Samia A. Halaby (nacida en 1936 en Jerusalén ) es una artista visual, activista, educadora y académica palestino -estadounidense. Halaby es reconocida como pionera de la pintura abstracta y el arte informático . [1] Desde que comenzó su carrera artística a fines de la década de 1950, ha expuesto en museos, galerías y ferias de arte en toda Europa, Asia y América del Norte. [2] Su trabajo se encuentra en colecciones públicas y privadas de todo el mundo, incluido el Museo Solomon R. Guggenheim (Nueva York), el Institut du Monde Arabe (París) y el Museo Palestino ( Birzeit ). Su trabajo fue incluido en la Bienal de Venecia de 2024. [3]
Recibió su formación académica en el medio oeste de los EE. UU. (BSc Diseño - Universidad de Cincinnati ; MA Pintura - Universidad Estatal de Michigan ; MFA - Universidad de Indiana ), y estuvo activa en la academia estadounidense, enseñando arte a nivel universitario durante más de 20 años, una década de los cuales pasó como profesora asociada en la Escuela de Arte de Yale (1972-1982), donde fue la primera mujer en ocupar el puesto de profesora asociada. [4] También enseñó en la Universidad de Hawái , la Universidad de Indiana, la Cooper Union , la Universidad de Michigan y el Instituto de Arte de Kansas City . [5] [6]
Halaby, que reside en Nueva York desde los años 70, lleva mucho tiempo activa en la escena artística de la ciudad, principalmente a través de espacios artísticos independientes y sin ánimo de lucro e iniciativas dirigidas por artistas. Además, ha participado en la organización política de izquierdas por diversas causas. Ha sido activista durante mucho tiempo y en 2019 donó a la Fundación Samia A. Halaby para apoyar los movimientos de liberación de la clase trabajadora y de Palestina. [7]
Halaby nació en Jerusalén en 1936, durante el Mandato Británico de Palestina . Es hija de Asaad Halaby y Foutonie Atallah Halaby. Samia tiene dos hermanos mayores, el Dr. Sami y el Dr. Fouad Halaby, y una hermana menor, la Dra. Nahida Halaby. Su padre era huérfano y, a temprana edad, tuvo la responsabilidad financiera de mantener a sus hermanos. Comenzó el primer servicio de taxis en Jerusalén a principios de la década de 1900, y finalmente se convirtió en director de Lind & Halaby Ltd., un vendedor de Goodyear Tire and Rubber Company . Su madre fue educada en la Friends School en Ramallah . Se referían a ella como "la enciclopedia de la familia". [8]
Halaby conserva vívidos recuerdos visuales de su vida en Palestina, especialmente de los árboles y las hojas del jardín de su abuela Maryam Atallah en Jerusalén. Cuando era niña, Samia experimentaba colores y formas sinestésicas que se correlacionaban con varios miembros de la familia. Su hermana era una mujer redondeada e iridiscente de color amarillo/blanco; Samia era un ferrocarril lateral rojo metálico oscuro. En 1948, Halaby y su familia huyeron de su hogar en la ciudad portuaria de Yafa ( Jaffa ) con la creación del estado de Israel. Tenía 11 años. Su familia huyó al Líbano, residiendo en Beirut hasta 1951, cuando finalmente se establecieron en Cincinnati, Ohio . [9]
Halaby trabaja principalmente en abstracción, pero también ha utilizado un estilo documental de dibujo figurativo en obras de orientación más política, como su serie Kafr Qasm . [10] Ha diseñado docenas de carteles y pancartas políticas para varias causas contra la guerra y aparece en la publicación The Design of Dissent . [11] El desarrollo de su trabajo durante los últimos cincuenta años ha estado estrechamente relacionado con la localización de los muchos principios de la abstracción en la naturaleza utilizando un enfoque materialista. [12] Varias de sus pinturas se han creado basándose en los métodos y formas de ciertas aplicaciones históricas de la abstracción, como la de los constructivistas rusos, y ejemplos de artes tradicionales árabes y arquitectura islámica. [13] La cultura visual de Palestina y su entorno natural también han figurado en sus pinturas, al igual que el dinamismo de la ciudad de Nueva York que se experimenta en las vistas de personas en movimiento y sus calles concurridas. [14]
Su aproximación a la abstracción ha abarcado desde obras que exploran las propiedades visuales de la naturaleza muerta geométrica hasta pinturas de forma libre en forma de piezas de lienzo unidas para crear abstracciones más grandes que no se estiran. [15] En 2020, su obra contenía más de 3000 obras, entre pinturas, medios digitales, esculturas colgantes tridimensionales, libros de artista, dibujos y grabados de artista de edición limitada.
