La pintura coreana ( coreano : 한국화 ) incluye pinturas hechas en Corea o por coreanos en el extranjero en todas las superficies. Las pinturas coreanas más antiguas que sobreviven son murales en las tumbas de Goguryeo , de las cuales sobreviven un número considerable, la más antigua de hace unos 2000 años (la mayoría ahora en Corea del Norte ), con escenas variadas que incluyen bailarines, caza y espíritus. [1] Se ha planteado la hipótesis de que la Tumba de Takamatsuzuka en Japón, del final del siglo VII del período Goguryeo , tiene pinturas con influencia de Goguryeo , ya sea hechas por artistas de Goguryeo o japoneses entrenados por la gente de Goguryeo. [2] Dado que muchas influencias llegaron a la península de Corea desde China durante el período de los Tres Reinos. Hasta la dinastía Joseon , las influencias principales vinieron de la pintura china , aunque hecha con paisajes coreanos, rasgos faciales, temas budistas y un énfasis en la observación celestial en consonancia con el rápido desarrollo de la astronomía coreana.
La pintura del período Goryeo (918-1392) estuvo dominada por las pinturas budistas en rollo , que adaptaban estilos chinos; sobreviven alrededor de 160 de ese período. En este período se estableció la escuela o academia de artistas reales, Dohwaseo , con exámenes para artistas y dirigida por burócratas de la corte. [3] Alrededor del comienzo del período Joseon (1392-1897), se introdujo la tradición de pintura a tinta en gran parte monocroma ya establecida desde hace mucho tiempo en China, y ha seguido siendo una corriente importante en la pintura coreana y japonesa, con la versión local del estilo shan shui de pintura de paisajes de montaña tan importante como en China.
A partir de entonces, la pintura coreana incluyó diferentes tradiciones, obras monocromáticas de pinceladas negras, a veces realizadas por aficionados, obras profesionales con color, incluidas muchas escenas de género, y pinturas de animales, pájaros y flores , y arte popular colorido llamado minhwa , así como una tradición continua de pergaminos devocionales budistas llamados taenghwa , artes rituales, pinturas de tumbas y artes de festivales que tenían un amplio uso del color. Esta distinción a menudo se basaba en la clase: los eruditos, particularmente en el arte confuciano, creían que uno podía ver el color en las pinturas monocromáticas dentro de las gradaciones y sentían que el uso real del color toscaba las pinturas y restringía la imaginación. El arte popular coreano y la pintura de marcos arquitectónicos se consideraban como iluminadores de ciertos marcos de madera exteriores, y nuevamente dentro de la tradición de la arquitectura china, y las primeras influencias budistas de profusos halos ricos y colores primarios inspirados en el arte indio .
Los pintores coreanos del período posterior a 1945 han asimilado algunos de los enfoques de Occidente. Ciertos artistas europeos con una técnica de empasto grueso y pinceladas en primer plano captaron el interés coreano primero. Artistas como Gauguin , Monticelli , Van Gogh , Cézanne , Pissarro y Braque han sido muy influyentes, ya que han sido los más enseñados en las escuelas de arte, con libros fácilmente disponibles y traducidos al coreano temprano. Y de ellos se han extraído las paletas tonales de los artistas coreanos modernos: ocre amarillo, amarillo cadmio, amarillo de Nápoles, tierra roja y siena. Todos pintados de forma espesa, con trazos toscos y a menudo mostrando lienzos muy texturizados o papeles hechos a mano gruesos y granulados.
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Los géneros esperados del arte budista que muestran a Buda, o monjes budistas, y el arte confuciano de eruditos en reposo o estudiando en entornos tranquilos, a menudo montañosos, siguen las tendencias generales del arte del este de Asia. Los colores de Nimbus no son necesariamente dorados, y pueden sugerirse con colores más claros. Los rostros tienden al realismo y muestran humanidad y edad. Los drapeados se realizan con cierto cuidado. El rostro es generalmente bidimensional, el drapeado tridimensional. Al igual que en el arte occidental medieval y renacentista, los drapeados y los rostros a menudo son realizados por dos o tres artistas que se especializan en una habilidad pictórica particular. La iconografía sigue la iconografía budista .
