Eddie Martinez (nacido en 1977) es un artista radicado en Nueva York más conocido por sus pinturas a gran escala que presentan colores atrevidos, líneas y pinceladas urgentes y formas gráficas. [1] [2] [3] Su estilo combina pintura y dibujo, abstracción y representación, y un enfoque informal de los materiales con una iconografía ecléctica de elementos figurativos. [1] [4] [5] Si bien es contemporáneo en su elección de materiales y temas, une una amplia gama de influencias históricas, que incluyen CoBrA , Action painting , neoexpresionismo y Philip Guston , y las convenciones clásicas del retrato, la naturaleza muerta y la narrativa alegórica, filtradas a través de la lente de la experiencia diaria y la cultura popular. [6] [7] [8] [9]
Martínez ha expuesto internacionalmente, incluyendo muestras individuales en museos en el Museo de las Artes del Bronx , [10] The Drawing Center , [11] Yuz Museum Shanghai , [12] y el Museo de Arte Contemporáneo de Detroit , [13] y exposiciones colectivas en la Galería Saatchi en Londres y el Museo Garage de Arte Contemporáneo en Moscú, entre otros. [14] [15] Su obra pertenece a instituciones públicas como el Museo del Bronx, la Biblioteca y Museo Morgan , la Colección Marciano , la Colección Saatchi y la Colección Jumex (Ciudad de México). [16] Martínez está casado con el artista Sam Moyer , y vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York . [17] [12]
Martínez nació en 1977 en la Base Naval de Groton en Connecticut. [18] Su familia se mudó con frecuencia, particularmente después de que terminara el matrimonio de sus padres, y creció en California, Florida, Texas y Massachusetts. [5] [19] [18] Comenzó a crear su propio arte basado en personajes cuando era adolescente en San Diego. [20] [10] Después de regresar al noreste, asistió al Instituto de Arte de Boston , pero descubrió que su estilo de trabajo y su temática estaban más influenciados por la cultura urbana y la iconografía que lo rodeaban y se fue después de un año. [18] [8] [1]
Mientras estaba en Boston a principios de la década de 2000, comenzó a exhibir su arte y trabajó como manipulador de arte para el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston . [5] [7] Después de mudarse a Brooklyn en 2004, comenzó a atraer cada vez más atención a través de exposiciones grupales, individuales en galerías y, finalmente, en museos. [3] [1] [21] [22] En 2008, recibió una residencia Bauernmarkt de la Colección Lenikus en Viena. [23]
El trabajo de Martínez oscila entre modos tradicionales y no convencionales de pintura y dibujo abstractos y figurativos, reinterpretando el pasado (el suyo y el de la historia del arte) y difuminando los límites para impulsar su práctica en nuevas direcciones. [24] [21] Sus pinturas se describen como enérgicas, viscerales e inmediatas, con líneas atrevidas, pinceladas gruesas y colores y texturas agresivos logrados mediante combinaciones de óleo, esmalte y pintura en aerosol, serigrafía y elementos de collage sobre lienzo. [3] [25] [26] Su dibujo, clave para su trabajo y una inspiración significativa para su pintura, funciona como una herramienta biográfica-periodística espontánea y diaria; los críticos lo describen como más suelto, improvisado y especulativo que sus pinturas, comparando su estilo simple con el de Paul Klee . [27] [28] [29] Martínez prefiere un proceso de trabajo rápido, con poco pensamiento previo para mantener la espontaneidad; Lo compara con el movimiento de ida y vuelta entre acción y pausa, contacto y reagrupamiento en el boxeo. [8] [12] Además de pintar y dibujar, Martínez ha producido esculturas abstractas de gran y pequeña escala, realizadas o desarrolladas a partir de objetos encontrados y fundidas en bronce, que derivan de su práctica pictórica. [5] [19]
La primera exposición individual de Martínez en Nueva York en ZieherSmith (2006) presentó pinturas y dibujos crudos en técnica mixta que los críticos sugieren que se basaron en su entorno inmediato con un enfoque introspectivo y diarístico, creando un diálogo entre el mundo externo y la sintaxis interna de la pintura. [29] [3] Retratan un elenco recurrente y caprichoso de figuras de ojos abiertos con sombreros, loros y serpientes enroscadas en entornos incongruentes, a veces fantásticos, densos con patrones y colores vívidos, agujas, torres y tejados, señales de tráfico y plantas en macetas (por ejemplo, Wild Pilgrims , 2005 o Snakesperience , 2006). [3] [29] [30] Algunas pinturas combinan múltiples géneros (retrato, naturaleza muerta, narrativa alegórica), mientras que otras se centran en uno solo, como en Mario Situation (2006), que David Coggins de Art In America escribió "revitaliza la naturaleza muerta... en un espíritu de exploración lúcida en lugar de postura posmoderna". [3] [29] Los críticos han comparado la energía y el enfoque de la obra temprana (y posterior) de Martínez con el camino entre el dibujo y la pintura iniciado por Cy Twombly . [31] [3]