Después de retirarse de la docencia, Halaby comenzó a experimentar con formas de arte electrónico, aprendiendo por sí misma a programar en lenguajes de programación Basic y C en una computadora Amiga y más tarde en una PC. [16] Creando programas que permitieran a los espectadores presenciar el proceso de pintura computarizada en vivo, contó con la ayuda de músicos para presentaciones de arte cinético inspiradas en sesiones de improvisación. Su "Grupo de Pintura Cinética" realizó una extensa gira a fines de la década de 1990, y sus obras en video continúan mostrándose en todo el mundo. [17]
Durante sus últimos días de estudiante y durante un período posterior, el enfoque de Halaby hacia la pintura se caracterizó por el color plano; en estas obras, las relaciones de luminosidad y contraste simultáneo se inspiraron en los minimalistas y en el trabajo de Josef Albers y su libro Interacción del color . [18] En términos de forma, la obra dependía esencialmente de las superficies rectangulares de la vida humana, ya sean paredes, ventanas, papel de escribir, pisos, tarjetas o tejidos suavemente colgados. La variedad de escala y colocación era claramente una abstracción de las formas de examinar el mundo que vemos. Durante ese breve lapso, Halaby dejó Bloomington para enseñar en Honolulu en la Universidad de Hawái , luego se mudó a Kansas City para enseñar en el Instituto de Arte de Kansas City , su segundo puesto docente. [19]
Después de 1965, una actitud científica de cómo exactamente observamos e interpretamos lo que vemos la invadió. Ha escrito: "Empecé a sentir que debía hacer un nuevo comienzo limpio y borrar a mis maestros y mi pasado de mis pensamientos". [20] En este punto, Halaby se basó en lo que vio en los museos y en su conocimiento de la historia del arte para desarrollar su nueva forma de pensar. Examinó a Rembrandt y su uso de la luz y el color en el retrato, y quedó particularmente impresionada con la colección de viejos maestros del Museo de Kansas City. Después de una exploración prolongada y frustrante, una pequeña naranja en el alféizar de una ventana captó la atención de Halaby y comenzó la nueva serie. Esta inspiración puede atribuirse a la pintura Virgen con el Niño en un interior doméstico ( c. 1467-69) del maestro flamenco Petrus Christus en la colección de la Galería de Arte Nelson-Atkins en Kansas City. [21] Halaby estaba enseñando en el Instituto de Arte de Kansas City y dirigiendo un programa audazmente experimental para estudiantes de primer año. [22]
Al describir su interés por los escritos posteriores, Halaby cuenta que volvió a visitar el museo para examinar cómo los artistas históricamente trataban los bordes. Gracias a su minuciosa formación en la Universidad de Cincinnati , Halaby comprendió los fallos de la perspectiva. Quería saber exactamente qué es lo que vemos cuando nuestro ojo recorre la superficie de un objeto esférico o cilíndrico, llega al borde y luego salta a un fondo lejano. Al no encontrar respuestas, Halaby se dio cuenta de que la forma en que vemos es educada. A lo largo de milenios, los artistas han contribuido con la multitud de pequeños descubrimientos que crearon el monumento de la cultura visual que nos enseña a ver, lo que Halaby llama "conjugación visual". [23] Esto se convirtió, entonces, para Halaby, en el desafío importante, ya que insistió en que la pintura es exploración, no actuación.