Los eruditos suelen llevar los tradicionales sombreros de copa, u otros sombreros de rango, y las túnicas monocromáticas de los eruditos. Por lo general, descansan en casas de té cerca de las montañas o en albergues de montaña, o se los retrata con sus maestros o mentores.
Las escenas de caza, conocidas en todo el mundo, se ven a menudo en el arte cortesano coreano y recuerdan a las escenas de caza de Mongolia y Persia. También se cazaban jabalíes, ciervos y ciervos salvajes, y tigres siberianos. Los jinetes utilizaban lanzas y mazas con empuñadura de lanza especialmente letales en los terrenos de caza después de que los arqueros en el suelo lideraran la provocación inicial de los animales como apalizadores. Los budas tienden a tener rasgos faciales coreanos y se encuentran en posiciones de descanso cómodas.
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Los templos y ermitas budistas de todo el país son ricos archivos de pinturas populares, que abarcan desde grandes imágenes de iconos para uso ritual hasta ilustraciones para sutras y anécdotas sobre monjes famosos y sus retratos. Estas pinturas de templos se destacan por sus composiciones simples y colores brillantes. [4]
Las pinturas populares de esta categoría incluían diseños de personajes con temas populares como la lealtad y la piedad filial, imágenes que representaban las historias de vida de eruditos de renombre y representaciones de una carpa saltando del río para transformarse en un dragón que simbolizaba la aspiración a un logro académico distinguido y una carrera exitosa en la burocracia. [4]
La gran mayoría de las pinturas populares antiguas se utilizaban con fines decorativos. Estas pinturas suelen repetir motivos populares con técnicas relativamente pobres, pero dan testimonio de la tradición religiosa de la nación, que armoniza diversas creencias como el chamanismo, el taoísmo, el budismo y el confucianismo. [4]
El arte de Goguryeo , conservado en gran parte en pinturas de tumbas, se destaca por el vigor de sus imágenes. Se pueden ver obras de arte detalladas en las tumbas de Goguryeo y otros murales. Muchas de las obras de arte tienen un estilo pictórico original.
Los murales de la tumba de Goguryeo datan de alrededor del año 500 d. C. durante el período Goguryeo, del 37 a. C. al 668 d. C. Estos magníficos murales, aún de colores intensos, muestran la vida cotidiana y las mitologías coreanas de la época. En 2005, se habían encontrado 70 murales, la mayoría en la cuenca del río Taedong, cerca de Pyongyang , en la zona de Anak, en la provincia de Hwanghae del Sur .
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Durante la dinastía Goryeo se produjeron pinturas excepcionalmente hermosas al servicio del budismo; las pinturas del bodhisattva Avalokiteshvara (en coreano: Gwaneum Bosal) son especialmente conocidas por su elegancia y espiritualidad. [5] El mecenazgo de las principales familias de Goryeo dio como resultado la producción de pinturas budistas de alta calidad, como pinturas refinadas y detalladas de santos o monjes budistas.
El rey Gongmin de Goryeo (1330-1374) fue un pintor importante de la época. Yi Nyeong, pintor de la corte, y Yi Che-hyŏn , pintor erudito, son considerados artistas importantes de Goryeo fuera de la tradición budista.
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La influencia del confucianismo reemplazó a la del budismo en este período, sin embargo, los elementos budistas permanecieron y no es cierto que el arte budista decayera, continuó y fue alentado, pero no por los centros reales de arte, o el gusto aceptado públicamente de la dinastía Joseon; sin embargo, en los hogares privados, y de hecho en los palacios de verano de los reyes de la dinastía Joseon, la simplicidad del arte budista fue muy apreciada, pero no fue visto como arte urbano.
