El Cuarteto de cuerdas n.º 2 de Charles Ives es una obra para cuarteto de cuerdas escrita entre 1907 y 1913. [1] Fue estrenada en el Teatro McMillin de la Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York el 11 de mayo de 1946 por un conjunto de estudiantes de la Juilliard School . [2] Su primera interpretación profesional fue a cargo del Cuarteto de cuerdas Walden , el 15 de septiembre de 1946, en Yaddo , [2] en un concierto que llevó al compositor Lou Harrison a escribir: «Esta obra es... la mejor pieza de música de cámara estadounidense hasta el momento... La música de este tipo solo ocurre cada cincuenta años o un siglo, tan rica en fe y tan llena de sentido de completitud». [3] En sus Memos , Ives se refirió al cuarteto como «una de las mejores cosas que tengo». [4]
El cuarteto fue publicado por primera vez en 1954 por Peer International y fue reimpreso en 1970 con correcciones de John Kirkpatrick . [5] En 2016, Peermusic Classical publicó una edición crítica del cuarteto, encargada por la Charles Ives Society y editada por Malcolm Goldstein . [6]
El cuarteto es una obra programática que representa a cuatro hombres que "conversan, discuten, argumentan (en relación con 'Politick'), pelean, se dan la mano, se callan... ¡y luego caminan por la ladera de la montaña para contemplar el firmamento!" [7] El autor Matthew McDonald escribió que el cuarteto "es la única obra de varios movimientos que Ives completó después de The Celestial Country ... cuyos movimientos pertenecen todos a una 'gran concepción original', en lugar de estar parcial o completamente seleccionados de piezas anteriores", [8] y que "Ives concibió los movimientos del cuarteto como componentes integrados de una única narrativa musical". [9] Según el historiador y teórico musical Robert P. Morgan, el cuarteto "revela un alejamiento radical de la escritura tradicional para cuartetos. En consonancia con la concepción dramática sugerida por los títulos de los movimientos, Ives trata los cuatro instrumentos con un grado de individualidad sin precedentes: cada uno tiene su propio carácter especial, y la calidad general de la obra resulta de una especie de amalgama forzada de los cuatro componentes texturales diferentes". [10]
La obra consta de tres movimientos:
Discusiones, el primer movimiento, comienza tranquilamente pero pronto se vuelve agitado, con un enfrentamiento de instrumentos. Jan Swafford escribió: "En este movimiento, la idea programática de una conversación acalorada se expresa mediante un contrapunto complejo, cromático y disonante. Las líneas, modeladas sobre el habla, tienden a sonar como una conversación. Periódicamente, los instrumentos se unen al unísono rítmico, representando puntos de acuerdo en la discusión. Por lo demás, las cuatro voces se distinguen de una manera más tradicionalmente contrapuntística, las armonías mayoritariamente atonales producen una sonoridad cercana a la que Schoenberg estaba desarrollando durante el mismo período, a un continente de distancia". [11] Después de un estallido culminante, "se reanuda nuevamente la discusión seria y, finalmente, el movimiento termina de manera muy similar a como comenzó". [10] (En el manuscrito, Ives señala "¡Basta de discusión para nosotros!" al final del movimiento. [10] )
Arguments , el segundo movimiento, es "una de las concepciones más originales de Ives". [10] Comienza con los instrumentos imponiéndose bruscamente y en voz alta, uno por uno, y pronto cada instrumento establece su propio "vocabulario" musical y expresivo distintivo. Esto culmina en un pasaje durante el cual los violines tocan en4
4tiempo mientras la viola y el violonchelo tocan en3
8, seguido de un cambio de roles, con los violines tocando en3
8y los demás en4
4. [12] Todos los instrumentos luego reanudan su ejecución en2
4tiempo, pero esto es interrumpido por una cadencia cliché, sentimental y abiertamente tonal marcada "Andante Emasculata" tocada por el segundo violín, [13] durante la cual intenta "establecer un orden musical 'tradicional' entre las partes agresivamente heterogéneas". [10] (Aquí el segundo violín representa a "Rollo", un personaje ficticio que "representaba todo lo que era seguro, conservador y, por lo tanto, reprensible en la música". [10] El manuscrito dice "Bonito y bonito, Rollo" en este punto. [14] ) Los otros tres instrumentos responden con un pasaje fff disonante marcado "Allegro con fisto", que recuerda la apertura del movimiento. Esto es seguido por otra cadencia "Andante Emasculata" por el segundo violín, a la que los otros responden de manera igualmente brusca. [15] Después de un pasaje tranquilo marcado como "Largo sweetota" y otro estallido, hay una sección densa y ruidosa, después de la cual el segundo violín se retira, solo para regresar, tocando insistentemente ritmos exageradamente regulares contra las subdivisiones constantemente cambiantes de los otros instrumentos. [16] Los instrumentos se unen brevemente, tocando al unísono rítmico, pero pronto las cosas se desmoronan en un pasaje marcado como "Allegro con fuoco (todo loco)" que nuevamente recuerda la apertura. [17] Los instrumentos intentan nuevamente unirse, pero caen en estallidos disonantes como antes. Finalmente, después de un pasaje en do mayor tocado al unísono rítmico, hay una pausa breve y tranquila de cuerdas abiertas para respirar marcada como "Andante con scratchy (como afinando)", seguida por una erupción final de fff marcada como "Allegro con fistiswatto (como un KO)". [18]