En 2010, la crítica del New York Times Roberta Smith caracterizó el estilo en evolución de Martínez como "una especie de neoexpresionismo actualizado y liberado" que se inspira ampliamente en Picasso , el primer Peter Saul , Arshile Gorky , de Kooning y David Hockney . [1] Otros describen su "calidad de fregadero de cocina" -cargada de ideas, gestos y texturas, campos dispersos, acumulaciones de formas y objetos caricaturescos, pinceladas gruesas, ráfagas de pintura- como si funcionaran como jeroglíficos o rebus para crear mensajes no del todo descifrables. [28] En varias pinturas de esta época, Martínez introdujo globos de diálogo ( Back Looker , 2009) o tableros de mesa ( The Grass Is Never Greener , 2009), que sirven como dispositivos de encuadre para formas agrupadas o pinturas dentro de pinturas, y crean espacio dentro de las composiciones. [28] [25] En contraste con la brillante cacofonía de gran parte de su obra, Martínez también exploró cuadros completamente blancos con motivos exprimidos directamente de tubos de calafateo y lienzos completamente negros con imágenes incisas que revelaban capas subyacentes de coloración (por ejemplo, Bad War ). [1] [25] Los críticos compararon parte de esta obra, en su apariencia y mezcla de humor y oscuridad, con la obra de Guston y Basquiat . [28] [25]
A finales de 2010, Martínez creó la instalación de 8 por 28 pies The Feast (ZieherSmith, Art Basel Miami Beach), una variación de sus pinturas de mesa que combinaba la pintura expresionista con temas históricos renacentistas y barrocos, representando una estridente mesa de banquete atendida por doce figuras; [32] [33] [19] atrajo la atención después de ser comprada por el coleccionista Charles Saatchi . [22]
En su obra posterior a 2010, Martínez se inclinó hacia la abstracción. [20] [19] [7] Hizo un cambio drástico en la muestra individual "Matador" (Journal Gallery, 2013), reduciendo su contenido a una única composición de cuatro formas bulbosas entrelazadas en rojo, azul, amarillo y negro, repetidas en cinco lienzos blancos de 2,13 x 3,05 metros, con ligeras variaciones de estilo, disposición y textura. [2] [34] El color audaz y las formas caricaturescas recuerdan a Miró y Picasso, mientras que las superficies rugosas (pintura al óleo viscosa raspada, manchada y atacada con una espátula ancha, un pincel de pintor de casas y una lijadora de disco) sugieren pintura de acción, complicada por ráfagas apresuradas y contemporáneas de pintura en aerosol y elementos banales de collage (envoltorios de chicles, toallitas húmedas para bebés). [2] [35] El título de la muestra vinculaba los procesos de pintores y matadores, mientras que sus variaciones enfocadas aludían a las repeticiones orquestadas de la corrida de toros, la señalización urbana y el arte serial. [2] [35]
Después de esa muestra, Martínez se tomó un descanso de la pintura y se dedicó al trabajo tridimensional: modestas esculturas abstractas de objetos encontrados en la basura, inicialmente combinados en configuraciones destartaladas que pintó de colores brillantes o en bronce. [19] Los tradujo en piezas más grandes, a escala humana, utilizando yeso, poliestireno y tablones de madera, que se exhibieron en la Galería Kohn (2014). [5] [19] Esa muestra también presentó grandes pinturas gestuales y esbozadas reducidas a composiciones etéreas de losas abstractas y colisionantes de colores primarios (por ejemplo, Perfect Stranger , 2014), que las reseñas sugieren que se parecían a las esculturas. [19] [36]
En sus exposiciones "Salmon Eye" (2016) y "Cowboy Town" (2017), Martínez regresó con amalgamas de abstracción y figuración enfatizando la inmediatez y la velocidad de los dibujos, que fueron pintados con menos acumulación de superficie textural y más espacio blanco. [6] [4] [7] Se originaron como pequeños dibujos Sharpie que amplió como serigrafías negras sobre lienzo, a veces tratando las líneas como un plano y otras veces ignorándolas u oscureciéndolas por completo con óleos, esmaltes y pintura en aerosol. [4] [7] Los críticos sugirieron que el último programa, que presentaba formas que surgían del caos (por ejemplo, When We Were in Good Hands , Cowboy Town ) reflejaba una respuesta distópica al clima sociopolítico contemporáneo de Estados Unidos. [37] [38]
