On the Threshold of a Dream es el cuarto álbum de The Moody Blues , lanzado en abril de 1969 con elsello Deram . El álbum alcanzó la cima de las listas de álbumes, siendo el primer álbum número uno del grupo en el Reino Unido. [1] Según el guitarrista Justin Hayward , "Creo que Threshold es el álbum que define a Moody Blues. Y es el de los años 60 que encontrabas en las casas de la gente cuando ibas, tenían ese álbum". [2]
El álbum fue grabado en enero de 1969 tras concluir la primera gira del grupo por Norteamérica. Lanzado en abril de 1969, nueve meses después de su predecesor, In Search of the Lost Chord y siete meses antes de su sucesor, To Our Children's Children's Children , el álbum marcó una época ocupada de rápida producción creativa por parte de la banda. El guitarrista Justin Hayward recuerda: "Estábamos en un tren rápido en los años 60 con la cabeza gacha, trabajando en estas cosas, sin hacer mucho en la carretera. Simplemente volvimos al estudio y seguimos adelante". [3]
Al igual que sus predecesores, On the Theshold of a Dream es un álbum conceptual, pero tiene un tema más flexible que Days of Future Passed y In Search of the Lost Chord . El título del álbum refleja las esperanzas del zeitgeist del flower power y la era del amor libre de Woodstock, y la esperanza de que la sociedad estuviera en la cúspide de una nueva era de conciencia, una nueva iluminación. El título fue acuñado por Mike Pinder en una conversación con su amigo y presentador de la BBC David Symonds . Pinder recuerda: "Hacia la mitad de la realización del álbum, cuando estábamos dando vueltas a algunos títulos, recuerdo haber hablado de que aquí estábamos, que acabábamos del 67 en caftanes ; todo el mundo estaba en la calle y fue divertido". tiempo, y el poder de las flores y todo ese tipo de cosas. Entonces, estábamos pensando: 'Oye, estamos al borde de una nueva conciencia, una nueva forma de ver las cosas'. Y entonces estábamos hablando de eso, y era como si estuviéramos "al borde de un sueño humano, un sueño de la humanidad", y Dave dijo "umbral", y a mí se me ocurrió "de un sueño", y fue como perfecto." [4] El guitarrista Justin Hayward continúa: "Probablemente nos estábamos tomando demasiado en serio. Pero con toda razón. Para hacer lo que estábamos haciendo teníamos que creer en ello. Fue desde el corazón. Pero en ese momento obtuvimos la reputación. "Por eso. Sentí que estaba hablando por muchas otras personas a finales de los años 60. Quería escribir sobre nuestra búsqueda de la iluminación, tan simple como eso. Todavía lo estoy haciendo". [5]
El bajista John Lodge recuerda el proceso creativo de la banda, cómo cada miembro aportaba ideas al grupo relacionadas con el tema del álbum, y luego trabajaban juntos en las canciones mientras producían el álbum: "Colectivamente todos teníamos el mismo tema. Pero como éramos Era gente diferente y todos tocábamos cosas diferentes y sonábamos diferentes, cada canción era diferente a pesar de que el tema era el mismo". [6] Continúa: "Cuando entramos al estudio, teníamos una mesa de café; solíamos sentarnos allí y hablar sobre una canción. Si había escrito una canción que quería en el álbum, se la tocaba al resto. de los chicos cuando nos sentábamos alrededor de esa mesa, y todos alrededor de esa mesa ponían su interpretación en esa canción. Tan pronto como tocaste la canción para el resto de los chicos, realmente se convirtió en una canción de Moody Blues. Tenías total fe en "El resto de los chicos dijeron que iban a ser tan creativos como pudieran para hacer que esa canción funcionara al máximo nivel". [7]
El álbum comienza con una introducción hablada inspirada en el argumento filosófico de René Descartes Cogito, ergo sum , donde el narrador cuestiona y luego confirma su propia existencia, para luego cuestionar el significado de su existencia. Escrito por el baterista Graeme Edge , el teclista Mike Pinder recuerda que la producción de la introducción fue un esfuerzo de colaboración entre los miembros del grupo. [8] "In the Beginning" presenta tres personajes, enumerados como "First Man", "Establishment" y "Inner Man" en la letra impresa proporcionada en la portada plegable del álbum. Hayward asume el papel de una persona solitaria un poco desconcertada que confirma su propia existencia. Edge, una figura burlona del establishment, confirma la existencia del primer hombre, pero insiste en que su propósito es ser un engranaje en una máquina corporativa. El primer hombre afirma tímidamente que cree que su existencia es más que eso, encontrando aliento en su "Hombre Interior", hablado por Pinder, quien le dice que "mantenga la calma" y "siga pensando libre".
