Honoré Desmond Sharrer (12 de julio de 1920 - 17 de abril de 2009) fue una artista estadounidense. Recibió elogios del público por primera vez en 1950 por su pintura Tribute to the American Working People , un políptico de cinco imágenes concebido en forma de retablo renacentista, excepto que su figura central es un trabajador de fábrica y no un santo. Flanqueando esta figura central hay escenas más pequeñas de gente común: en un picnic, en un salón, en una granja y en el aula de la escuela. Meticulosamente pintada al óleo sobre tabla de composición en un estilo y una paleta de colores que recuerdan a los maestros flamencos , la obra terminada mide más de seis pies de largo y tres pies de alto y le llevó cinco años completarla. Fue el tema de una retrospectiva de 2007 en el Instituto Smithsonian y es parte de la colección permanente del Museo Smithsonian de Arte Americano . [1]
Recibió atención pública por primera vez cuando su obra Workers and Paintings (1943) se incluyó en la legendaria muestra "Fourteen Americans" de 1946 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, comisariada por Dorothy Canning Miller . [2] Esta muestra contó con una selección de artistas emergentes, entre ellos Robert Motherwell , Isamu Noguchi (escultura) y Saul Steinberg . La muestra "Fourteen Americans" en el Museo de Arte Moderno, aunque a menudo se pensó que proclamaba la llegada del expresionismo abstracto, no lo hizo de manera inequívoca, ya que incluyó a artistas como Sharrer y George Tooker que no son modernistas según la prueba de fuego de la abstracción. [3]
Sharrer y su pintura El hombre en la fuente aparecieron en la edición del 20 de marzo de 1950 de la revista Life , en un artículo de portada que presentaba "Diecinueve jóvenes artistas estadounidenses".
A diferencia de muchos de sus contemporáneos neoyorquinos, entre ellos Motherwell, Jackson Pollock y Mark Rothko , Sharrer no se inclinó por el expresionismo abstracto y continuó pintando en un estilo figurativo y académico, aunque el contenido de su obra era a menudo mordazmente ingenioso. El término realismo mágico aplicado a otros pintores estadounidenses, entre ellos Paul Cadmus y George Tooker, se utiliza a menudo para describir su obra posterior.
Honoré Desmond Sharrer nació en West Point, Nueva York. Su padre, Robert Allen Sharrer, era un oficial del ejército asignado a la Academia Militar de los Estados Unidos allí. Su madre, Madeleine Sachs, también era pintora. Sharrer se crió en Filipinas, París y en varias ciudades estadounidenses antes de graduarse en The Bishop's School en La Jolla, California.
A los 18 años, fue elegida entre 230.000 postulantes para ganar un premio nacional de artes gráficas del Foro de Jóvenes patrocinado por The American Magazine . Posteriormente, asistió a la Escuela de Arte de la Universidad de Yale y a la Escuela de Bellas Artes de California, ahora el Instituto de Arte de San Francisco . Durante la Segunda Guerra Mundial , trabajó como soldadora en astilleros de California y Nueva Jersey. [4] [5]
Después de un matrimonio anterior que terminó en divorcio, en 1947 Sharrer se casó con Pérez Zagorin , un destacado historiador de Europa. Vivieron y trabajaron en Nueva York, Amherst, Montreal, Londres, Rochester (Nueva York) y Charlottesville (Virginia). Tuvieron un hijo, Adam Zagorin, nacido en 1953.
Después de una exposición individual de sus pinturas en Boston en 1951, Sharrer no tuvo otra exposición individual hasta 1969. Después de otros dieciocho años, tuvo una exposición individual en 1987 que viajó desde la ciudad de Nueva York a la Memorial Art Gallery (Rochester, NY) y al Museo Danforth (Framingham, MA). [6]
Aunque Sharrer fue incluida con frecuencia en exposiciones colectivas durante esos períodos intermedios y trabajó de manera continua y diligente en su arte, a menudo se la pasó por alto, ya que el "arte moderno" pasó a ser visto como sinónimo del expresionismo abstracto . Esta asociación fue tan poderosa que el MoMA tuvo que titular su muestra de 2000 (en la que se incluyó a Sharrer) como "Arte moderno a pesar del modernismo", como si este último fuera sinónimo del primero.
A pesar de su meticulosa técnica, su luminosa paleta de colores y su ojo para los detalles que recuerdan a los pintores flamencos, era una modernista en su sensibilidad y temática. Una pintura como Resurrección de una camarera (1984) muestra un humor astuto en su elección de temas que recuerda a su Tributo , pero también comparte con esta última la suposición modernista de que la vida de una camarera o de un trabajador es tan merecedora de nuestra atención como la de cualquier santo. La camarera es llevada hacia el cielo, sostenida en el aire mediante un batidor de huevos enganchado en su cabello, por un ángel parcialmente desnudo, cuyo método de propulsión es un molinete en lugar de alas.
Una de sus pinturas más grandes (9 x 6 pies) es un óleo surrealista sobre lienzo, titulado Leda and the Folks , de 1963. Es una de las primeras incursiones de Sharrer en el surrealismo, presentando tres figuras de proporciones algo extrañas, dos de las cuales están basadas en los padres de Elvis Presley , mientras que la tercera, una joven desnuda de cabello dorado y estilo renacentista, representa la interpretación de Sharrer del antiguo mito griego de Leda y el cisne , en el que Zeus se transformó en un cisne para seducir a una hermosa mujer. La pintura se exhibe en el Museo de Arte del Smith College en Northampton, Massachusetts, como parte de la exposición A Dangerous Woman: Subversion & Surrealism in the Art of Honoré Sharrer (29 de septiembre de 2017 - 7 de enero de 2018). Como explica su curador, la pintura surgió en parte del interés de Sharrer en examinar la intersección del mito y la cultura de las celebridades que rodeaba a Presley y otras figuras populares del entretenimiento a principios de la década de 1960.
Igualmente enigmática es otra de sus últimas pinturas, Un sueño en Monticello (1996), en la que una mujer desnuda con auriculares se recuesta con un zapato rojo puesto y otro quitado. Thomas Jefferson y, presumiblemente, uno de sus hijos con Sally Hemings están de pie justo detrás. En el fondo hay dos obeliscos triunfales que flanquean un reloj casi al estilo de Dalí, presumiblemente el reloj de Monticello . En primer plano hay un jarro de plata bellamente representado, un conocido objeto de Monticello. [7]
Esta combinación de observación cuidadosa, yuxtaposición, elementos fantásticos, mujeres a menudo desnudas retratadas en escenas con hombres vestidos, arcos de triunfo, todos representados en escenarios de ensueño curiosamente planos, muy cargados y exquisitamente coloridos, son como visiones de un mundo privado, representados para nosotros por el artista para que hagamos de ellos lo que queramos.
Museo de Arte de Columbus, Ohio
Museo Danforth, Framingham, Massachusetts
Estate of Lincoln Kirstein
Memorial Art Gallery, Rochester, Nueva York
Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
Museo de Arte Moderno, Nueva York
Museo de Newark, Nueva Jersey
Museo de Arte de San Diego, California
Fundación Sarah Roby
Museo Smithsonian de Arte Americano, Washington, DC
Museo de Arte del Smith College, Northampton, Massachusetts
Universidad de Rochester, Nueva York
Academia de Bellas Artes de Pensilvania
Museo de Arte de la Universidad de Virginia