La Primera Exposición de Arte Ruso ( en alemán : Erste Russische Kunstausstellung Berlin ) fue la primera exposición de arte ruso celebrada en Berlín después de la Revolución Rusa . Se inauguró en la Galería van Diemen, 21 Unter den Linden , el domingo 15 de octubre de 1922. La exposición fue organizada por el Comisariado del Pueblo Soviético para la Educación y resultó controvertida en relación con los desarrollos actuales del arte de vanguardia en Rusia , en particular Constructivismo .
En 1918, la sección de Bellas Artes (IZO) de Narkompros estableció una Oficina Internacional que incluía a Nikolay Punin , David Shterenberg , Vladimir Tatlin y Vassily Kandinsky . [1] Trabajaron con Ludwig Baehr , un ex oficial del ejército imperial alemán con inclinaciones artísticas . Baehr había estado en el equipo negociador alemán para el Tratado de Brest Litovsk y posteriormente fue asignado a establecer vínculos con la intelectualidad rusa . Estableció vínculos con el Novembergruppe y el Arbeitsrat für Kunst (Consejo de Trabajadores del Arte). En particular, llevó mensajes entre Bruno Taut , Walter Gropius y Max Pechstein . Sin embargo, también importaba libros e imprentas a Rusia en contra de la política establecida por el Ministerio de Asuntos Exteriores alemán y, tras su arresto a finales de 1919, este canal de comunicación dejó de funcionar. En 1921 le dieron a Kandinsky el mandato de organizar una exposición de arte ruso contemporáneo en Berlín. [2] Sin embargo, debido a diferencias políticas y estéticas, la organización de la exposición se retrasó ya que personal diferente asumió la responsabilidad de la exposición. Al final fue organizado por Shterenberg, el entonces director de IZO, Nathan Altman , y Naum Gabo .
El Catálogo fue publicado por Workers International Relief para recaudar fondos en respuesta a la sequía y la hambruna en el área del Volga , particularmente en aquellas tierras ocupadas por los alemanes del Volga . Presentaba un prólogo con secciones escritas por David Shterenberg, Edwin Redslob (en su calidad de Reichskunstwart ) y Arthur Holitscher , quien en 1921 había publicado un relato de su visita a la Rusia soviética.
Shterenberg contó cómo los intentos anteriores de los artistas rusos de mantenerse en contacto con sus homólogos occidentales se habían limitado a la publicación de proclamas y manifiestos, pero que con esta exposición se había dado un paso real para acercar a ambos grupos. El objetivo declarado de la exposición era mostrar la historia completa del desarrollo del arte ruso durante la guerra y la revolución. Se refirió al efecto transformador de la Revolución de Octubre al abrir el arte a las masas, que así habían revitalizado lo que había sido la cultura oficial muerta del " gran arte ". Esta dinámica también había abierto nuevas oportunidades para las fuerzas creativas de Rusia, ya que sus ideas podían luego llevarse a los espacios públicos de pueblos y ciudades, que estaban siendo transformados por la revolución. Se estaban desarrollando nuevos enfoques en materia de decoración urbana y arquitectura: el artista ya no trabajaba de forma aislada, sino en estrecho contacto con la gente, que a veces respondía con entusiasmo y otras con desprecio. En estas nuevas circunstancias difíciles, algunos quedaron en el camino, pero otros florecieron. La limitación de los lienzos, o los "ataúdes de piedra" que pasaban por viviendas, estaban siendo barridas a medida que la nueva sociedad exigía un nuevo entorno. [3]
Continuó que inmediatamente después de la revolución la atención se centró en la decoración de los espacios públicos, que sin embargo no serían adecuados para la exposición. La exposición se centró así en el trabajo de diferentes movimientos activos en Rusia: la más tradicional Unión de Artistas Rusos , Mir Iskusstva , el Grupo Sota de Diamantes , los impresionistas y grupos de izquierda como los cubistas , los suprematistas y los constructivistas. También se incluyeron otros trabajos excepcionales de artistas que no encajaban en ninguno de estos grupos. También se incluyeron carteles de la Guerra Civil Rusa , así como artículos de la fábrica estatal de porcelana. También afirmó que el gobierno soviético buscaba obras de arte alemanas para exhibirlas en la Rusia soviética [3].
La contribución de Redslob buscó equilibrar el arraigo de los artistas en su propia cultura con el reconocimiento de la importancia de las cuestiones contemporáneas en el arte. Describió una responsabilidad compartida en la construcción de Europa y dijo que le conmovió la petición de que se exhibiera arte alemán en Rusia.
Holitscher hizo una declaración en la que sugería que los artistas eran más capaces de comunicar lo que estaba sucediendo en un período de disolución de una época y surgimiento de otra. Al mencionar los movimientos artísticos de los cincuenta años anteriores, dijo que no deberían descartarse como "revoluciones de estudio". Describió cómo la llegada de una revolución espiritual fue percibida por primera vez por grupos de artistas precoces que luego serían recogidos por conocedores, coleccionistas, marchantes y directores de museos, e incluso algunos snobs. De esta manera se ve arrastrado a la sociedad burguesa y al mundo de la astucia comercial y la ambición social. Sólo en raras ocasiones se convierte en una cuestión de placer y satisfacción de la comprensión interior. Sin embargo, son las masas, total o parcialmente conscientemente, las que impulsan al artista a alcanzar nuevos logros. Así, la revolución que surge del estudio del artista puede no tener tanto impacto como aquellas que guían los intereses políticos y económicos de la sociedad; sin embargo, hay períodos en los que la esclavitud de las masas tiene un papel más importante en las obras creativas de sus contemporáneos, incluso si ya no se comprenden las circunstancias en las que trabajaron Praxiteles , Miguel Ángel o Durero . En esos tiempos, el artista tiene el poder de dar forma a las aspiraciones políticas y económicas del pueblo. [4]
Continuó que antes de una transformación revolucionaria de la sociedad se pensaba que el artista sería el primero en abrazar lo nuevo. Sin embargo, esto es sólo parcialmente cierto. Los artistas revolucionarios están tan conmocionados como el resto de la población en general, y sólo unos pocos, señalados como seres humanos y como artistas, siguen sus convicciones internas y sirven al destino del pueblo. Intentan conectarse con las masas mientras los "revolucionarios de estudio" se mantienen al margen, pretendiendo unirse pero en realidad saboteando el movimiento. Mientras la nueva visión se manifiesta en los espacios públicos de las calles, plazas, puentes y barricadas, integrándose en la vida vigorosa del pueblo, los "revolucionarios de estudio" regresan arrastrándose a la neblina de pintura al óleo en sus talleres. El desarrollo del arte ya no depende de la visión de un solo hombre profético, sino del impulso natural del pueblo que se levanta como un coro triunfante. La teoría del arte nacida del viejo mundo individualizado es barrida por la revolución victoriosa. El arte que surge de esta manera no puede ser criticado en términos de actividad artística, sino más bien en términos de las circunstancias políticas y económicas que lo originan. Un arte así creará en sí mismo nuevas leyes estéticas, significará en sí mismo una revolución y no simplemente un segmento de la revolución. "Significará la totalidad de las fuerzas creativas de una época, no un aspecto aislado de sus muchas manifestaciones posibles". [4]
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