El alegre "Lovely to See You" abre el álbum. Con su letra acogedora, la canción sirvió más tarde como apertura del concierto durante la última parte de la carrera del grupo.
La letra de "Dear Diary" refleja la sensación de no poder relacionarse con el mundo que pasa rápidamente a tu alrededor. La canción presenta un poco de comentario social cortante al cerrar con una entrada mundana en el diario que relata un día en el que se publicaron cartas y se miraron escaparates, seguida de un relato tenue de que "Alguien hizo explotar una bomba H hoy... Pero no era nadie que yo conociera". " mientras la canción se desvanece. El ingeniero Derek Varnals recuerda que Thomas improvisó la narración final durante la grabación. Al mezclar el álbum, Varnals tuvo cuidado de atenuar la pista en el momento adecuado para lograr el máximo efecto: "Sí, queríamos mantener eso porque era ingenioso y bastante divertido. Todo lo que teníamos que hacer era conseguir el momento adecuado". "El desvanecimiento. No queríamos que fuera demasiado ruidoso; tenía que ser parte del desvanecimiento, y creo que lo hicimos bien". [9]
Los alegres "Send Me No Wine" y "To Share Our Love" están escritos por el bajista John Lodge . La letra de "Send Me No Wine" refleja un estilo de música country. Varnals sugiere: "'Wine' es en realidad una canción country y occidental. Cuando la toques, imagínala más lenta, con algunas repeticiones eliminadas. Escucha la canción y observa que las partes de Mellotron se parecen mucho a una guitarra de pedal de acero. también." [10]
"So Deep Within You" de Mike Pinder fue grabada más tarde por Four Tops con acompañamiento instrumental de miembros de Moody Blues. [11]
La segunda cara se abre con "Never Comes the Day" de Hayward, una oda al amor no correspondido. Recuerda que la canción estuvo influenciada por sus luchas por encontrar significado a su vida en ese momento: "Fue un momento bastante difícil en mi vida. Fue una situación realmente dolorosa para alguien que era tan joven como yo en ese momento. No era Estaba bastante seguro de mi propia vida y de lo que estaba haciendo y de lo que era extraño y de dónde vivía y de las personas que me rodeaban, incluidas las personas del grupo. Estaba como cuestionando todo y al mismo tiempo tratando de vivir algunas cosas. de las filosofías de la época. Fue una época de fuertes caminos y rutas filosóficas sobre las que la gente escribía. Fue una especie de era de iluminación y de búsqueda de la iluminación". [12] El estado de ánimo lastimero de la canción va in crescendo con una exhortación a los oyentes a compartir sus sentimientos entre sí. Explica: "Sentí que era necesario construir algo que fuera más feliz y más optimista. Simplemente fue algo natural para mí. Me gusta la dinámica en las canciones: luces y sombras. Me gustaba empezar en voz baja y luego subir más fuerte". [13] La canción emplea una afinación en G abierta , que Hayward recuerda haber aprendido mientras estaba de gira con Richie Havens : "Aprendí mucho en esos primeros años sobre acordes, afinaciones abiertas. "Question", que es una afinación en C abierta grande, y " Never Comes a Day", en Sol abierto. Tocamos varias veces con Richie Havens y él me mostró bastantes afinaciones detrás del escenario en los conciertos con esa hermosa y vieja guitarra suya". [14]
"Lazy Day" de Ray Thomas y "Are You Sitting Comfortably" de Hayward introducen un estado de somnolencia, preparando al oyente para la pieza central del álbum, la suite " Have You Heard " de Mike Pinder.
"Lazy Day" incorpora un poco de sátira, burlándose de aquellos que pasan el día con un sentimiento de satisfacción. Con la frase "debe ser cordero hoy porque la carne lo fue la semana pasada", las notas del relanzamiento describen la letra como "un comentario mordaz sobre el domingo promedio para el trabajador británico". [15] La alegría de los versos se contrasta con coros etéreos pero cínicos: "Es una lástima / Semana tras semana igual / Así es como pasa tu vida / Hasta el día de tu muerte".
