El Concierto para violín en si menor , Op. 61, de Edward Elgar es una de sus composiciones orquestales más largas y la última de sus obras en obtener un éxito popular inmediato.
El concierto fue compuesto para el violinista Fritz Kreisler , quien lo estrenó en Londres en 1910 bajo la dirección del compositor. Los planes de la compañía discográfica His Master's Voice de grabar la obra con Kreisler y Elgar fracasaron, y el compositor realizó una grabación con el adolescente Yehudi Menuhin que ha permanecido en los catálogos desde su primera edición en 1932.
Aunque la música de Elgar pasó de moda a mediados del siglo XX y la reputación del concierto como uno de los más difíciles del repertorio para violín aumentó (debido al uso constante de múltiples notas, cruces de cuerdas rápidos y poco ortodoxos y cambios masivos y rápidos en todo el instrumento), siguió siendo programado e interpretado por violinistas aclamados. A finales del siglo XX, cuando la música de Elgar fue restaurada al repertorio general, se habían realizado más de veinte grabaciones del concierto. En 2010, se realizaron interpretaciones centenarias del concierto en todo el mundo.
Elgar había comenzado a trabajar en un concierto para violín en 1890, pero no quedó satisfecho con él y destruyó el manuscrito. [1] En 1907, el violinista Fritz Kreisler , que admiraba El sueño de Geroncio de Elgar , le pidió que escribiera un concierto para violín. [2] Dos años antes, Kreisler le había dicho a un periódico inglés:
Si quieren saber quién considero el mayor compositor vivo, les digo sin dudarlo que Elgar... No lo digo para complacer a nadie; es mi propia convicción... Lo pongo al mismo nivel que mis ídolos, Beethoven y Brahms. Es de la misma familia aristocrática. Su inventiva, su orquestación, su armonía, su grandeza, son maravillosas. Y todo es música pura, sin afectaciones. Ojalá Elgar escribiera algo para violín. [3]
La Royal Philharmonic Society de Londres encargó formalmente el concierto en 1909. Elgar, a pesar de ser violinista, pidió consejo técnico a WH "Billy" Reed , director de la Orquesta Sinfónica de Londres , mientras escribía el concierto. Reed lo ayudó con los arcos , el trabajo de pasajes y las digitaciones , tocando pasajes una y otra vez hasta que Elgar estuvo satisfecho con ellos. [4] [n 1] Kreisler también hizo sugerencias, algunas para hacer que la parte solista fuera más brillante y otras para hacerla más ejecutable. [n 2] Antes del estreno, Reed, con Elgar tocando la parte orquestal al piano, tocó la obra en una fiesta privada. [n 3]
El estreno se produjo en un concierto de la Royal Philharmonic Society el 10 de noviembre de 1910, con Kreisler y la Orquesta Sinfónica de Londres dirigida por el compositor. Reed recordó que "el concierto resultó ser un triunfo total, el concierto una ocasión brillante e inolvidable". [8] Tan grande fue el impacto del concierto que el rival de Kreisler, Eugène Ysaÿe, pasó mucho tiempo con Elgar repasando la obra. Hubo una gran decepción cuando dificultades contractuales impidieron que Ysaÿe la tocara en Londres. [8]
El concierto fue el último gran éxito popular de Elgar. De sus obras posteriores de gran formato, ni la Segunda Sinfonía ni Falstaff ni el Concierto para violonchelo alcanzaron la popularidad inmediata de la Primera Sinfonía o de este concierto. Elgar siguió sintiendo un especial cariño por la obra. Su amigo Charles Sanford Terry recordaba: «Nunca he oído a Elgar hablar de la nota personal en su música, salvo en relación con el concierto, y le oí decir más de una vez: 'Me encanta'». [9] Elgar le dijo a Ivor Atkins que le gustaría que el tema nobilmente estuviera inscrito en el andante de su tumba. [9]
Incluso en la década de 1950, cuando la música de Elgar no estaba de moda, el concierto apareció con frecuencia en los programas de conciertos. [10] A finales del siglo XX, cuando la música de Elgar volvió a estar en el repertorio general, hubo más de 20 grabaciones de gramófono del concierto. En 2010, el año del centenario de la obra, el violinista Nikolaj Znaider comenzó una serie de actuaciones en lugares como Viena, Londres y Nueva York, con la Filarmónica de Viena , la Orquesta Sinfónica de Londres, la Filarmónica de Nueva York y los directores Valery Gergiev y Sir Colin Davis . [11] También en 2010, Philippe Graffin dio una actuación en el Festival de los Tres Coros utilizando el manuscrito original de Elgar, [12] y se publicaron nuevas grabaciones por Znaider, Thomas Zehetmair y Tasmin Little .
