In Search of the Lost Chord es el tercer álbum de Moody Blues , lanzado en julio de 1968 por el sello Deram .
El éxito del disco anterior de la banda, Days of Future Passed, permitió al grupo disponer de más tiempo en el estudio y flexibilidad creativa para elaborar un álbum posterior. En aquel momento, el tecladista Mike Pinder le dijo a Melody Maker : "Los álbumes nos dan la oportunidad de experimentar con nuevas ideas. Y los compradores se dan cuenta de que ofrecen más que solo música para bailar. Pueden sentarse y escuchar, y emprender un viaje de exploración musical". [1] El guitarrista Justin Hayward recordó que In Search of the Lost Chord "fue cuando sentí que encontramos nuestra alma y dirección. Fue cuando todo cuajó musicalmente". [2]
Al igual que su predecesor, In Search of the Lost Chord presenta un tema conceptual. Las canciones de In Search of the Lost Chord forman un concepto vago en torno a un tema de búsqueda y descubrimiento, que incluye tanto la exploración del mundo como la autorrealización interior. Mike Pinder explicó: "Los Moodies fueron realmente la primera banda de rock en hacer álbumes conceptuales y en trabajar con una orquesta sinfónica. Debido a eso, me di cuenta de que muchas de mis ideas estaban vinculadas a toda esta área de pensamiento conceptual y de comunicación de ideas a la gente mediante la formulación de preguntas musicalmente y a través de las letras". [3]
El álbum se inspira en el espíritu de exploración interior que caracterizó la era psicodélica . Justin Hayward reconoció la influencia de las drogas psicodélicas en el proceso creativo de la banda: "Oh, todos incursionamos en todo tipo de cosas. Bueno, todos nosotros excepto John. Él nunca participó. Por lo general, eran drogas de tipo más psicodélico. Debo admitir que siempre nos lo pasamos muy bien con ácido. Y esos viajes inspiraron mucha de nuestra música en ese momento". [ cita requerida ] Comentó: "Creo que pudimos tomar esas experiencias y, con suerte, transmitirlas. Ese es el único crédito, creo, que podemos tomar". [4] El tecladista Mike Pinder dijo: "Escuchar música, la disfrutas más cuando estás en un estado meditativo y creo que la influencia de las drogas fue capaz de ponerte en ese estado instantáneamente". [5]
Hayward se explayó sobre el espíritu de curiosidad y búsqueda de conocimiento de la banda: "Pinder, Ray y yo estábamos incursionando en todo, tratando de absorber tanta información espiritual y psicodélica como pudiéramos. Corríamos hacia ello todo el tiempo: leíamos todos los libros, investigábamos todo tipo de religión, teníamos todo tipo de experiencias psicodélicas. Conocimos a Timothy Leary en 1968 en nuestra primera gira por Estados Unidos. Mike y Ray nos quedamos con él en su rancho durante una semana más o menos y lo pasamos de maravilla. Pasamos por muchas experiencias religiosas juntos, tendíamos a leer los mismos libros. Recuerdo que todos leíamos el Bhagavad Gita y El libro tibetano de los muertos y hacíamos todas estas cosas juntos. Así que lo que decíamos era sincero, no estábamos simplemente recogiendo fragmentos de información y usándolos en canciones. En realidad estábamos viviendo esto en ese momento, supongo que como mucha otra gente, pero lo tomamos mucho más en serio que la mayoría de los otros músicos y pudimos ponerlo en música en una manera más accesible que la de algunos otros músicos que realmente se dedicaban a ello en serio, pero que eran inaccesibles en su música". [6]
Pinder reflexiona sobre los temas del álbum en una entrevista de radio de 1976: "Estudiamos cuidadosamente cada palabra de la letra, para asegurarnos de que fuera equilibrada, que no hiciera afirmaciones, como en 'esta es la respuesta'. No estamos dando las respuestas, porque es la formulación de la pregunta lo que genera la respuesta, y la respuesta siempre es algo inteligible. Quiero intentar transmitir a la gente que estas son solo experiencias que la gente está teniendo, plasmadas y compartidas en discos. Compro discos de los que obtengo algo más que solo entretenimiento. Espero escuchar a alguien decir algo que quiero escuchar, y saber que viene de una persona en la que puedo confiar y creer que ha tenido esa experiencia". [7]
En busca del acorde perdido comienza con un poema de Graeme Edge , que fue recitado por el propio Edge (en lugar de por Mike Pinder , como suele suceder). Sus palabras describen cómo una experiencia sensorial puede servir como impulso para el inicio de un viaje.
