El diseño de vestuario es la creación de ropa para la apariencia general de un personaje o artista. El vestuario puede referirse al estilo de vestir particular de una nación, una clase social o un período. En muchos casos, puede contribuir a la plenitud del mundo artístico y visual que es exclusivo de una producción teatral o cinematográfica en particular. Los diseños más básicos se producen para denotar estatus, brindar protección o modestia, o brindar interés visual a un personaje. [1] Los disfraces pueden ser para teatro , cine , presentaciones musicales, cosplay , fiestas u otros eventos. El diseño de vestuario no debe confundirse con la coordinación de vestuario que simplemente implica alterar la ropa existente, aunque ambos crean ropa de escenario .
En el diseño teatral se utilizan cuatro tipos de vestuario: histórico, fantástico, de danza y moderno. [2]
Se cree que las fiestas y procesiones de las aldeas griegas antiguas en honor a Dioniso (ver también: Dionysia ) son el origen del teatro y, por lo tanto, del vestuario teatral. Las esculturas y las pinturas en jarrones proporcionan la evidencia más clara de estos vestuarios. [1] Se usaban máscaras ritualizadas que le daban a cada personaje un aspecto específico. Variaban dependiendo de si se usaban con fines cómicos o dramáticos. Algunas máscaras se construían con un lado alegre y otro serio en la misma cara en un intento de indicar un cambio de emoción sin un cambio de máscara. [3] Lo mismo es cierto para los romanos, que continuaron la tradición de las máscaras; duplicar una máscara facilitaba la duplicación de roles.
Durante la Baja Edad Media en Europa, las representaciones dramáticas de historias bíblicas eran frecuentes, por lo que se usaban vestimentas cristianas reales, estilizadas a partir de la vestimenta tradicional de la corte bizantina , para mantener las representaciones lo más realistas posible. [1] La caracterización estereotipada era clave a la hora de vestir a los actores para este estilo de teatro. En la mayoría de los casos, los actores tenían que traer su propio vestuario cuando interpretaban un personaje de la vida cotidiana. [4]
Más tarde, en las representaciones teatrales isabelinas de los siglos XVI y XVII en Inglaterra, el vestuario se convirtió en el elemento visual más importante. Las prendas eran muy caras porque solo se utilizaban las mejores telas. La mayoría de los personajes vestían a la moda isabelina contemporánea. Los trajes se podían dividir en cinco categorías: "antiguos", que eran prendas pasadas de moda que se usaban para representar otro período; "antiguos", añadidos más antiguos a la ropa contemporánea para distinguir a los personajes clásicos; prendas "fantasiosas" y de ensueño para personajes sobrenaturales o alegóricos; prendas "tradicionales" que representaban solo a unas pocas personas específicas, como Robin Hood, o trajes "nacionales o raciales" que tenían la intención de distinguir a un grupo específico de personas, pero que no solían ser históricamente precisos. [5]
"Por lo general, tanto en la comedia como en la tragedia se utilizaban prendas de moda hasta 1727, cuando Adrienne Lecouvreur adoptó el vestido de corte, mucho más elaborado y formal, para la tragedia. Su práctica pronto se convirtió en la norma para todas las heroínas trágicas" [6] Los actores principales comenzaron a competir entre sí para ver quién tendría el vestido de escenario más lujoso. Esta práctica continuó hasta alrededor de la década de 1750, cuando los trajes volvieron a ser relevantes para el personaje. El arte comenzó a copiar la vida y se favorecieron las características realistas, especialmente durante el siglo XIX. Por ejemplo, Jorge II, duque de Sajonia-Meiningen, se interesó personalmente en el teatro y comenzó a dirigir compañías. Abogó por la autenticidad y la precisión del guión y la época, por lo que se negó a permitir que los actores manipularan sus propios trajes. También se aseguró de que los materiales fueran auténticos y específicos, utilizando cotas de malla, armaduras, espadas, etc. reales. No se permitían sustitutos baratos. [7]