Como la serie Naturaleza muerta geométrica había satisfecho su curiosidad, Halaby se encontró en un punto crítico en su camino artístico. Sintió que podía explorar una de dos direcciones, o bien centrarse en el individuo y en el yo o en la vida fuera de él. Probó la primera dirección haciendo un retrato de una amiga, pero rápidamente decidió adoptar la segunda. Interpretó la idea de la vida fuera del yo como una pintura que expande su contenido fuera del marco.
Como punto de referencia, Halaby había comprado varios libros usados sobre geometría, algunos de ellos dedicados a la instalación de tuberías. Un libro que mostraba cómo cortar formas planas que podían formar complejos accesorios tridimensionales para tuberías la llevó a fascinarse por trazar curvas helicoidales y, más tarde, cicloides. Halaby trazaba estas curvas en grandes hojas de papel cuadriculado y luego seleccionaba secciones para pintar. [24]
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Mientras enseñaba en la Escuela de Arte de Yale , Halaby trabajó en la nueva serie Vuelo en diagonal . El título se le había ocurrido mientras observaba a unos niños jugar con los brazos extendidos mientras corrían, haciendo ruidos de motores, fingiendo ser aviones. Se había estado preguntando hacia qué dirección deberían inclinarse los horizontes diagonales de sus nuevas pinturas. Los niños, siendo en su mayoría diestros, inclinaban su vuelo simulado hacia la derecha. Ella decidió inmediatamente seguir sus hábitos naturales. [25]
Aunque todavía consciente del compromiso de perseguir la idea de conjugación que emanaba de las naturalezas muertas geométricas, Halaby estaba poniendo a prueba la irracionalidad de la perspectiva y el sombreado al crear un espacio sombreado con precisión que no podemos leer de acuerdo con nuestras habilidades educadas. ¿Cómo verían los espectadores un cilindro cuidadosamente sombreado si se extendiera fuera del perímetro de la pintura en ambos extremos? La información sobre la profundidad del cilindro sería proporcionada de manera tan concreta por los extremos circulares y no sería visible. El resultado fue que la escala se volvió relativa y el espacio de las pinturas podía leerse fácilmente como horizontes de colores variados como los que se pueden ver desde la ventana de un avión. La geometría y la convergencia de las medidas continuaron dominando sus pensamientos.
En 1979, Halaby sintió que había llegado al final de la serie Vuelo en diagonal . En lugar de experimentar con nuevas direcciones, dejó de pintar por completo durante un breve período y luego pintó profusamente, la mayor parte de lo cual terminó destruyendo. Fue un momento crucial importante en el que pasó a la segunda gran fase de su vida artística, la de la abstracción. En esencia, explica Halaby, fue esencialmente una continuación de la visión pero con la adición de la cuarta dimensión del tiempo. [26]
Por último, la serie Cúpula de la Roca se inspiró en una visita a Jerusalén en 1966. Líneas diagonales de cuarenta y cinco grados emanan de las esquinas, mientras que las puntas de los diamantes comienzan y terminan en lugares medidos en el perímetro. Aquí, agregó cilindros y texturas inspiradas en el arte árabe con incrustaciones. [27]
Otra serie corta basada en investigaciones que la artista hizo muchos años antes es Hojas de otoño y bloques de la ciudad . Su enfoque en las células entre las venas de las hojas de otoño [28] y su similitud con los bloques de la ciudad que conocía en Nueva York conectados entre sí formaron la base de esta serie. En ese momento, Halaby vivía en Nueva York y viajaba a New Haven mientras enseñaba en la Escuela de Arte de Yale. [29]
Halaby se dio cuenta de que la construcción humana estaba dominada por el ángulo recto, pero que en el crecimiento de las autopistas y las manzanas de las ciudades esos rectángulos en ángulo recto a menudo se veían perturbados y, por lo tanto, truncados por las necesidades impuestas por las formaciones naturales del terreno. Se parecían a las células entre las venas de una hoja de arce. Las formas en que los puentes cruzaban los ríos en ángulos rectos y luego se doblaban según la formación del terreno también formaban parte de la inspiración. Halaby determinó que sus pinturas, para ser tan hermosas como la naturaleza, tenían que crecer de acuerdo con principios extraídos de la naturaleza. Por lo tanto, lo que es único en esta serie es que se basa en el proceso de crecimiento que observó en la naturaleza. [30]
Las ideas relacionadas con la imitación de los principios de crecimiento dominaron su creatividad durante la década de 1980. Comenzó a permitir que las líneas y las formas se cambiaran activamente entre sí. Una forma que es intersectada por una línea puede dividirse en dos. Una línea que recibe una forma puede reflejarse en el contorno de la forma. El color y la composición, así como el perímetro de las pinturas, participaron en este proceso de crecimiento. Halaby estaba comenzando a encontrar su camino a través de una nueva forma de ver y una nueva forma de hacer pinturas abstractas, una que imita los principios de la naturaleza, no su apariencia. Su trabajo se hizo más evidente en gestos de movimiento libre y su ejecución más intuitiva en general, mientras que sus ideas permanecieron fuertemente estructuradas.