La introducción hablada da paso a la canción de rock "Ride My See-Saw", el primer sencillo del álbum. John Lodge explica la inspiración para su letra: "Esa canción hablaba de la libertad que sentí que había recibido, tanto personalmente como como parte de The Moody Blues". [8] Dijo: "La canción hablaba de dejar la escuela y salir al mundo y descubrir que no era lo que pensabas que era y no es lo que te enseñaron en la escuela. En realidad, es mucho más grande que eso. 'Ride My See-Saw' trataba sobre conducir mi vida y ver hacia dónde vamos con esto. Todavía lo estoy haciendo ahora". [9] Justin Hayward recordó: "Mi recuerdo de eso era como una sesión de improvisación en el estudio. Nos quedamos un poco atascados, pero fue genial. Teníamos a Graeme haciendo ese di-da-da, di-da-da en la caja, así es como empezó, y el riff de guitarra. Pero no teníamos ninguna canción, y luego John regresó con algunas letras y la base de la canción. La grabamos algún tiempo después de haber grabado la pista de acompañamiento". [10] Lodge dijo: "Escribí esa canción en el bajo. Para ese momento, hay algunos cambios de acordes realmente bonitos, los menores y los mayores. Quería que el medio fuera solo armonías y lo fue. Teníamos estas tres y cuatro partes elevadas dando vueltas. Estábamos tratando de encontrar una manera de conseguir el ritmo realmente correcto, ya que tiene un ritmo impulsor". [9] El guitarrista Hayward citó el solo como quizás su favorito en el catálogo de la banda: "Esa guitarra era una Telecaster que tenía cuando era un niño. Recuerdo haber tocado toda la canción de principio a fin, simplemente improvisándola sobre la marcha, y llegué al final, y todos dijeron: '¡Genial!' '¡Fantástico!' Y yo dije: 'Es un poco raro. Está un poco fuera de tiempo', y ellos dijeron: 'No, no. Nos encantó'. Todos mis otros solos fueron cuidadosamente construidos y pensados, pero ese es mi favorito". [11]
El autor de " Dr. Livingstone, I Presume ", Ray Thomas , describió la canción como "un poco de diversión en medio de toda la seriedad de las otras canciones del álbum". [8] Los versos relatan los viajes de David Livingstone , Robert Falcon Scott y Cristóbal Colón , y cuestionan si cada explorador encontró satisfacción en sus respectivas búsquedas.
"House of Four Doors" continúa con el tema del descubrimiento y sirve como introducción a " Legend of a Mind ". Lodge recordó: "Una vez escribí una canción llamada 'House of Four Doors', y realmente trata sobre un enfoque de la vida que creo que todos pueden tener. Abre una puerta y observa a dónde te lleva. Puede que no sea donde quieres ir, pero al menos estás avanzando y no sabes a dónde irá finalmente". [12] Dijo: "Cuando abres una puerta, nunca sabes qué va a entrar. Tienes que ser lo suficientemente positivo para abrir la puerta. Si no sabes qué puerta estás abriendo, nunca lo descubrirás". [13] El bajista Lodge toca el violonchelo en la pista, afinado como un bajo. Recordó: "Toqué el violonchelo en esa pista y lo afiné de la misma manera que un bajo. Nunca me di cuenta de que un violonchelo en realidad no estaba afinado de esa manera en absoluto, ¡pero obtuvimos el efecto deseado!" [8]
"Legend of a Mind", la primera canción escrita para el álbum, data de las sesiones de Days of Future Passed . Se inspiró en la defensa del LSD de Timothy Leary . Hayward recordó: "Algunos de nosotros en la banda -y esto fue en 1966, '67- estábamos pasando por nuestras propias experiencias psíquicas, como muchos músicos en ese momento, probablemente liderados por los Beatles. Estábamos leyendo mucha prensa underground y leyendo sobre Tim Leary, así que lo incluimos... La canción es una versión muy irónica, una versión en inglés muy descarada de cómo pensábamos que serían las cosas en San Francisco en los días del 'flower power'... Era irónica, pero con un trasfondo de significado serio. Significaba algo para nosotros. Estábamos usando muchas frases de la época, extractos del Libro tibetano de los muertos, hablando sobre el plano astral y demás, y es un reflejo de eso". [14] El autor de la canción Ray Thomas dijo: "Había leído sobre él, no lo conocía en ese momento. Pero 'Legend of a Mind' es muy irónica porque vi el plano astral como un biplano pintado psicodélicamente que los hippies alquilaron para un viaje alrededor de la bahía de San Francisco. Tim Leary estaba muy involucrado en el Libro tibetano de los muertos y yo lo había estado leyendo. Así que escribí que Timothy Leary está muerto y luego dije que no, no, no, que solo está fuera de su cuerpo mirando hacia adentro. En realidad, solo estaba meando. Solo me estaba riendo de todos los hippies y de lo que creían y de todo lo que pasa en los Estados Unidos. Nunca tomé drogas con él y nunca lo vi tomar drogas tampoco". [15]