Según Hawyard, "Are You Sitting Comfortably" trata "sobre la narración de historias, pero elevada a una historia un poco psicodélica". [16] Sus letras recuerdan los días de los juglares medievales, con guitarras tocadas con los dedos y letras llenas de imágenes vibrantes que incluyen "una flota de galeones dorados en un mar de cristal" y los "días gloriosos de Camelot" mientras Merlín lanza un hechizo de sueño. . La canción toma su primera línea de un popular programa infantil, Escucha con mamá , que siempre comenzaba con la misma línea y se asociaba con la frase. [17] "Are You Sitting Comfortably" fue escrita hacia el final de las sesiones y, aparte de "The Dream", fue la última pista grabada para el álbum. Hayward recuerda: "Ya tenía el riff de guitarra y la secuencia de acordes, y tenía la primera línea y el título. Y luego partimos de ahí. Ray contribuyó con muchas letras. Sé que lo primero que hizo fue eso. segunda línea, "Una flota de galeones dorados, en un mar de cristal", que es una frase muy de Ray Thomas". [18]
La recitación de Mike Pinder del poema "The Dream" de Graeme Edge introduce la secuencia de sueños del álbum. Sus palabras sugieren que así como la vida nueva surge de la muerte en la naturaleza, un espíritu de amor y altruismo puede ayudar a la sociedad a realizar su sueño y alcanzar la iluminación. Edge explica: "Mi trabajo en aquel entonces era escribir un poema que en cierto modo insinuara todos los diversos temas para asegurarme de que las cabezas de las personas apuntaran en la dirección correcta". [19]
"Have You Heard" data de al menos 1966, cuando apareció una primera versión en el set en vivo de la banda. [20] Sus letras repiten el tema de la iluminación del álbum. La canción cierra "The Voyage", una pieza instrumental que se construye con cuerdas orquestales producidas por Mellotron y alcanza un crescendo con una melodía repetida en el piano antes de que los violonchelos lideren una transición de regreso a una repetición de "Have You Heard". Varnals recuerda que la sección introductoria de "The Voyage" estuvo influenciada por Also sprach Zarathustra , habiendo sido utilizada en 2001: A Space Odyssey , que fue lanzado varios meses antes de las sesiones del álbum. La grabación de la pista tomó tres días, con Mike Pinder trabajando en gran medida solo en Mellotron, con violonchelos, piano y otros instrumentos sobregrabados tocados por el grupo. [21]
Al final de la repetición de "Have You Heard", el álbum concluye con el zumbido electrónico que abre el álbum. Producido por Mellotron , el sonido se reproduce continuamente en el ritmo final del álbum , lo que hace que se reproduzca continuamente hasta que se levanta el brazo del tocadiscos . [22]
El álbum fue grabado del 12 al 31 de enero de 1969, una vez más en el Studio One de Decca en su estudio de West Hampstead con el productor Tony Clarke y el ingeniero Derek Varnals , empleando el equipo de grabación de 8 pistas Sculley recién instalado en el estudio. La mezcla final del álbum se completó los días 3 y 4 de febrero. [23] [24] Las sesiones normalmente se desarrollaban desde la tarde hasta bien entrada la noche, y el equipo creativo se encerraba dentro del estudio. El productor Tony Clarke recuerda: "Trajimos alfombras, lámparas y ceniceros y grabamos en la oscuridad. Tenía que ser cómodo y acogedor. Las sesiones solían durar desde el mediodía hasta la medianoche". [25]
Justin Hayward recuerda: "Ciertamente fue una época para mí en la que buscaba y buscaba diferentes religiones y experiencias psicodélicas; fue una verdadera época de descubrimiento para mí cuando era joven. Así que me drogaba mucho y profundizar más en la música y esas cosas. Ciertamente lo vi como una oportunidad real de libertad musical en este disco... una forma de expresar el tipo de búsqueda, búsqueda de cosas que estábamos haciendo en nuestras vidas". [26]
El baterista Graeme Edge recuerda el ambiente creativo: "En el álbum nos concentramos en la grabación y no nos apresuramos a hacer conciertos aquí y allá. Como acabábamos de salir de la gira, la música que creamos combinaba el conocimiento del estudio. "Las técnicas que habíamos adquirido grabando In Search of the Lost Chord junto con el oficio que habíamos aprendido actuando en el escenario todas las noches. Eso puede explicar la presencia de On The Threshold Of A Dream de partes más instrumentales". [27]