Halaby, fascinada por la informática desde sus días como estudiante de posgrado en la Universidad de Indiana, comenzó a centrarse en la relación del arte con la tecnología de su tiempo. Después de retirarse de la docencia, Halaby comenzó a experimentar con formas de arte electrónico durante la década de 1980, aprendiendo por sí misma cómo programar los lenguajes de programación Basic y C en una computadora Amiga 2000. Los resultados fueron programas cortos que se ejecutaban por sí solos con imágenes abstractas en movimiento y con sonido a los que llamó pinturas cinéticas. [31]
Unos años más tarde, a principios de los años 90, Halaby comenzó a programar en una PC, convirtiendo el teclado en un piano de pintura abstracta. Este programa también se llamó Kinetic Painting y no se publicó, pero siguió siendo la herramienta privada de la artista. Lo utilizó para actuar en vivo con músicos. El músico multipercusionista Kevin Nathaniel Hylton se convirtió en su principal colaborador cuando comenzó el proceso de actuación pública utilizando su programa. Con el músico Hasan Bakr formaron el Kinetic Painting Group y actuaron en numerosos lugares fuera de Broadway, a menudo acompañados por otros músicos. [32]
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A principios de 1990, Halaby revisó toda su práctica y llegó a la conclusión de que era hora de crear espacio en la pintura, basándose únicamente en las pinceladas como elementos básicos de la obra. A principios de la década de 1980 había eliminado el sombreado y la perspectiva; ahora eliminó la forma. Permitir únicamente la distribución de pinceladas de diferentes tamaños y colores para crear el espacio sin referencia a imágenes fue a la vez difícil y generativo.
Empezaron a surgir nuevas referencias a nuestra forma de ver. Halaby solía hablar de cómo nuestros ojos cambian de foco de un lugar a otro mientras caminamos y examinamos nuestro entorno. Así, la forma en que miramos y no lo que miramos se convirtió en el tema de la pintura. Cuando los espectadores ven la distribución de las pinceladas en una pintura, reconocen sus propios hábitos de mirar el mundo y, de maneras que no están del todo claras, surge una experiencia de espacio relativo en una pintura abstracta.
A lo largo de una larga y fructífera carrera, Samia Halaby siempre ha mantenido el plano del cuadro y su perímetro como elemento principal de la composición. Ahora comienza a contemplar la posibilidad de eliminarlos. El resultado fue una serie de obras sin bastidor. Se cortaron trozos de lienzo previamente pintados y se les dio forma cosiéndolos. Se aplicó pintura antes y después de cortar y a ambos lados de los fragmentos de lienzo. Las piezas separadas se trataron a menudo como pinturas por derecho propio. Al agrupar las piezas, a menudo se sintió inspirada por la belleza de cómo las hojas se construyen para formar árboles magníficos.
Hanging Gardens surgió de la pintura "sin bastidor" de Halaby, en la que cortaba partes del lienzo pintado y las recombinaba. En este caso, la necesidad de hacer un collage de las partes llevó a coserlas. Los métodos para unir partes consecutivas dieron lugar a sensaciones de hojas y ramas de árboles. "Estaba tan inmerso en esta exploración estética, sintiéndome como si estuviera haciendo árboles, que no me di cuenta de que el principio más importante del cultivo de árboles se contradice con mis suaves puntadas colgantes. Así surgió la idea de los jardines colgantes".