Las canciones de la segunda cara del álbum tratan temas más personales de autodescubrimiento. " Voices in the Sky " explora la espiritualidad mientras que " The Best Way to Travel " aborda la imaginación psicodélica. [16] La letra de esta última canción cuestiona si la experiencia es simplemente "luz que pasa por una pantalla", sugiriendo que si nuestra percepción de la vida es realmente solo una ilusión, entonces la meditación puede ayudarnos a comprender la verdadera naturaleza de la existencia. [7]
"Visions of Paradise" y "The Actor" exploran el amor y la introspección reflexiva. [8] En una entrevista, Hayward recordó el contexto que inspiró la letra de "The Actor": "A altas horas de la noche, en la calle de Bayswater , en silencio por un rato, solo en el mundo (por un rato), enamorado pero luchando con las relaciones". [17]
El álbum concluye con " Om ", que incluye una introducción hablada de Edge titulada "The Word". El poema incluye el verso "Entre los ojos y los oídos yacen los sonidos del color y la luz de un suspiro". Edge explicó: "Puedes escuchar tu pieza musical favorita cincuenta veces y aún así obtener algo de ella. Pero de la mejor película que hayas visto, obtienes diez, once y ya está. Porque la música es caliente y lo visual es algo frío. La música es tempo, forma y tono. A través de los ojos, tienes color, perspectiva y forma. Entonces, llegas a través de los ojos de la misma manera que llegas a través de los oídos, con vibraciones realmente creativas". [18]
"Om" es una oda al trascendentalismo y al uso de mantras en la meditación. [8] Las notas del álbum brindan una explicación del concepto de mantra, en caso de que la audiencia del grupo en ese momento no estuviera familiarizada:
Para cualquiera que haya practicado meditación o yoga, la palabra MANTRA es familiar como una palabra de poder en la que se concentra la meditación. La palabra de poder más importante en las escrituras hindúes es la palabra OM, que se pronuncia AUM y significa 'Dios', 'Todo', 'Ser', 'La respuesta'. El pensamiento o la concentración en su significado provocará la exclusión de todos los demás pensamientos, lo que en última instancia producirá el estado mental al que aspira el meditador. [19] [20]
" Legend of a Mind " fue grabado el 13 de enero de 1968. [8] El resto del álbum fue grabado entre mayo y junio. Al igual que su predecesor, el álbum fue grabado en Studio One en Decca Studios en West Hampstead con el productor Tony Clarke y el ingeniero Derek Varnals. El álbum fue grabado en gran parte utilizando tecnología de 4 pistas, aunque el nuevo sistema de grabación de 8 pistas de Decca se instaló durante las sesiones. "Visions of Paradise" fue la última canción grabada en 4 pistas, el 4 de junio. Se hicieron sobregrabaciones vocales el 5 y 6 de junio para "Ride My See-Saw" y "Om" utilizando el nuevo sistema. Las dos últimas pistas grabadas para el álbum, "The Word" y "Departure", se grabaron utilizando la nueva consola de 8 pistas el 12 de junio. [21]
El sorprendente éxito de Days of Future Passed le dio al grupo una nueva influencia con su sello discográfico y libertad artística en el estudio. Hayward recordó: "También tuvimos la suerte de estar con una compañía discográfica, Decca, que eran músicos veteranos, que gran parte del tiempo fabricaban sistemas de radar, que eran técnicamente excelentes con un estudio brillante y personal en West Hampstead . Mejor que EMI en mi opinión. Después de Days , que fue un accidente afortunado, Sir Edward Lewis vino a nosotros y nos dijo: No sé qué están haciendo ustedes, pero es genial. Siempre que quieran el estudio, solo tienen que hacer una reserva y fue un sueño para músicos jóvenes como nosotros. Las fundas, simplemente hagan lo que quieran". [22]
