Cada estilo y era del jazz adoptó nuevas técnicas para ayudar a educar a los músicos más jóvenes. Las primeras formas de educación del jazz eran más informales. Desde que se fundó el primer programa de grado en 1947, el auge de la educación institucionalizada del jazz dio como resultado que la educación del jazz se volviera más formal y más estructurada. [1] La educación formalizada del jazz ha generado una nueva ola de interés en el jazz. JazzTimes.com actualmente enumera 492 programas universitarios de jazz en todo el mundo. Esta base de datos es exclusiva de las escuelas que ofrecen carreras principales y no incluye el número de escuelas que también ofrecen cursos de jazz en su plan de estudios. [2] La formalización del jazz fue y sigue siendo un tema controvertido. Muchos músicos profesionales creen que ha dañado el espíritu de la música, mientras que otros sostienen que ha sido beneficiosa para la forma de arte. [3]
El jazz ha sido celebrado durante mucho tiempo por sus raíces como una tradición auditiva. Esto definió la educación temprana del jazz en Nueva Orleans , donde la música se originó entre músicos que en gran medida no podían leer música. [4] Los primeros músicos con alfabetización musical que podían pagar lecciones formales de música, como Jelly Roll Morton , despreciaron la educación formal y se quedaron con diversos grados de alfabetización musical. [5] En Nueva Orleans a principios del siglo XX, cuando el jazz estaba tomando forma desde sus raíces, los músicos aprendían en un estilo que se describe mejor como un aprendizaje. Los músicos más jóvenes estudiaban con un músico mayor y más experimentado, aprendiendo escuchando la música que tocaba su mentor. [6] Esta relación también se extendió a un nivel personal. Muchos de estos músicos más jóvenes hacían recados para sus mentores con el fin de pagarles las lecciones musicales. Un ejemplo temprano de este estilo de educación es Louis Armstrong , quien estudió con el famoso trompetista King Oliver . [7] Esta forma educativa dependía de las habilidades auditivas . Este estilo de pedagogía prevaleció en una época en la que la música dependía en gran medida de la improvisación grupal. [8] El uso, casi exclusivamente, del entrenamiento auditivo entre los pedagogos y la influencia cultural de Nueva Orleans hicieron que este estilo de jazz fuera el más práctico y popular.
A finales de la década de 1910 y principios de la de 1920, el jazz comenzó a trasladarse al norte, a Chicago [7] y la ciudad de Nueva York . [9] Estas dos áreas urbanas eran particularmente populares porque proporcionaban una base de audiencia más grande para los artistas y una mayor proximidad a los estudios de grabación. [10] Durante la primera parte de la década de 1920, el jazz de Nueva Orleans prevalecía en los numerosos clubes nocturnos que surgieron en Chicago. [11] En Nueva York, un nuevo estilo de jazz se volvió inmensamente popular. Este estilo, conocido como Big Band , marcó el comienzo de una nueva era en la educación del jazz. [12]
La música de big band es particularmente importante para la educación del jazz porque introduce una serie de nuevos foros para el fomento de la música de jazz. El primero de estos foros es el arreglista . Con la aparición de las big bands surgió la necesidad de arreglos más detallados y completos . Los arreglistas ayudaron a estandarizar el vocabulario de las big bands. Con el arreglista, el jazz comenzó a madurar desde sus raíces como una forma de arte exclusivamente auditiva. El arreglista ayudó a introducir nuevas influencias, especialmente la música impresionista durante la era de las big bands. [13]
La siguiente introducción influyente de la era de las grandes bandas fue la aparición de las sesiones de improvisación después del horario laboral . [13] Muchas ideas para arreglos surgieron a partir de las sesiones de improvisación después del horario laboral. Muchas de estas ideas eventualmente se convertirían en arreglos propios. Duke Ellington utilizó esta técnica para crear nuevas melodías y arreglos. [14]
Estas sesiones de improvisación también fueron un foro fundamental para el desarrollo de la improvisación en el jazz . Las sesiones de improvisación eran el hogar de la exploración y la autoeducación en la improvisación. Los músicos usaban estas sesiones como una forma de aprender de otros músicos para mejorar sus propias habilidades. Clubes como Monroe's Uptown House y Minton's Playhouse se convirtieron en el hogar público de los fenómenos que ya tenían lugar en apartamentos y lugares más pequeños en todo Manhattan y el resto del país. El estilo que desciende más directamente de estas sesiones de improvisación se conoce como bebop . Los primeros músicos de bebop como Charlie Parker , Dizzy Gillespie y Thelonious Monk introdujeron un estilo nuevo y más virtuoso de improvisación que resultó influyente para las futuras generaciones de músicos de jazz [15].