El concierto está dedicado a Kreisler, pero la partitura también lleva la inscripción en español «Aquí está encerrada el alma de...», una cita de la novela Gil Blas de Alain-René Lesage . Los cinco puntos son uno de los enigmas de Elgar, y se han propuesto varios nombres para que coincidan con la inscripción. Se ha creído ampliamente que alude a Alice Stuart-Wortley, hija del pintor John Everett Millais . [13] Era la querida amiga de Elgar a la que apodaba «Windflower», y su amor por ella y su inspiración para él son bien conocidos. [14] No hay ninguna prueba definitiva que la vincule con la inscripción del concierto, aunque Elgar bautizó varios de los temas como «Windflower», y en sus cartas a ella se refirió a él como «nuestro concierto». [15]
Otra posible inspiración para el concierto fue el amor temprano de Elgar, Helen Weaver, con quien estuvo comprometido brevemente en la década de 1880. [16] Dora Powell ("Dorabella" de las Variaciones Enigma ) sugirió una tercera candidata posible, la amiga estadounidense de Elgar, Julia "Pippa" Worthington: Powell recordó una ocasión en la casa de los Elgar, Plâs Gwyn, cuando estaba mirando una copia de la partitura del concierto:
Llegué a la cita en español... los cinco puntos me llamaron la atención e inmediatamente me vino a la mente un nombre. La dama [ es decir, Alice Elgar ] se acercó y se paró a mi lado, vio lo que estaba mirando y tradujo la frase en español: "Aquí está consagrado el alma de...". Luego, completó el nombre: el de una amiga personal... la señora Julia H. Worthington, una amiga estadounidense encantadora y amable. Sus amigos íntimos la conocían por otro nombre, también de cinco letras, [17] y no puedo decir con certeza si el compositor tenía en mente este nombre o su primer nombre de pila. Tampoco importa; el espacio vacío ya está lleno. [18] [n 4]
El biógrafo de Elgar, Jerrold Northrop Moore, sugiere que la inscripción no se refiere a una sola persona, sino que en cada movimiento del concierto se encuentran consagrados tanto una inspiración viviente como un fantasma: Alice Stuart-Wortley y Helen Weaver en el primer movimiento; la esposa de Elgar y su madre en el segundo; y en el final, Billy Reed y August Jaeger ("Nimrod" de las Variaciones Enigma ). [19]
El concierto para violín de Elgar está orquestado para violín solo, dos flautas , dos oboes , dos clarinetes en la, dos fagotes , contrafagot (ad lib), cuatro trompas en fa, dos trompetas en la, tres trombones , tuba (ad lib), 3 timbales y cuerdas .
Elgar dijo del Concierto para violín: «¡Es bueno! ¡Terriblemente emotivo! Demasiado emotivo, pero me encanta». [14] Como la gran mayoría de los conciertos para violín anteriores, el de Elgar tiene tres movimientos. El biógrafo de Elgar, Michael Kennedy, sugiere que estructuralmente el concierto está inspirado en los de Brahms y quizás Bruch . [1] Es de una escala muy grande para un concierto, y normalmente se necesitan entre 45 y 55 minutos para interpretarlo (ver «Grabaciones» a continuación para conocer los tiempos indicativos).