Martínez atrajo reconocimiento institucional a finales de la década de 2010, con cinco exposiciones individuales en museos en tres años. [21] Su primera, "Ants at a Picknic" en el Museo Davis (2017), presentó una nueva serie de pinturas de mandalas a gran escala, esculturas de bronce pintadas para mesas y grandes dibujos enmarcados. [39] En las pinturas, los mandalas sirven como contenedores para formas y marcas, al igual que sus obras de mesa anteriores; basadas en pequeños dibujos que amplió, resaltan el dominio de Martínez del trabajo de línea. [40] Su exposición inmersiva de cuatro paredes, estilo salón en The Drawing Center el mismo año, recreó la pared de dibujos abstractos, hechos en casa y en el mundo, acumulados en su estudio durante varios años. [41] [11] En última instancia, comprendió aproximadamente dos mil dibujos (muchos intercambiados a lo largo de la muestra), desde garabatos inactivos de dibujo automático hasta estudios de pintura; algunas de sus pinturas se colgaron sobre ellos para resaltar las conexiones entre los dos medios. [41] [11]
En su muestra en el Museo del Bronx, "White Outs" (2018), Martínez cambió el rumbo de su trabajo típicamente colorido al centrarse en un proceso de borrado en el que borró intencionalmente las formas de dibujo serigrafiadas con diferentes tonos de blanco. [10] [42] Las obras resultantes, a gran escala, caracterizadas por formas fantasmales, estallidos ocasionales de colores y texturas ricas, sugirieron una tormenta de nieve simulada (whiteout) al tiempo que hacían guiños a piezas históricas de Robert Ryman , Rauschenberg y Johns . [10] [42] [21] Las exposiciones en el Museo de Arte Contemporáneo de Detroit ("Fast Eddie") y el Museo Yuz en Shanghái ("Open Feast") en 2019 respectivamente presentaron, entre otras obras, nuevas pinturas flotantes de "cabeza de bloque" que reelaboraban un motivo de calavera temprano y una vibrante variación de 65 pies en sus pinturas de mesa. [13] [12]
Martínez ha tenido tres exposiciones individuales posteriores en Mitchell-Innes & Nash: "Love Letters" y "Yard Work" (ambas de 2018) y "Homework" (2020). [43] [21] "Love Letters" presentaba pinturas en gran parte abstractas basadas en imágenes ampliadas dibujadas en un pequeño bloc de notas personalizado (los nombres y la dirección a menudo eran visibles); formas identificables dispuestas de una manera vagamente asociativa se asoman ocasionalmente para crear una sensación de realidad descrita como lúdica y desconcertante. [43] "Homework", una exposición en línea de pequeñas obras en cartón realizadas durante el encierro por COVID-19 , continuó el interés de Martínez en explorar la serialidad probando y repitiendo composiciones y formas individuales. [21] [12]
La obra de Martínez está representada en las colecciones permanentes de instituciones como el Museo de las Artes del Bronx , el Museo de Arte Moderno de Fort Worth , el Museo Davis en Wellesley College , la Colección Marciano , la Biblioteca y Museo Morgan , el Museo de Arte Pérez de Miami y el Museo de la Escuela de Diseño de Rhode Island en los EE. UU., la Colección Saatchi y la Colección Hiscox en Londres, y la Colección Jumex (Ciudad de México). [44] [22] [16] También ha construido una base reconocida de coleccionistas privados estadounidenses, europeos y asiáticos. [24] [21] Dos de sus pinturas se vendieron en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (FIAC) de 2019 en París por precios que alcanzaron los $150,000; Ese mismo año, su lienzo de 3,6 metros de ancho High Flying Bird (2014) se vendió en una subasta de Christie's por 2 millones de dólares, mientras que su lienzo Empirical Mind State (2009) se vendió por 615.000 libras en 2020. [45] [21] [46]
Las primeras exposiciones de Martínez incluyeron muestras colectivas en la Fundación Deste en Atenas, el Museo de Arte Contemporáneo de Roma , el Museo de la Ciudad de México y la Galería Saatchi, y muestras individuales en ZieherSmith (2006-2010) y Loyal Gallery (Estocolmo, 2006-2008), entre otras. [3] [47] [1] [15]
En los años siguientes, ha realizado exposiciones individuales en Journal Gallery, Half Gallery y Mitchell-Innes & Nash en Nueva York, Timothy Taylor Gallery (Londres), Kohn Gallery (Los Ángeles) y Perrotin (Hong Kong), e hizo apariciones grupales en el Museo de Arte Moderno KUNSTEN y Kunstmuseum Bonn , entre otros. [35] [38] [48] [15] Su primera exposición individual en un museo tuvo lugar en el Museo Davis en Wellesley College en 2017, seguida de exposiciones en The Drawing Center, Bronx Museum, Museum of Contemporary Art Detroit y Yuz Museum. [39] [11] [10] [13] [12] Martínez está representado por Blum & Poe (Los Ángeles), Mitchell-Innes & Nash (Nueva York) y Perrotin. [49] [21] [50]