Las bandas de jazz en las escuelas secundarias y universidades surgieron típicamente como conjuntos auxiliares extracurriculares, derivados de bandas de concierto o de música más grandes. Las primeras bandas de jazz universitarias no se ofrecían como créditos académicos y generalmente estaban organizadas y dirigidas por estudiantes. (Oxford Music Online) [1]
Antes del primer título de jazz, se ofrecían algunas clases académicas. En 1941, la New School for Social Research de Manhattan ofreció un curso de historia del jazz. En 1945, se inauguró en Boston una escuela conocida como Schillenger House . Esta escuela "ofrecía un plan de estudios de dos años y otorgaba un diploma de artista". [1] En 1973, la Schillenger House, que se convirtió en la Berklee School of Music en 1954, cambió oficialmente su nombre a Berklee College of Music . El primer título universitario en jazz se ofreció en 1947 en la Universidad del Norte de Texas . [1] [16] En el transcurso de las siguientes décadas, aparecieron programas de jazz en todo el país y en todo el mundo. [1] Esta Cronología de la educación del jazz señala las fechas de inicio de muchos de estos programas influyentes.
En 1950, había más de 30 universidades que ofrecían cursos de jazz. [17] Junto con este crecimiento en las universidades llegaron varios programas de verano que servían para educar a los jóvenes músicos sobre el jazz. Stan Kenton es particularmente famoso por haber iniciado uno de esos programas de verano. Estos campamentos de verano fueron unas de las primeras instituciones académicas de cualquier tipo en invitar a músicos profesionales para ayudar a educar a los jóvenes estudiantes. [18] Este precedente siguió adquiriendo mayor importancia. [19]
Uno de los pasos más difíciles, controvertidos y necesarios para convertir el jazz en un programa académico fue la estandarización y formalización de la música de jazz. Antes de la introducción de los primeros programas académicos de jazz, los músicos intentaron producir literatura que explicara el jazz de manera formal. [1] Norbert Beihoff (nacido Norbert John Beihoff; 1904–2003) intentó por primera vez explicar la improvisación y los arreglos del jazz en una publicación de 1935 titulada Modern Arranging and Orchestration ( OCLC 191822905). Los músicos profesionales escribieron libros de métodos, algunos con discos de acompañamiento. La revista Down Beat publicó solos transcritos y artículos pedagógicos. En 1941, Joseph Schillinger publicó The Schillinger System of Musical Composition, un texto ampliamente utilizado basado en su propio sistema de arreglos de jazz. George Russell escribió un texto titulado Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization en 1953, promoviendo la idea de que los acordes de jazz tienen escalas correspondientes que pueden usarse para la improvisación". [1] Estos libros no tuvieron un impacto universal y fueron rápidamente olvidados. A medida que la disciplina se expandió, se hizo cada vez más necesario crear material estandarizado para respaldar un plan de estudios de jazz. Los primeros educadores de jazz como Jamey Aebersold , David Baker y Jerry Coker sentaron las bases para una práctica educativa más universal. La primera ronda de libros de texto y otros recursos se caracterizó por un énfasis en la formalización y la estructura estrictas, en la definición de niveles y en el establecimiento de un núcleo relativamente estrecho de los primeros libros de Aebersold. En este proceso de clarificación, las estructuras armónicas también se codificaron, y las progresiones como el blues de doce compases y el ii-VI se definieron como las más fáciles y comunes, como de hecho lo fueron en ese momento". [20]
Las combinaciones de libros y discos Play-A-Long de Aebersold tuvieron una influencia particular, con ventas de más de 5 millones de copias desde que se introdujeron por primera vez en 1967. [21] Trabajando con muchos educadores musicales a través de talleres, incluido el Taller de Jazz de Verano, Aebersold amplió sus materiales hasta convertirlos en un sistema, recomendando un enfoque particular para la improvisación de escalas de acordes y el uso de su Programa de estudios de escalas. Hoy en día, muchos músicos continúan utilizando materiales Play-A-Long, de Aebersold o de proveedores basados en software, para aprender teoría mientras tocan sobre pistas de acompañamiento.
