Lucio Fontana ( en italiano: [ˈluːtʃo fonˈtaːna] ; 19 de febrero de 1899 - 7 de septiembre de 1968) fue un pintor, escultor y teórico argentino-italiano . [1] Es conocido como el fundador del espacialismo y exponente de la pintura abstracta como el primer artista conocido en cortar sus lienzos, lo que simboliza un rechazo absoluto de todos los prerrequisitos del arte.
Nació en Rosario, Santa Fe , Argentina, de padres inmigrantes italianos, fue hijo del escultor Luigi Fontana (1865-1946). [2] [3] Fontana pasó los primeros años de su vida en Argentina y luego fue enviado a Italia en 1905, donde permaneció hasta 1922, trabajando como escultor con su padre, y luego por su cuenta. Ya en 1926, participó en la primera exposición de Nexus, un grupo de jóvenes artistas argentinos que trabajaban en Rosario de Santa Fe. [4]
En 1927 Fontana regresó a Italia y estudió junto a Fausto Melotti con el escultor Adolfo Wildt , [5] en la Accademia di Brera de 1928 a 1930. Fue allí donde presentó su primera exposición en 1930, organizada por la galería de arte de Milán Il Milione . Durante la década siguiente viajó por Italia y Francia , trabajando con pintores abstractos y expresionistas . En 1935 se unió a la asociación Abstraction-Création en París y de 1936 a 1949 realizó esculturas expresionistas en cerámica y bronce. En 1939, se unió a Corrente, un grupo de artistas expresionistas de Milán. [4]
En 1940 regresó a Argentina. En Buenos Aires (1946) fundó junto a algunos de sus alumnos la academia de Altamira, e hizo público el Manifiesto Blanco , que afirma: «Materia, color y sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo constituye el nuevo arte». En el texto, que Fontana no firmó pero al que contribuyó activamente, comenzó a formular las teorías que expandiría como Spazialismo en cinco manifiestos entre 1947 y 1952. [6] A su regreso de Argentina en 1947, apoyó, junto a escritores y filósofos, el primer manifiesto del espacialismo (Spazialismo)**. El estudio y las obras de Fontana fueron completamente destruidos en los bombardeos aliados de Milán, [7] pero pronto reanudó sus trabajos de cerámica en Albisola . En Milán, colaboró con destacados arquitectos milaneses para decorar varios edificios nuevos que formaban parte del esfuerzo de reconstrucción de la ciudad después de la guerra. [8]
Tras su regreso a Italia en 1948, Fontana expuso su primer Ambiente spaziale a luce nera ('Ambiente espacial') (1949) en la Galleria del Naviglio de Milán, una instalación temporal que consistía en una gigantesca forma parecida a una ameba suspendida en el vacío de una habitación oscura e iluminada por una luz de neón. A partir de 1949 comenzó la denominada serie Concepto espacial o de cortes, que consistía en agujeros o cortes en la superficie de pinturas monocromas , dibujando un signo de lo que él llamó "un arte para la era espacial". Ideó el título genérico Concetto spaziale ('concepto espacial') para estas obras y lo utilizó para casi todas sus pinturas posteriores. Estas pueden dividirse en amplias categorías: los Buchi ('agujeros'), a partir de 1949, y los Tagli ('cortes'), que instituyó a mediados de la década de 1950. [9]
Fontana solía revestir el reverso de sus lienzos con una gasa negra para que la oscuridad brillara detrás de los cortes abiertos y creara una misteriosa sensación de ilusión y profundidad. [10] Luego creó un elaborado techo de neón llamado "Luce spaziale" en 1951 para la Trienal de Milán. [11] [12] En su importante serie de Concetto spaziale, La Fine di Dio (1963-64), Fontana utiliza la forma del huevo. Con su serie Pietre (piedras) , iniciada en 1952, Fontana fusionó lo escultórico con la pintura al incrustar las superficies de sus lienzos con empaste pesado y vidrio coloreado. En su ciclo Buchi (agujeros) , iniciado en 1949-50, perforó la superficie de sus lienzos, rompiendo la membrana de la bidimensionalidad para resaltar el espacio detrás del cuadro. [13] A partir de 1958 depuró sus pinturas creando superficies mate y monocromas, centrando así la atención del espectador en los cortes que rasgan la piel del lienzo. [14] En 1959 Fontana exhibió pinturas recortadas con múltiples elementos combinables (llamó a los conjuntos quanta ), y comenzó Nature , una serie de esculturas realizadas cortando un corte a través de una esfera de arcilla de terracota, que posteriormente fundió en bronce. [15]
Fontana participó en muchos proyectos de colaboración con importantes arquitectos de la época, en particular Luciano Baldessari, quien compartió y apoyó su investigación para Luz espacial: estructura en neón (1951) en la IX Trienal y, entre otras cosas, le encargó el diseño del techo del cine en el Pabellón Sidercomit en la XXI Feria de Milán en 1953. [16]
Hacia 1960, Fontana comenzó a reinventar los cortes y perforaciones que habían caracterizado su personalísimo estilo hasta ese momento, cubriendo los lienzos con capas de espesa pintura al óleo aplicada a mano y con pincel y utilizando un bisturí o cuchillo multiusos para crear grandes fisuras en su superficie. En 1961, a raíz de una invitación para participar junto a los artistas Jean Dubuffet , Mark Rothko , Sam Francis y otros en una exposición de pintura contemporánea titulada «Arte y contemplación», celebrada en el Palazzo Grassi de Venecia, creó una serie de 22 obras dedicadas a la ciudad de la laguna. Manipulaba la pintura con los dedos y diversos instrumentos para hacer surcos, incluyendo a veces fragmentos dispersos de cristal de Murano . [4] Fontana fue posteriormente invitado por Michel Tapié a exponer las obras en la Martha Jackson Gallery de Nueva York. Como consecuencia de su primera visita a Nueva York en 1961, creó una serie de obras en metal, realizadas entre 1961 y 1965. [17] Las obras consistían en grandes láminas de cobre brillante y rayado, perforadas y ranuradas, atravesadas por dramáticos gestos verticales que recuerdan la fuerza de la construcción neoyorquina y el metal y el vidrio de los edificios. [4]