Un área en la que el grupo capitalizó el éxito de Days of Future Passed fue al continuar empleando estructuras de canciones creativas que no encajaban en el molde típico de la época. Lodge explicó: "No queríamos poner límites a nuestra música. Hasta entonces, la mayoría de las canciones duraban 2:59 segundos y empezaban a un tempo y terminaban con el mismo tempo. Básicamente, una estrofa y luego un estribillo y luego un puente y el estribillo. Queríamos romper ese molde y si nos tomaba seis minutos decir lo que queríamos en una canción y cuatro o cinco tempos diferentes, entonces lo hacíamos. 'Legend Of A Mind: Timothy Leary' es un gran ejemplo de eso. Lo que fuera necesario para transmitir la canción. 'Tuesday Afternoon', ya sabes, dos tempos diferentes. Todo es importante para intentar ampliar los límites de lo que pensábamos como composición de canciones. Cada canción iba a la siguiente canción, y teníamos mucho cuidado con la tonalidad de cada canción y el tempo y el modo que cada canción retrataba. Era muy importante tener cosas que se conectaran pero que fueran diferentes. No podías tener dos cosas iguales porque nunca se conectarían si fueran iguales". [23]
Mientras que la London Festival Orchestra había complementado al grupo en Days of Future Passed , en In Search of the Lost Chord , los Moody Blues tocaron todos los instrumentos ellos mismos, un total de treinta y tres instrumentos diferentes. Lodge recordó: "Aunque habíamos utilizado una orquesta en el álbum anterior, todos sentíamos que debíamos ser autosuficientes con nuestro próximo trabajo. Teníamos un enfoque autosuficiente para nuestras sesiones de grabación. Si queríamos utilizar un instrumento en particular en una pista, uno de nosotros descubriría cómo tocarlo. Teníamos mucha confianza en nuestras propias habilidades". [8] El grupo también mejoró su sonido con armonías vocales. Lodge explicó: "Nos dimos cuenta de que todos teníamos diferentes sonidos de voz; teníamos un barítono, dos tenores y casi una soprano. El sonido que no podíamos reproducir en el escenario con la orquestación nos dimos cuenta de que lo podíamos hacer con las voces, así que podíamos hacer muchas cosas y hacerlas con las armonías. Eran fantásticas. Crecí con The Everly Brothers y sus armonías. Lo bueno de las armonías de The Everly Brothers, a diferencia de las armonías de otras personas, es que la armonía también era la línea principal, que es lo que también hicimos nosotros. La armonía no se sumaba a la voz principal; eran las dos voces principales trabajando juntas. No se trataba simplemente de embellecer, sino de añadir otra dimensión. Como una orquesta o cualquier banda musical. Puedes tomar cualquier parte que esté tocando la orquesta y hacer que se sostenga por sí sola. Puedes hacer que la armonía sea la línea principal, como una sección de saxofones". [24]
Lodge reflexionó además sobre la influencia de la música clásica en las composiciones del grupo: "Crecí en Birmingham y en mi escuela solía haber un período tranquilo en el que ponían un disco de música clásica por la tarde y lo escuchábamos. Birmingham tiene una de las mejores orquestas clásicas del mundo. Yo tenía ocho o nueve años en ese momento y nunca pensé realmente en lo que estaba escuchando. Sin embargo, inconscientemente, las armonías de la música orquestal se me metían en la cabeza porque cuando comencé a escribir música eso fue lo que pasó al primer plano. Siempre entendí cuáles eran las diferentes partes y lo que estaban haciendo los diferentes instrumentos y la orquesta. Podía escucharlo en mi cabeza". [25] Dijo: "Y luego, cuando empezamos juntos en el 66, éramos cuatro los que cantábamos y me di cuenta de que las armonías que podíamos hacer eran realmente sólo armonías orquestales. Y a partir de ahí se desarrolló todo. Por supuesto, teníamos a Ray Thomas en la flauta, así que eso nos dio los instrumentos de viento y luego, para las armonías, encontramos este Mellotron que era un músico de cuerdas. Así que con las armonías, las cuerdas y la flauta, se convirtió en algo orquestal en cierto modo, pero con una fuerza impulsora basada en la batería y la guitarra eléctrica". [26]
