niño, citando a un adulto: "Uno es artista, él vive en casa. La otra es músico, ella vive en casa". Las personas clave son los padres, su padre y su madre, quienes son ambos "buenos conmigo". El niño es "un familiar y muy querido en ese hogar". El texto presagia alguna tragedia por venir: "Que Dios bendiga a mi pueblo, a mi tío, a mi tía, a mi madre, a mi buen padre, acordaos de ellos con bondad en el tiempo de su angustia, y en la hora de su arrebatamiento".
El niño incluye un comentario filosófico: "Por casualidad, aquí están, todos en esta tierra; y ¿quién podrá contar el dolor de estar en esta tierra, acostado, sobre edredones, sobre la hierba, en una tarde de verano, entre los sonidos? de la noche". Es "recogido y acostado" y recibido por el sueño. Sin embargo, lo único que nunca podrá aprender en esa casa, que nadie le dirá jamás, es "quién soy yo". Con esta sensación de carencia termina la pieza.
El comienzo de la pieza, que describe una cálida tarde de verano, es particularmente lírico en comparación con los pasajes anteriores de Agee en la misma obra. Barber capitaliza el lirismo de esta sección mediante el uso de pintura de palabras : "Hablando casualmente" en los compases 23-24, "gemido creciente" en los compases 65-66, "la campana leve y punzante se eleva de nuevo ..." en el compás 79.
La introducción concluye y el ensueño se interrumpe abruptamente; Nos vemos arrojados a un allegro agitato , donde Barber lleva un motivo simple parecido a un cuerno en las maderas y los cuernos. Las líneas staccato y pizzicato aumentan el caos. Al igual que la introducción, las imágenes son vívidas pero aún intangibles; este pasaje tiene toda la claridad de un sueño, pero no tenemos claro qué significa. La soprano vuelve a aclarar la imaginería: "un tranvía elevando su gemido de hierro; deteniéndose, repicando y arrancando; estertoroso; despertando y levantando de nuevo su gemido de hierro creciente". La textura ruidosa y metálica persiste, interrumpida por una excursión notablemente puntiaguda, "como un pequeño espíritu maligno dispuesto a seguir sus huellas". Al describir la chispa sobre el tranvía como un espíritu que la sigue de cerca, Barber utiliza instrumentos de viento de madera en staccato y cuerdas en pizzicato en un cromatismo andante para ilustrar esta imagen.
Después de que el tranvía se desvanece, la soprano comienza un pasaje lírico "ahora es la noche, un rocío azul". Aquí la soprano alcanza la nota más alta de toda la obra, un piano cantado en si bemol . Después de esto, volvemos a una interpretación aproximada del primer tema; esta vez el arpa interpreta únicamente el tema del "rockeo". Este breve regreso a la familiaridad transcurre suavemente hacia un pasaje en el que el narrador ha pasado de describir la víspera de verano a contemplar cosas más grandiosas: "Sobre la hierba mojada y áspera del patio trasero, mi padre y mi madre han extendido colchas"... Como era común antes aire acondicionado, la gente pasaba las tardes fuera de sus casas. Aquí los adultos y el narrador están acostados sobre edredones, hablando escasamente y ociosamente. En relativo silencio, el narrador, todavía un niño, contempla la inmensidad de las estrellas y "mi pueblo", sentado en silencio con "cuerpos más grandes que el mío". Temáticamente, la orquesta es la más cercana a la sección introductoria antes del balanceo, que consiste en un intercambio repetitivo entre el fagot y los otros instrumentos de viento.
La sección termina de manera particularmente conmovedora, con el narrador contando a las personas presentes y terminando con "Uno es mi padre, que es bueno conmigo". La orquesta irrumpe en una sección agitada, caracterizada musicalmente por saltos de novenas y segundas. Vemos aquí que el texto ha tocado la fibra sensible de Barber, cuyo padre estaba gravemente enfermo en ese momento, estableciendo un paralelo entre el padre de Agee (su texto es "estrictamente autobiográfico") en 1915 y el padre de Samuel Barber en el momento de escribir este artículo en 1947. .
El recuerdo infantil de la tarde de verano ahora cambia abruptamente, en serio "¿quién podrá contar el dolor de estar en esta tierra", golpeando nuevamente el si bemol alto? Luego, el narrador pide la bendición de las personas antes mencionadas y pasa a un reingreso final del tema original, mientras el narrador habla de ser acostado. La pieza termina con los instrumentos elevándose tranquilamente, casi flotando, reforzando los aspectos oníricos de la pieza.
Knoxville: verano de 1915 se estrenó el 9 de abril de 1948 por Eleanor Steber y la Orquesta Sinfónica de Boston dirigida por Serge Koussevitzky . La actuación recibió críticas mixtas. [8]
Barber no estuvo presente en el estreno (estaba comprometido a trabajar en la Academia Americana de Roma en ese momento y la actuación no pudo reprogramarse). Koussevitzy le envió un telegrama señalando que la actuación fue "un éxito extraordinario y causó una profunda impresión en todos". [9] Si bien Koussevitzky nunca volvió a interpretar la obra, ha seguido siendo popular a lo largo de los años. [ cita necesaria ]
Si bien la parte vocal suele ser cantada por una soprano, a veces también la canta un tenor. Una de esas interpretaciones de la obra con un tenor solista tuvo lugar en 2004 en el Festival Lanaudière con Anthony Dean Griffey y la Sinfónica de Montreal , dirigida por JoAnn Falletta . [10]
Notas a pie de página