A partir de su relación con la galería Ayyam, Halaby comenzó a confiar en sus intuiciones e intentó explotar toda su experiencia sin exigir que el crecimiento fuera un proceso conocido o una exploración planificada. Los ecos de todo lo que había aprendido en un largo viaje aparecieron en lienzos más grandes que los que había hecho antes. Este período más reciente incluye al menos diez obras de tamaño mural. Es una rica efusión en forma puramente abstracta que aprovecha la belleza de la naturaleza y de la construcción humana.
En 2024, Halaby tenía prevista su primera retrospectiva en los Estados Unidos en el Museo de Arte Eskenazi de la Universidad de Indiana en Bloomington , pero la muestra se canceló en diciembre de 2023. [33] [34] La Universidad citó "preocupaciones de seguridad" como motivo de la cancelación de su muestra. Se citó a Halaby diciendo que cree que el motivo de la cancelación de su muestra fue suprimir las voces palestinas durante la guerra entre Israel y Hamás (2023-2024) . [35] [36]
Debido a su reconocimiento tanto en la escena del arte árabe contemporáneo como en la comunidad activista con sede en los Estados Unidos, Halaby ha sido objeto de numerosas obras de arte de otros artistas. La película Samia de 2008 del cineasta y artista conceptual sirio Ammar Al-Beik se creó en torno a una entrevista grabada con la artista. Al Beik incluye el propio metraje de Halaby de un viaje a Cisjordania, en el que narra su estancia allí y más tarde documenta un viaje al apartamento de su abuela en Jerusalén. Esto se entrelaza con las propias secuencias de Al Beik que exploran la condición palestina moderna. [37] En 2011, el artista conceptual palestino Khalil Rabah incluyó un retrato de Halaby para su proyecto a gran escala de "ready mades" que se presentó como una visión general "subjetiva" de la historia del arte palestino contemporáneo. El retrato de Rabah se basa en una fotografía del archivo de la artista que se tomó en una de sus primeras exposiciones en la década de 1960. [38]
Como investigadora independiente, ha contribuido a la documentación del arte palestino del siglo XX a través de numerosos textos, entre ellos su libro de 2001 Liberation Art of Palestine: Palestine Painting and Sculpture in the Second Half of the 20th Century (HTTB Publications), [39] y un capítulo titulado "The Pictorial Arts of Jerusalem During the First Half of the 20th Century" que aparece en el libro de 2012 Jerusalem Interrupted: Modernity and Colonial Transformation 1917-Present (ed. Lena Jayyusi, Olive Branch Press), [40] y a través de varias exposiciones comisariadas de arte palestino en los EE. UU. También ha impartido numerosas conferencias sobre el tema en galerías y universidades de todo Estados Unidos y en lugares del mundo árabe.
A principios de la década de 2000, jugó un papel decisivo en la histórica exposición "Made in Palestine", organizada por el Station Museum of Contemporary Art en Houston y comisariada por James Harithas , Tex Kerschen y Gabriel Delgado. [41] Halaby ayudó activamente a los comisarios a investigar a los artistas palestinos, tanto en los EE. UU. como en el mundo árabe, presentándoles a artistas como el fallecido Mustapha Hallaj en Siria y Abdul Hay al Mussalam en Jordania, por ejemplo. [42] La primera exposición de arte palestino en un museo que se celebró en los EE. UU., "Made in Palestine" (2003), realizó una gira por todo el país. [43]
La exposición de 2004 "El tema de Palestina", que Halaby organizó para el Museo de Arte DePaul, fue descrita por el Chicago Tribune como una exposición que presentaba "el trabajo de 16 artistas palestinos contemporáneos, de modo que incluso los espectadores menos informados probablemente saldrán de allí con la sensación de haber visto y comprendido algo importante". La reseña continuaba felicitando al Museo de Arte DePaul por su "presentación incisiva". [44]