"Visions of Paradise" y "Om" presentan instrumentación india, incluyendo sitar y tabla . Hayward fue influenciado a explorar el sitar por George Harrison . Recuerda: "Había, en la parte alta de Tottenham Court Road , una tienda por la que había pasado, por la que había pasado caminando que tenía esas tablas y sitares. No estoy seguro de que alguien le prestara atención hasta que George nos llamó la atención. Y luego, de repente, se nos permitió explorarlo. Creo que George, en cierto modo, nos dio permiso. No quiero decir que llamara por teléfono y dijera: 'Tienen mi permiso'. Sino porque acababa de estar allí y fue como, 'Oh, eso es tan interesante que tienes que averiguarlo'. "Creo que la mayoría de los guitarristas exploran todos los instrumentos de cuerda que pueden conseguir. En cuanto tuve algo de dinero, me puse a buscar laúdes y luego me compré un contrabajo, que toqué en bastantes discos de los Moodies, un contrabajo de pie grande. Probablemente todavía esté en el estudio de la ópera nacional. Así que un día fui a esa tienda con Mike y nos sentamos y yo toqué el sitar y él tocó la tambora , que creo que es el nombre de ese instrumento resonante. Y pensamos: "Oh, esto es absolutamente brillante". Así que nos fuimos con un montón de material, y fue un placer usarlo en un álbum". [27]
En las notas del álbum, el productor Tony Clarke describe poéticamente el escenario de las sesiones de grabación del álbum y la gran variedad de instrumentos empleados:
¡Está tan oscuro como una tumba! Las sombras aparecen de la nada, grandes brazos largos se extienden hacia arriba en la penumbra y siniestras formas enroscadas acechan en cada rincón; incluso las paredes parecen contener la respiración. En lo alto, cerca del techo, una luz suave proyecta un brillo inquietante sobre los rostros vueltos hacia arriba y, por todas partes, se escucha una música extraña.
De repente una voz grita: "¡Genial! ¡Ven a escucharlo!"
Sí, un estudio de grabación puede ser un lugar muy extraño a las 4:30 de la mañana, especialmente si ha sido invadido por los Moody Blues.
El estudio parece un museo de instrumentos musicales, ya que en este álbum cada nota, cada compás o cada palabra la interpretan los propios Moodies. Su versatilidad nunca deja de sorprenderme de álbum en álbum; de hecho, para mí siempre serán la orquesta sinfónica más pequeña del mundo. [19]
Con el álbum, el grupo aspiraba a sacar el máximo partido tanto de la amplia gama de instrumentación como de la tecnología de grabación estéreo de Decca. John Lodge recuerda: "Una vez que comprendimos por completo lo que era el estéreo después de escuchar lo que otras personas hacían con él, decidimos que queríamos tener un panorama real para In Search of the Lost Chord donde la música se presentara como una imagen completa. ¿Dónde estaría la pandereta? ¿Dónde estaría la guitarra acústica? ¿Debería estar delante o detrás, y deberíamos ponerle un poco de eco para que desapareciera? Trabajamos muy duro con esa mezcla estéreo para ofrecer una experiencia de sonido realmente completa, como si un satélite estuviera girando alrededor de tu cabeza". [28]
"The Best Way to Travel" utiliza controles panorámicos recién instalados en la consola de grabación de cuatro pistas hecha a medida por Decca Studios . El paneo da la ilusión de que el sonido se mueve alrededor del oyente. [29]
Mike Pinder recordó el espíritu de innovación de las sesiones: "Tony Clarke, Derek Varnals y yo siempre intentábamos crear sonidos nuevos e innovadores. Un buen ejemplo de mis característicos swoops de Mellotron está en la canción de Ray Thomas, 'Legend of a Mind'. Utilicé el control de velocidad de mi 'Tron para crear los swoops, y aprovechábamos los efectos estéreo para hacer que el sonido del Mellotron y el movimiento fueran de un lado al otro, es decir, de izquierda a derecha y de derecha a izquierda. Y también utilizaba la reverberación para que avanzara y retrocediera en la pista. El oyente obtenía un sonido casi en 3D que era único para esa época. Derek siempre hizo un trabajo maravilloso. Era innovador y talentoso. Él y Tony Clarke eran expertos en conducir el barco. Todos estábamos muy comprometidos con nuestra música y fue una aventura. Mucha diversión y risas también. Todos trabajaron muy duro. Tuvimos libertad creativa y tuvimos la suerte de que nos permitieran probar cosas nuevas. Era nuestro país de las maravillas musical". [30]