Según McDonald, el movimiento final, The Call of the Mountains , es "música que personifica el ideal trascendental de Ives de unidad en la diversidad, cuatro capas musicales que son rítmica y melódicamente independientes pero que juntas forjan una tonalidad continua que evoca atemporalidad y eternidad". [19] Sugiere que "la apoteosis de 'The Call of the Mountains' es la propia música del futuro de Ives". [20] De acuerdo con el programa ("subir la ladera de la montaña para ver el firmamento"), los instrumentos se unen lentamente en sus esfuerzos por lograr su objetivo, culminando en un pasaje ostinato "trascendental" durante el cual el violonchelo toca una escala de tonos enteros descendente lenta y majestuosa que comienza y termina en re, que recuerda fuertemente al final del último movimiento de la Sinfonía n.º 4 de Ives , completada varios años después de la composición del cuarteto. Jan Swafford describió el final de la siguiente manera: "Sobre una escala descendente de tonos enteros en el violonchelo, los violines y la viola repican como grandes campanas en los cielos, en patrones como el tañido de campanas. La lucha y las discusiones han preparado el camino para una revelación". [21] McDonald escribió: "El acto comunitario con el que termina el programa está significado por el equilibrio entre la independencia instrumental y la cohesión. Los cuatro debatientes mantienen su individualidad pero forman algún tipo de consenso como medio de coexistencia pacífica; la oposición entre individuo y comunidad se resuelve. La comunión de los cuatro hombres con la naturaleza en la cima de la montaña es evocada por el primer violín, que alcanza un nivel más alto en su cuerda E de lo que la mayoría de los compositores o intérpretes de la época se habrían atrevido a intentar, mientras parafrasea el himno ' Nearer, My God, to Thee '..., el título sugiere el objetivo último del ascenso a la montaña. La eternidad de Dios está representada por la circularidad de cada una de las tres capas instrumentales inferiores, cuyos ostinati se repiten en diferentes periodicidades". [20]
Dörte Schmidt ha señalado que la "dramaturgia formal" del Cuarteto de cuerdas n.º 2 de Elliott Carter se inspiró en el cuarteto de Ives, y escribió que Carter estableció el uso de características instrumentales altamente individuales como "el punto de partida para la forma de su Segundo Cuarteto, en el que se pueden rastrear dos tipos de interacción a través de las nueve unidades formales que duran solo unos veinte minutos en total: cooperación igualitaria y dominio o confrontación". [22] (Carter ayudó a organizar el concierto de Ives de 1946 que incluyó el estreno del cuarteto, así como los estrenos de The Unanswered Question y Central Park in the Dark . [23] )
Robert Moevs sugirió que el Cuarteto de cuerdas n.º 3 de Carter también está en deuda con "... las superposiciones disonantes irreconstruidas de Charles Ives. A él puede deberse la premisa misma de este cuarteto en otro lugar, la de grupos separados a cada lado, tocando al mismo tiempo su propia música a su propio ritmo". [24] Moevs escribió que "el concepto de dramatis personae , individuos de diferente carácter cuya naturaleza y conflictos generan respectivamente el material y la estructura, se encuentra en el origen" [25] del segundo cuarteto de Ives, y continúa enumerando pasajes específicos en el cuarteto de Ives en términos de sus puntos en común con la obra de Carter, como "la división en dúos con metros conflictivos", "una protesta del primer violín, la viola y el violonchelo contra el sentimentalismo del segundo violín (oposición de carácter), y "la subdivisión conflictiva del ritmo... contra un pulso constante". [25] Moevs señaló que "lo que en Ives era desafiante, a veces escandalosamente incongruente, está en Carter domesticado y explotado por el sistema profesional". [25]
Aunque no trazó paralelismos explícitos con el cuarteto de Ives, Robert Hurwitz señaló que el segundo y tercer cuarteto de Carter "pueden... escucharse en términos del antropomorfismo de los instrumentos", afirmando cómo, en el segundo cuarteto, "la viola toca... una cadencia expresiva, casi lamentable, que se enfrenta a explosiones de lo que puede ser ira o ridículo por parte de los otros tres" (similar al movimiento Arguments del cuarteto de Ives) y sugiriendo que el "Tercer Cuarteto de Carter puede escucharse como una obra de teatro, un debate o una conversación". [26]
Brian Ferneyhough escribió lo siguiente sobre el movimiento final de su propio Cuarteto de cuerdas n.° 4: "La 'trama' de los cuatro instrumentos es quizás comparable al Cuarteto de cuerdas n.° 2 de Charles Ives, donde todos evolucionan, se quejan o se aburren a su manera inimitable". [27] Un pasaje en el Sexto Cuarteto de cuerdas de Ferneyhough está marcado como "testardamente (con gran dificultad, como escalar una montaña)". [28] En la documentación que acompaña a una grabación en vídeo de un ensayo del Sexto Cuarteto, Ferneyhough afirma: "el cuarteto de cuerdas desde el principio fue siempre un... medio sutil para la expresión de las relaciones sociales... La vieja imagen de... cuatro personas civilizadas hablando entre sí en términos que no habrían sido desconocidos para los filósofos de la Ilustración. Y aunque eso, por supuesto, es algo absurdo desde el punto de vista actual, y de hecho fue revolucionado por Charles Ives, que hizo que cuatro personajes muy irascibles subieran a una montaña y se gritaran el uno al otro... Me parece que hay algo en el cuarteto que está inherentemente imbricado con lo que entendemos por relaciones humanas en un nivel altamente evolucionado". [29]
Como es característico del estilo de Ives, cita melodías estadounidenses como " Dixie's Land ", " Marching Through Georgia ", " Turkey in the Straw ", " Columbia, the Gem of the Ocean ", "Massa in De Cold Ground", "Bethany", "Nettleton" y "Westminster Chimes", junto con citas de obras de Tchaikovsky , Brahms e incluso el tema "Oda a la alegría" de Beethoven .