El primer movimiento, en forma de sonata tradicional , comienza con una larga exposición orquestal de los temas. Se presentan seis temas relacionados, que abarcan varias tonalidades, [15] tras lo cual se repite el primer tema, primero por la orquesta y luego por el violín solista. Kennedy describe este pasaje como "una de las entradas más efectivas y cautivantes del instrumento solista que se pueden encontrar en cualquier concierto". [13] La línea solista repite y elabora los cinco temas, en particular el segundo tema que ha aparecido brevemente en la sección orquestal de apertura y se transforma en la parte solista en el tema "Windflower", [n.º 5] "de una belleza poética excepcional incluso para Elgar". [1] El movimiento sigue el patrón clásico de desarrollo y recapitulación, en el que "la interacción entre violinista y orquesta es a escala heroica", y termina con un floreo orquestal. [21]
El segundo movimiento, en la tonalidad de si bemol, tiene un preludio orquestal más corto y es en su mayor parte tranquilo y cantado, pero se eleva hasta un clímax apasionado. Kennedy lo llama "una exhibición de elocuencia sostenida y noble". [21]
El último movimiento comienza con un tranquilo pero extenuante pasaje de violín, acompañado por la orquesta, con muchas notas dobles y arpegios rápidos ; se recuerdan temas del primer y segundo movimiento y luego, cuando el movimiento parece encaminarse hacia un final convencional, hay una cadencia acompañada inesperada y poco convencional en la que la orquesta apoya el solo con un efecto de pizzicato tremolando . Esta cadencia, aunque exigente de interpretar, no es la típica obra maestra virtuosa: es el clímax emocional y estructural de toda la obra. [21] Se repiten temas de anteriores partes de la obra, incluido el tema de "Windflower", y finalmente el concierto termina con un característico resplandor de sonido orquestal. [1]
La primera grabación del concierto fue una versión truncada realizada por la Gramophone Company bajo el sello HMV en diciembre de 1916, utilizando el proceso acústico, cuyas limitaciones técnicas exigieron una reorganización drástica de la partitura. Hubo dos discos de 12 pulgadas: D79-80. La solista fue Marie Hall , y la orquesta sin nombre fue dirigida por el compositor. [22] La grabación eléctrica, introducida en la década de 1920, proporcionó un rango dinámico y un realismo muy mejorados, y las dos principales compañías discográficas inglesas, Columbia y HMV, realizaron grabaciones del concierto que permanecen en el catálogo.
A pesar de la existencia de una magnífica grabación de su Concierto para violín de Albert Sammons, cuya autoridad e interpretación de esta gran obra inglesa para violín nunca serán superadas, yo tenía la gran ambición de que el propio Sir Edward dirigiera la obra. Como intérprete joven y dócil sin prejuicios, que respondería mejor a sus instrucciones, seleccioné a Yehudi Menuhin como el solista más prometedor.
Fred Gaisberg [23]
La primera grabación completa fue realizada en 1929 para Columbia por Albert Sammons con la New Queen's Hall Orchestra dirigida por Sir Henry Wood . HMV esperaba grabar la obra con Kreisler, pero se mostró esquivo (creyendo que Elgar era un mal director) [24] y el productor de HMV, Fred Gaisberg , recurrió en cambio al joven Yehudi Menuhin . La grabación se realizó en el Abbey Road Studio 1 de EMI en junio de 1932 y ha permanecido impresa en 78, LP y CD desde entonces. Estas dos grabaciones tipifican los dos enfoques contrastantes de la obra que han existido desde entonces: Sammons y Wood, en una interpretación enérgica, tardan poco más de 43 minutos en tocar la obra; Menuhin y Elgar, en una lectura más abiertamente expresiva, tardan casi 50 minutos. Otras grabaciones de la era monoaural incluyen las de Jascha Heifetz (1949) y Alfredo Campoli (1954). Ambas representaciones siguen la tradición Sammons/Wood y duran, respectivamente, aproximadamente 42 y 45 minutos.
Muchas grabaciones estéreo modernas favorecen el enfoque más lento de Menuhin y Elgar. El propio Menuhin en su nueva versión estéreo de 1965 fue ligeramente más rápido (poco menos de 48 minutos) que en 1932, pero Pinchas Zukerman en sus dos versiones de estudio tardó un poco más de 50 minutos en su primera grabación y un poco menos de 49 en su segunda. Ambas grabaciones de Nigel Kennedy duran casi 54 minutos. La de Itzhak Perlman es ligeramente más rápida, con poco más de 47 minutos; y la de Dong-Suk Kang dura menos de 45 minutos. La versión más lenta grabada es con Ida Haendel y Sir Adrian Boult dirigiendo la Orquesta Filarmónica de Londres , con más de 55 minutos. Una grabación lanzada en 2006 utilizó un texto basado en la partitura manuscrita de Elgar en lugar de la versión publicada. [6] En una reseña del CD en junio de 2006, el crítico de Gramophone Edward Greenfield observó: "... las diferencias son muy pequeñas... Debo confesar que si no me lo hubieran dicho, tal vez hubiera apreciado solo dos de ellas". [n 6]
El programa de la BBC Radio 3 "Building a Library" ha presentado reseñas comparativas de todas las versiones disponibles del concierto en dos ocasiones. La Penguin Guide to Recorded Classical Music , 2008, tiene tres páginas de reseñas de grabaciones de la obra. Las versiones recomendadas tanto por la BBC como por la Penguin Guide son las de Menuhin (1932) y Sammons (1929). [26] [27]
Notas
Referencias