En agosto de 1823, en un número de The Album , James Planché publicó un artículo en el que decía que se debería prestar más atención a la época de las obras de Shakespeare, especialmente en lo que respecta al vestuario. Ese mismo año, una conversación informal dio lugar a uno de los efectos más duraderos de Planché en el teatro británico. Le comentó a Charles Kemble , el director de Covent Garden, que "mientras que con frecuencia se derrochaban mil libras en una pantomima navideña o un espectáculo de Pascua, las obras de Shakespeare se ponían en escena con una escenografía improvisada y, en el mejor de los casos, uno o dos vestidos nuevos para los personajes principales". [8] [9] Kemble "vio la posible ventaja de que los accesorios correctos captaran el gusto de la ciudad" y aceptó darle a Planché el control del vestuario para la próxima producción de King John , si llevaba a cabo la investigación, diseñaba el vestuario y supervisaba la producción. [10] Planché tenía poca experiencia en este campo y buscó la ayuda de anticuarios como Francis Douce y Sir Samuel Meyrick . La investigación que se llevó a cabo despertó en Planché su interés latente por los anticuarios, que llegó a ocupar una cantidad cada vez mayor de su tiempo en etapas posteriores de su vida. [11]
A pesar de las reservas de los actores, El rey Juan fue un éxito y dio lugar a una serie de producciones de Shakespeare con vestuario similar realizadas por Kemble y Planché ( Enrique IV, Parte I , Como gustéis , Otelo , Cimbelino , Julio César ). [11] Los diseños y representaciones de El rey Juan , Enrique IV , Como gustéis , Otelo , Hamlet y El mercader de Venecia se publicaron, aunque no hay evidencia de que Hamlet y El mercader de Venecia se hayan producido alguna vez con los diseños de vestuario históricamente precisos de Planché. Planché también escribió una serie de obras de teatro o adaptaciones que se pusieron en escena con vestuario históricamente preciso ( Cortés , La mujer que nunca vejó , La boda del mercader , Carlos XII , Los partisanos , El jefe de los bandidos y Hofer ). [12] Después de 1830, aunque todavía usaba vestuario de época, ya no reivindicaba la precisión histórica de su trabajo en las obras de teatro. Su trabajo en El rey Juan había provocado una "revolución en la práctica teatral del siglo XIX" [12] que duró casi un siglo. [13]
En 1923, la primera de una serie de innovadoras producciones de teatro de Shakespeare , Cymbeline , dirigida por HK Ayliff , se estrenó en el Birmingham Repertory Theatre de Barry Jackson en Inglaterra . [14]
El vestuario en el teatro chino es muy importante, especialmente en la Ópera de Pekín. Suele estar profusamente estampado con colores intensos y brillantes. Los artículos estándar constan de al menos 300 piezas e indican el tipo de personaje, la edad y el estatus social del actor a través de adornos, diseños, colores y accesorios. "El color siempre se utiliza simbólicamente: rojo para la lealtad y la alta posición, amarillo para la realeza y carmesí oscuro para los bárbaros o los consejeros militares". [15] También se encuentra un significado simbólico en los diseños utilizados para los emblemas. Por ejemplo, el tigre representa el poder y la fuerza masculina. La mayoría de la ropa, independientemente del rango, está hecha de materiales ricos y lujosos. El maquillaje también se utiliza simbólicamente y completa el aspecto general.
En el teatro japonés Noh, siempre se utilizan máscaras y son el aspecto más destacado del vestuario. Están hechas de madera y suelen durar generaciones. Hay cinco tipos básicos: masculino, femenino, anciano, de deidades y monstruos, todos con muchas variaciones. [16] Las máscaras se cambian a menudo a lo largo de la obra. En Kabuki, otra forma de teatro japonés, los actores no llevan máscaras, sino que dependen en gran medida del maquillaje para las caracterizaciones. Los rasgos se exageran o se eliminan y, para algunos de los papeles atléticos, la musculatura se delinea en un patrón específico. Se utilizan trajes tradicionales para cada papel, basados en prendas históricas que se modifican para lograr un efecto dramático. "Algunos trajes pesan hasta cincuenta libras y los asistentes de escena ayudan a los actores a mantenerlos correctamente arreglados mientras están en el escenario" [17]
En el siglo XXI, las tecnologías digitales han dado paso a una nueva era en el diseño de vestuario. Tradicionalmente, los vestuarios de teatro se confeccionaban a mano, mediante costuras y patrones dibujados en papel. Ahora, los vestuarios de teatro se pueden diseñar utilizando impresoras 3D, software de modelado y otras herramientas digitales para crear vestuario de manera más eficiente. [18] El uso de programas de modelado de vestuario en 3D e impresoras 3D permite a los diseñadores encontrar las formas más eficientes de ahorrar la cantidad de materiales utilizados en un proyecto. [19] Los diseñadores pueden optimizar el uso de materiales con software de diseño y reducir costos mediante materiales más económicos impresos a partir de la impresión 3D. Además, estas tecnologías ahorran tiempo, ya que los modelos se pueden ajustar en tiempo real a la retroalimentación correspondiente a través de ajustes y costuras virtuales. [20]
El proceso de diseño de vestuario implica muchos pasos y, aunque difieren de un género a otro, comúnmente se utiliza un método básico.