"La necesidad de justificar la enseñanza del jazz como algo digno de atención institucional y cultural condujo a una definición clara, aunque en retrospectiva un poco limitada, de un único estilo de jazz y un conjunto de habilidades relacionadas". [20] El estilo que pasó a primer plano para los primeros educadores de jazz fue el bebop. La improvisación del bebop se basa en estos patrones bastante estándar y suele interpretarse a tempos que obligan a los músicos a adquirir un alto nivel de destreza con su instrumento. El vocabulario del bebop se convirtió rápidamente en una parte importante de la educación formalizada del jazz en sus inicios. [22]
Este enfoque pasó por alto las igualmente desarrolladas técnicas escritas de la música jazz. En ese momento, la composición y los arreglos de jazz habían alcanzado por derecho propio niveles virtuosos. El jazz escrito, gracias en gran parte a la popularidad de la era del swing, estableció sus propias tradiciones dentro de la música jazz. Uno de los primeros educadores en incorporar este aspecto del jazz fue Gene Hall, un graduado de la Universidad del Norte de Texas . [1] Gene Hall, que había escrito una tesis de maestría allí en la que esbozaba un plan de estudios de jazz de nivel universitario, se convirtió en el primer miembro del cuerpo docente del nuevo programa. Un elemento central del plan de estudios de Hall era una clase de arreglos para la que un conjunto de laboratorio interpretaba arreglos y composiciones de los estudiantes. Ese conjunto se convirtió en la One O'Clock Lab Band . " [1]
El fin de la Segunda Guerra Mundial significó el fin de la era de las big bands. Incluso antes de esto, los directores de banda tenían dificultades para financiar conjuntos más grandes. Ya en 1930, las bandas se redujeron a conjuntos más pequeños. Después de la guerra, solo sobrevivieron un puñado de las big bands más prolíficas. Muchas de estas bandas continuaron de gira durante varios años, pero las big bands nunca han disfrutado del éxito profesional que disfrutaron durante la era del swing . [23] Los programas de jazz universitarios revitalizaron el estilo moribundo.
En 1970, había más de 450 bandas de jazz en las universidades y en 1980, más de 500.000 estudiantes de secundaria y universitarios participaban en actividades de jazz. [2] La afluencia de estudiantes músicos que trajo consigo la educación formalizada en jazz proporcionó de repente a las instituciones académicas la cantidad necesaria para crear sus propias big bands. Las big bands también cumplen una función pedagógica muy importante, ya que permiten a los educadores acceder a un mayor número de estudiantes al mismo tiempo.
En 1967, como el número de bandas de jazz universitarias aumentaba a un ritmo rápido, se formó un nuevo conjunto en Mount Hood Community College . Este conjunto tomó el repertorio de big band y lo adaptó para el coro. Genesis se convirtió en el primer coro de jazz. La creación del conjunto de jazz vocal es indicativa de la dirección de la educación del jazz. [24] Los educadores que buscaban nuevas formas de hacer accesible la música recurrieron a la fusión de diferentes estilos. El conjunto de jazz vocal combina las tradiciones clásicas de la música artística occidental , las tradiciones vocales e instrumentales del jazz y la influencia pedagógica de la educación del jazz.
"El tema de la educación del jazz ha generado controversia desde sus comienzos. Muchos académicos evitan el tema casi por completo en sus publicaciones sobre jazz. The History of Jazz de Ted Gioia prácticamente no menciona las escuelas de música, ni tampoco lo hace el documental de diez partes de Ken Burns para PBS. La colección Weather Bird de Gary Giddins de 2004 consta de 146 ensayos breves... Giddins nunca aborda el tema de la educación del jazz". [3] La estandarización del repertorio de jazz por parte de los primeros educadores, como Jamey Aebersold, generó críticas por la estrecha perspectiva con la que abordaba la educación del jazz. Muchos sienten que adaptar el jazz a estructuras y escalas reglamentadas elimina el sentimiento de la música. [25] Algunos también argumentan que este nuevo estilo de educación del jazz está demasiado centrado en el músico individual. Las clases y lecciones han reemplazado a las sesiones de improvisación, que sirvieron como la principal forma de educación del jazz durante la primera mitad del siglo XX. Las sesiones de improvisación obligaron a los músicos a aprender unos de otros para desarrollar la técnica y el vocabulario. Los críticos de la educación formalizada del jazz denuncian el nuevo énfasis que se pone en aprender música a partir de partituras en lugar de hacerlo de oído. Libros como Charlie Parker Omnibook , que es una publicación particularmente popular, son criticados por la calidad de los estudiantes que producen. En respuesta, los educadores de jazz señalan el renovado interés en la música de jazz y la alta calidad de los músicos que ahora tocan música de jazz. Además de esto, la estandarización de las técnicas de jazz es un evento que ocurrió antes de la introducción de la educación institucionalizada del jazz. Tanto los arreglistas como los instrumentistas desarrollaron técnicas que se convirtieron en una práctica estándar. [26]
Desde el auge del jazz en el ámbito académico, muchas instituciones han buscado dar una imagen unificada a la educación del jazz. Uno de los grupos más grandes de estos grupos era conocido como la Asociación Internacional para la Educación del Jazz , que programaba conferencias periódicas en ciudades de todo el mundo. Sin embargo, la IAJE se declaró en quiebra en abril de 2008. Una nueva organización que ha cobrado protagonismo es la Jazz Education Network, cuyo sitio web se puede encontrar en Jazz Education Network Website. La JEN fue fundada por Mary Jo Papich y Lou Fischer en 2008. La organización celebra una conferencia anual cada año y patrocina otros festivales.
Obras citadas