Lodge recordaba las sesiones con cariño: "Fue una época muy emocionante y el estudio era un lugar fantástico para crear. En aquella época, no había muchas pistas múltiples disponibles. Days Of Future Passed era todo de cuatro pistas. In Search Of The Lost Chord era todo de cuatro pistas, excepto en 'Ride My See-Saw', cuando teníamos una máquina de ocho pistas y la usamos. El proceso de grabación era bastante rápido en aquella época. Podías entrar al estudio y sentarte todos juntos, trabajar en una canción y grabarla. Fue un gran momento estar de gira y no podíamos esperar a volver al estudio para grabar un nuevo álbum". [31]
La portada del álbum presenta ilustraciones de Phil Travers, quien diseñaría las siguientes portadas de álbumes del grupo. [8] Travers contó: "Pasé dos años en Decca, trabajando en portadas de álbumes, luego conseguí un trabajo en una oficina de diseño en Wimbledon. Luego me contactó alguien que conocía en Decca que dijo que al manager de Moody Blues le había gustado una ilustración mía y quería que conociera a la banda para hablar sobre hacer la portada para su nuevo álbum. Conocí a los Moodies en un pub de Londres y trabajamos los detalles del encargo. La banda quería que yo principalmente ilustrara el concepto de meditación. Esto no era algo en lo que tuviera mucha experiencia personal y por eso mis pensamientos iniciales sobre un tema tan etéreo fueron, desafortunadamente, insustanciales. No estaba produciendo ninguna idea visual cohesiva, con esta falta de ideas evidente en mis primeros diseños preliminares. Mientras escuchaba la música, el concepto de la portada me fue dado de alguna manera subliminal. El área de grabación y mezcla del estudio donde estaba sentado estaba separada del área donde la banda tocaría por una gran ventana de vidrio y en este vidrio podía ver varias imágenes de mí mismo, una encima de la otra, casi como si estuvieran en el mismo lugar. "Si yo estuviera ascendiendo al espacio, después de eso, todo simplemente encajó en su lugar". [5] [32] Dijo: "Pensé: 'Tengo que ser más práctico y lógico en mi enfoque'. Una vez que comencé a pensar así, las cosas comenzaron a encajar y comencé a descomponer el problema en una especie de código visual. Recuerdo que en el boceto final a lápiz mostré la banda, en lugar de la calavera tenía un gran candado y una cadena que representaban los lazos físicos que todos tenemos. Sugirieron la calavera, que creo que decía algo similar, pero era una mejor imagen". [33]
In Search of the Lost Chord fue lanzado el 26 de julio de 1968. Alcanzó el puesto número 5 en la lista de álbumes del Reino Unido [38] y alcanzó el número 23 en el Billboard 200. [ 39] De los dos sencillos del álbum, "Ride My See-Saw" alcanzó el puesto número 42 en la lista de sencillos del Reino Unido y el número 61 en la lista Billboard de EE. UU ., mientras que "Voices in the Sky" alcanzó el puesto número 27 en el Reino Unido pero no logró entrar en las listas de Estados Unidos.
In Search of the Lost Chord fue remasterizado en SACD en marzo de 2006 y reempaquetado en una Edición Deluxe de 2 CD. Aunque los otros álbumes de Moody Blues lanzados en ediciones Deluxe en 2006 presentaban su mezcla cuadrafónica original (codificada como sonido envolvente 5.1 ), In Search of the Lost Chord nunca se había lanzado en este formato, y no se lanzó una nueva mezcla hasta 2018 cuando se lanzó una mezcla 5.1 como parte de la caja del 50 aniversario. [40] En 2008, se lanzó una remasterización para un solo CD de audio estándar con las nueve pistas adicionales. El relanzamiento corrige los problemas de calidad con las ediciones iniciales en disco compacto del álbum. Justin Hayward explicó:
Había un par de cosas que sabía que se habían lanzado al mundo digital a principios de los 80, y bastante mal. Me di cuenta de ello en In Search of the Lost Chord con el platillo ride de Graeme Edge. Al principio, supuse que no se había grabado muy bien hasta que volví a los masters originales y lo escuché de nuevo. Y entonces pensé: "No, es hermoso". Me di cuenta de que habíamos pasado casi 30 años con una versión digital que simplemente no era muy buena, en la prisa por llevarla a ese formato. [41]
En noviembre de 2018, el álbum se reeditó como un set de cinco discos In Search of the Lost Chord - 50th Anniversary Box Deluxe Edition .