Entre las últimas obras de Fontana se encuentran una serie de Teatrini ('pequeños teatros'), en los que volvió a un lenguaje esencialmente plano al utilizar telones de fondo encerrados en alas que se asemejan a un marco; la referencia al teatro enfatiza el acto de mirar, mientras que en primer plano una serie de esferas irregulares o siluetas onduladas y oscilantes crean un animado juego de sombras. [9] Otra obra de esa época, Trinità (Trinidad) (1966), consiste en tres grandes lienzos blancos puntuados por líneas de agujeros, abrazados en un escenario teatral hecho de láminas de plástico ultramar que se asemejan vagamente a alas. [7]
En los últimos años de su carrera, Fontana se interesó cada vez más por la puesta en escena de su obra en las numerosas exposiciones que lo homenajearon en todo el mundo, así como por la idea de pureza lograda en sus últimos lienzos blancos. Estas preocupaciones fueron prominentes en la Bienal de Venecia de 1966, para la que diseñó el entorno para su obra. [13] En la Documenta IV de Kassel en 1968, colocó una gran barra de yeso como el centro de un laberinto totalmente blanco, que incluía techo y suelo ( Ambiente spaziale bianco ). [18] [19]
Poco antes de morir asistió a la manifestación “Destruction Art, Destroy to Create” en el Finch College Museum de Nueva York. Luego abandonó su casa de Milán y se dirigió a Comabbio (en la provincia de Varese , Italia), la ciudad natal de su familia, donde murió en 1968.
Fontana creó una prolífica cantidad de obra gráfica con motivos abstractos así como figuras, poco conocidas en el mundo del arte, al mismo tiempo que producía sus obras abstractas perforadas. [20] También fue el escultor del busto de Ovidio Lagos , fundador del periódico La Capital , en mármol de Carrara .
Fontana tuvo sus primeras exposiciones individuales en la Galleria del Milione, Milán, en 1931. [21] En 1961, Michel Tapié organizó su primera muestra en los EE. UU., una exposición de la serie Venecia, en la Martha Jackson Gallery, Nueva York. Su primera exposición individual en un museo estadounidense se realizó en el Walker Art Center , Minneapolis, en 1966. [22] Participó en la Bienal de São Paulo y en numerosas exposiciones en todo el mundo. Entre otras, se han organizado importantes retrospectivas por parte de la Colección Peggy Guggenheim , Venecia (2006), la Hayward Gallery , Londres (1999), la Fondazione Lucio Fontana (1999) y el Centro Pompidou (1987; viajó a La Fundación 'la Caixa' Barcelona; Stedelijk Museum Amsterdam ; Whitechapel Gallery , Londres). [7] Desde 1930, el trabajo de Fontana se había exhibido regularmente en la Bienal de Venecia , y representó a Argentina varias veces; En 1966 recibió el Gran Premio de Pintura en la Bienal de Venecia. En 2014, el Museo de Arte Moderno de París le dedicó una retrospectiva. Tornabuoni Art realizó una muestra paralela en su galería Avenue Matignon de París. [23] La primera gran retrospectiva estadounidense desde la muerte del artista se realizó en 2019 en el Met Breuer . [24]
Las obras de Fontana se encuentran en las colecciones permanentes de más de cien museos de todo el mundo. En particular, los ejemplos de la serie Pietre se encuentran en el Stedelijk Museum de Ámsterdam, el Centro Pompidou de París, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Galleria Nazionale d'Arte Moderna de Roma, el Museo de Arte Contemporáneo Villa Croce de Génova y el van Abbemuseum de Eindhoven. [25] Las joyas de Fontana están incluidas en la colección permanente del Museo de Bellas Artes de Boston . [26]
En 2006, el erudito italiano Enrico Crispolti editó un catálogo razonado de dos volúmenes de las pinturas, esculturas y ambientes de Fontana. En 2013, Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini y Silvia Ardemagni publicaron un catálogo razonado de tres volúmenes de las obras en papel de Fontana, que incluye más de 5.500 obras en orden cronológico. [27]
Una obra rara, de gran tamaño, en color carmesí con una sola barra, que Fontana dedicó a su esposa y que siempre se ha conocido como Teresita , se vendió por £ 6,7 millones (US$ 11,6 millones) en Christie's Londres en 2008, entonces un récord de subasta para el artista. [28] El Concetto Spaziale, Attese (1965) de Fontana , de la colección de Anna-Stina Malmborg Hoglund y Gunnar Hoglund estableció un nuevo récord para una pintura con una barra en £ 8,4 millones en Sotheby's Londres en 2015. [29] Aún más populares son los lienzos ovalados de Fontana. En 2008, Sotheby's vendió una obra titulada Concetto spaziale, la fine di dio (1963) por 10,32 millones de libras. [30] Parte del círculo veneciano de Fontana, Festival on the Grand Canal se vendió en Christie's en Nueva York por 7 millones de dólares. [31]
En noviembre de 2015, Christie's estableció un récord de subasta para la obra del artista Concetto spaziale, la fine di dio , 1964, vendida por 29 millones de dólares. [32]
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