.jpg/1280px-2016_Magic_Flute_Rehearsal_%E2%80%A2_NZ_Opera_%E2%80%A2_060516_%E2%80%A2_096_(cropped).jpg)
1. Análisis :
El primer paso es un análisis del guión, la composición musical, la coreografía, etc. Se establecen los parámetros del vestuario para el espectáculo y se crea un borrador del mismo. El borrador del vestuario describe qué personaje aparece en qué escena, cuándo cambian los actores y qué vestuario se menciona en el guión.
2. Colaboración en el diseño : Una fase importante del proceso es cuando todos los diseñadores se reúnen con el director. Debe haber una comprensión clara del concepto general del espectáculo. Todos los diseñadores deben estar de acuerdo con el director en cuanto a los temas del espectáculo y los mensajes que quieren que el público reciba del espectáculo.
3. Investigación de vestuario : Una vez que el director y los diseñadores están de acuerdo, el siguiente paso es que el diseñador de vestuario recopile información. Los diseñadores de vestuario suelen comenzar con una investigación en la que encuentran recursos para establecer el mundo en el que se desarrolla la obra. Esto ayuda a los diseñadores a establecer las reglas del mundo y, a su vez, a comprender mejor a los personajes. Luego, el diseñador realizará una investigación amplia sobre cada personaje para tratar de establecer sus personalidades a través de su vestuario.
4. Bocetos preliminares y diseño de colores : Una vez que se obtiene suficiente información, los diseñadores de vestuario comienzan a crear bocetos preliminares. A partir de bocetos muy rápidos, el diseñador puede obtener una idea básica de cómo se verá el espectáculo y si se respetan las reglas del mundo. Luego, el diseñador de vestuario pasará a realizar bocetos más detallados y determinará los trajes y colores específicos para el personaje. Los bocetos ayudan a ver el espectáculo en su conjunto sin tener que dedicarles demasiado tiempo.
5. Bocetos finales : Una vez que el diseñador de vestuario y el director están de acuerdo con el vestuario y las ideas están completamente desarrolladas, el diseñador creará los bocetos finales. Estos se denominan representaciones y generalmente se pintan con acuarelas o pinturas acrílicas. Estos bocetos finales muestran cómo quiere el diseñador que se vea el personaje y los colores del vestuario.
[21]
Una vez diseñado el desfile, es necesario planificar de dónde se obtendrán los artículos. Hay cuatro opciones. Las prendas pueden ser:
Hay dos formas de empezar a confeccionar una prenda: con un patrón o drapeado, y muchas veces se utilizan ambos métodos juntos. El diseño del patrón comienza utilizando un conjunto de bloques de patrones básicos desarrollados a partir de las medidas del actor. Primero se dibujan en papel, luego se transfieren a la tela y se cosen para probar el ajuste. [22]
El drapeado implica manipular un trozo de tela sobre un maniquí o maniquí cuyas medidas son muy similares a las del actor. Es un proceso que toma un trozo plano de tela y le da forma para adaptarlo a un cuerpo tridimensional cortándolo y sujetándolo con alfileres.
Sin embargo, una vez construido, el vestuario no ha terminado de "funcionar". Un aspecto muy importante del vestuario es la forma en que afecta a las interpretaciones de los actores y su función en el contexto. Los mejores diseñadores de vestuario construyen sus ideas originales después de evaluar las condiciones visuales y espaciales del vestuario. [23]
Sin embargo, una vez construido, el vestuario no ha terminado de "funcionar". Un aspecto muy importante del vestuario es la forma en que afecta a las interpretaciones de los actores y su función en el contexto. Los mejores diseñadores de vestuario construyen sus ideas originales después de evaluar las condiciones visuales y espaciales del vestuario. [1]
{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link) {{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link) {{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link) 
{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link) {{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link) {{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)