Para promocionar el álbum, el grupo continuó dando conciertos por todo el Reino Unido. En agosto, el grupo viajó a Praga por invitación del gobierno de Alexander Dubček para tocar como uno de los primeros grupos de rock occidental en la Checoslovaquia comunista . Antes de actuar, el grupo tuvo que ser escoltado fuera del país tras la invasión soviética . [8] Lodge recordó:
Fue una época de cambios sociales y convulsiones, pero fue durante la época en la que Alexander Dubcek estaba en el poder y todo se había vuelto mucho más relajado. Se escuchaba música rock 'n' roll en el aeropuerto y no parecía que uno estuviera en un país de la Cortina de Hierro en absoluto. Así que fuimos y dimos un concierto, volvimos al hotel y el gerente dijo que quería hablar con nosotros urgentemente. Nos explicó que los rusos habían invadido la ciudad y se habían apoderado del hotel y que teníamos que mudarnos. "Esperad", dijimos. "Llegamos primero y os hemos dado los vales de Thomas Cook para pagar nuestras habitaciones, ¡no nos vamos a ninguna parte!". Pero pronto recobramos el sentido común y nos fuimos. Al final, la única forma de salir del país fue subirnos a escondidas a un vuelo de la Media Luna Roja de Pakistan Airlines , que es como estar en una misión de la Cruz Roja . Llegamos al país como estrellas de rock y nos fuimos en la parte trasera de un avión de ayuda de emergencia de la Media Luna Roja; eso fue una dosis de realidad. [2]
En octubre, se embarcaron en su primera gira americana. El promotor de conciertos Bill Graham los invitó a tocar en el Fillmore y en el Fillmore East . Lodge contó: "En 1968, Bill Graham nos invitó a tocar en dos conciertos en Estados Unidos. Los lugares estaban bastante lejos uno del otro y los conciertos se hacían con 10 semanas de diferencia, así que nos abrimos camino por todo Estados Unidos y tocamos con bandas como Canned Heat , Jefferson Airplane y Poco ". [42] Hayward dijo: "Tuvimos mucha suerte de que Bill Graham nos ofreciera esos dos conciertos en el Fillmore East y el Fillmore West. Y luego tuvimos un agente que nos consiguió muchos conciertos psicodélicos en clubes y luego conseguimos la gira con Canned Heat. Nos mostraron Estados Unidos... en un autobús escolar (risas), pero aún así lo vimos. Fuimos de sur a norte, de abajo hacia arriba hasta Canadá". [43] Lodge dijo: "Fue una experiencia increíble. No creo que nadie pueda volver a vivirla nunca más, porque Estados Unidos en los años 60 era muy diferente a cualquier otro lugar del mundo. Los coches eran enormes, las autopistas eran enormes, los edificios eran enormes y los McDonald's también eran enormes. Fue una época increíble en lo musical porque fuimos al Fillmore East , al Fillmore West y al Shrine de Los Ángeles. Así que estábamos en un lugar totalmente diferente. Fue maravilloso ver a todas esas bandas tocando. Iba por todas partes mirando a las bandas, disfrutando de la música, viendo a gente como Canned Heat. Fue una época extraordinaria". [31] Hayward relató el impacto duradero que su primera gira americana tuvo en el éxito de la banda: "Somos grandes en las zonas industriales y de clase trabajadora de Estados Unidos. Curiosamente, son todos los lugares a los que llegamos cuando abrimos para Canned Heat en 1968. Fueron geniales con nosotros, pero su público era de todos estos lugares, como el Medio Oeste, y ese ha sido nuestro territorio desde entonces. Y estoy muy contento, porque hay un amor genuino por la música". [22]
En la edición especial clásica de Q y Mojo Pink Floyd & The Story of Prog Rock , el álbum se ubicó en el puesto número 37 en su lista de "40 álbumes de rock cósmico". [44]
Fuentes: [19] [20]
n.º 130. Junio de 2015: 35
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