La apertura "In the Beginning" en particular ofreció muchas oportunidades para que el grupo, además de Clarke y Varnals, expresaran su creatividad de estudio. El álbum comienza y termina con "el sonido de todo pero también de la nada", creado mediante la producción de frecuencias altas y bajas en el Mellotron combinadas con "ruido rosa": Varnals explica: "Elegimos el tono y le pusimos mucha reverberación para haz que suene en todas partes y en ninguna, si quieres. Funcionó y parecía bastante atmosférico". Para respaldar la maníaca voz de la computadora del establishment de Graeme Edge durante la sección hablada, el grupo colocó los relojes de pulsera de todos y los colocó dentro de un embudo con un micrófono. El sonido se combinó con el sonido del ruido metálico del eje giratorio que constituía la mecánica interna de un Mellotron. El efecto general pretendía imitar la maquinaria y las vibraciones de un profesor loco empeñado en dominar. [28]
John Lodge reflexiona sobre cómo evolucionó el proceso creativo del grupo en el álbum: "Creo que con On The Threshold Of A Dream y To Our Children's Children's Children , empezamos a convertirnos en una banda de estudio. Estábamos explorando lo que se podía hacer en cuanto a grabación. y no tocar en vivo. Entonces, experimentábamos en todos los demás lugares para tratar de hacer diferentes sonidos que grabábamos de manera completamente diferente. Fue un momento interesante porque tiramos del elástico de nuestros viajes musicales lo más lejos que pudimos llegar, creo. pensar." [29] Clarke agrega: "Este álbum estableció el estándar de cómo grabamos futuros álbumes conceptuales. Es muy importante en muchos sentidos. Fue la primera vez que tuvimos verdadera libertad en el estudio. Esta fue nuestra primera oportunidad de que nos dejaran en paz". "No hay hombres con batas blancas ni personas con portapapeles. Sigue siendo bastante bonito. Estoy muy orgulloso de ello. En general, me alegro de haberlo hecho". [30]
La portada del álbum, como su predecesor, está diseñada por Phil Travers. Por primera vez, el álbum incorpora una funda plegable que permite un lienzo más grande para las ilustraciones del álbum. La banda repetiría esta práctica en sus siguientes álbumes. El flautista Ray Thomas recuerda haber negociado con su sello discográfico, Decca, sobre el coste adicional: "Les preocupaba que aumentaría el coste de la portada en 2 peniques por álbum. Al principio el jefe de producción nos dijo que si el álbum se publicaba ¡Por muy bueno que dijimos que era, se podía guardar en una bolsa de papel marrón! Al final, después de muchas protestas, logramos salirnos con la nuestra". [31] El espacio adicional permitió incluir, por primera vez, la letra del álbum, así como un ensayo del compositor Lionel Bart . [32]
Las imágenes de la portada muestran "una entidad metálica, tipo robot, que agarra diferentes formas de vida y las aprieta con fuerza, lo que representa la libertad de pensamiento, expresión y creatividad", [33] explica Mike Pinder, así como una imagen de Merlín lanzando un hechizo. , Camelot y una flota de galeones dorados sobre un mar de cristal, imágenes inspiradas en la letra de "Are You Sitting Comfortably". [34] El bajista John Lodge recuerda: "Llevábamos a nuestro artista gráfico, Phil Travers, al estudio para escuchar cada pista a medida que se completaba. También le dimos la letra para que pudiera obtener más ideas. Phil luego esbozaba varios diseños de portada y todos nos sentábamos alrededor de una mesa de café y discutíamos lo que queríamos. Todos sentíamos que tanto la música como el diseño de la portada del álbum tenían que ser parte de un paquete especial y tenían que ser correctos". [35]
On the Threshold of a Dream se estrenó el 25 de abril de 1969 en el Reino Unido [38] y el 30 de mayo de 1969 en Estados Unidos. [39] On the Threshold of a Dream proporcionó a Moody Blues su primer álbum número uno en Gran Bretaña y también impulsó su fortuna en Estados Unidos al convertirse en su primer álbum entre los 20 primeros allí. Resultó ser uno de los discos más duraderos del grupo en los EE. UU., permaneciendo en la lista de LP de Billboard durante más de dos años y medio.
El álbum, junto con el posterior To Our Children's Children's Children , estuvo entre las cintas que llevó el astronauta del Apolo 15, Al Worden, a la luna. [40]
En marzo de 2006, el álbum fue completamente remasterizado en formato SACD y reempaquetado con nueve pistas adicionales. En 2008 se publicó una remasterización para CD de audio estándar con las mismas pistas extra. [ cita necesaria ]
Fuentes: [42]