Durante el período de transición que condujo a la dinastía Joseon, algunos pintores budistas coreanos se fueron a Japón. Yi Su-mun (1400?–1450?), considerado el fundador de la escuela Soga de Japón, [6] fue compañero de barco del sacerdote pintor más antiguo, Shubun de Shokokuji , cuando regresó de Corea a Japón en 1424. La tradición japonesa declaró que Yi era tan hábil después de su pintura "Bagre y calabaza" que el Shogun Yoshimochi afirmó que era hijo del legendario Josetsu , como un título honorífico adoptivo. Yi pintó junto con los originales del arte zen japonés e influyó en ellos ; y era conocido en Japón por su nombre japonés Ri Shubun o el Shubun coreano . Toda la tradición de los puntos de aguja en el arte japonés comenzó con Yi y continuó a través de sus estudiantes, conocidos como la Escuela Soga, un grupo de artistas más natural que la escuela cortesana patrocinada por los shogunes Ashikaga .
Aunque la dinastía Joseon comenzó bajo auspicios militares, se permitió que los estilos de Goryeo evolucionaran y la iconografía budista (bambú, orquídea, ciruelo y crisantemo; y los familiares símbolos de buena suerte en forma de nudos) todavía formaban parte de las pinturas de género. Ni los colores ni las formas experimentaron cambios reales y los gobernantes se mantuvieron al margen de los edictos sobre el arte. Los ideales Ming y las técnicas importadas continuaron en las obras idealizadas de las primeras dinastías. Entre los pintores de las primeras dinastías se encuentra An Gyeon , un pintor del siglo XV.
Los estilos de pintura de mediados de la dinastía se orientaron hacia un mayor realismo. Comenzó un estilo nacional de pintura de paisajes llamado " vista verdadera ", que pasó del estilo tradicional chino de paisajes generales idealizados a lugares particulares representados con exactitud. Si bien no era fotográfico, el estilo era lo suficientemente académico como para establecerse y apoyarse como un estilo estandarizado en la pintura coreana. Entre los pintores de mediados de la dinastía se encuentra Hwang Jipjung (nacido en 1533).
La dinastía Joseon de mediados a finales se considera la edad de oro de la pintura coreana. Coincide con el impacto del colapso de los vínculos de la dinastía Ming con el ascenso al poder de los emperadores manchúes en China, y obliga a los artistas coreanos a construir nuevos modelos artísticos basados en el nacionalismo y en una búsqueda interior de temas coreanos específicos. En esta época, China dejó de tener una influencia preeminente y el arte coreano siguió su propio camino y se volvió cada vez más distintivo.
Las pinturas de género de finales de la era de la dinastía Joseon y las pinturas de paisajes de vista real se han vuelto célebres y emblemáticas, pero también muestran la realidad modesta del pueblo coreano y su pasado, no solo de aquellos que ocupan altos puestos de poder, sino también de aquellos que trabajan para ellos, los plebeyos o las clases bajas y aparentemente incluso las mujeres (Park JP, 2018). En la Corea moderna, estas pinturas se sostienen y se conservan como recuerdos que muestran la próspera sociedad conmovedora y armoniosa de finales de la dinastía Joseon. Con estas pinturas, también se cree que se ha traído una proyección de un pasado sencillo y nostálgico a los ojos del espectador, estas obras maestras creadas por Kim Hong-do (1745 - c. 1810 ) y Sin Yun-Bok (1758 - ?) se promueven como una espléndida colección de arte que describe el estado, la gente y la historia de Corea. El trabajo puesto en estas pinturas muestra la atención académica invertida en comprender el pasado de Corea, y esa motivación podría extenderse al espectador, ya que el arte de Corea se ha convertido en una parte integral del estudio y el conocimiento de Corea y su historia.
Algunos estudios modernos relacionan las particularidades históricas de la época, como el panorama cultural e ideológico, con la motivación e inspiración de los artistas coreanos, ya que la atención que se puso en sus obras de arte alimentó la popularización de estas pinturas. Entre ellos se incluyen los diferentes puntos de vista sobre cómo se hicieron populares en ese momento, un punto de vista es el análisis de las pinturas de género coreanas como producto del orgullo y la confianza de los coreanos del pasado después de que comenzaron a tratar su propia cultura como un heredero legítimo de la Alta Civilización de China (Park JP, 2018). La desaparición de la civilización confuciana tardía y la caída de la dinastía Ming en China continental bajo la dinastía Qing manchú , estos eventos llevaron a los artistas de la era Joseon tardía a recuperar y redefinir los valores del paisaje de la Corea Joseon y su sociedad en estas nuevas pinturas (Park JP, 2018). Otro punto de vista sería un enfoque interpretativo hacia el creciente interés por el aprendizaje en ese momento, que proporcionó a los artistas de la era Joseon la motivación y la inspiración necesarias para ver las escenas de la vida diaria en Corea y los cambios en el panorama social desde una nueva perspectiva, ya que los artistas de Joseon dedicaron mucho tiempo a su búsqueda de estudios prácticos académicos, las personas y sus vidas fueron un factor clave para contribuir a sus obras de arte, así como su determinación de representar y observar a las personas que encontraban a su alrededor.
Entre los muchos artistas de mediados y finales de la era Joseon que pintaron escenas cotidianas de la gente de Corea, un artista yangban se destacó y fue descrito como un padre fundador de este género: Yun Duseo (1668-1715). Yun Duseo pintaría muchos dibujos que se basaban en las labores, los comportamientos, el ocio y las emociones de la gente común que observaba a su alrededor. Esto comenzó a conmover a la gente, ya que no tenía precedentes en ese período de tiempo, y el tema de estas obras de arte se convertiría en motivos principales en lugar de añadidos decorativos como en épocas anteriores.
La lista de pintores importantes es larga, pero los nombres más notables incluyen:
La caligrafía utilizada suele realizarse de forma discreta.
Otros artistas importantes de la "escuela literaria" incluyen:
El chaekgeori es un género de pintura de naturaleza muerta del período Joseon de Corea que tiene a los libros como tema dominante. [7] El chaekgeori floreció desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta la primera mitad del siglo XX y fue disfrutado por todos los miembros de la población, desde el rey hasta los plebeyos, revelando la fascinación por los libros y el aprendizaje en la cultura coreana. [8]
Los artistas coreanos desde mediados de la década de 1880 hasta 1945 pasaron por momentos muy difíciles antes de que los aliados liberaran Corea tras la rendición incondicional de Japón.
A partir de la década de 1880, la creciente popularidad del arte occidental en Japón provocó una mala opinión del arte tradicional coreano. No obstante, la creación del museo de artesanía coreana en 1924 por el filósofo japonés Yanagi Sōetsu es un claro ejemplo de los estetas japoneses que aún apreciaban el arte coreano.
Japón también celebró una exposición de arte coreano en la que participaron muchos artistas jóvenes coreanos, como Park Su-geun . Hasta la fecha, no ha habido una muestra retrospectiva del arte oculto bajo la ocupación japonesa, ni un debate sobre los conflictos entre quienes se vieron obligados a hacer concesiones ante las exigencias artísticas japonesas. Es un tema delicado, ya que los artistas que estudiaron y trabajaron en Japón y pintaron al estilo japonés se vieron obligados a defenderse y justificar sus concesiones sin otras alternativas.
Entre los períodos de la dinastía Joseon y la ocupación japonesa se encuentran artistas notables como Chi Un-Yeong (1853-1936).
La teoría del color se ha utilizado por sobre la perspectiva formal, y aún no ha habido una superposición entre el arte pictórico y los gráficos pop, ya que la principal influencia en los pintores es la cerámica coreana .
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