Dušan Radić ( cirílico serbio : Душан Радић; 10 de abril de 1929 - 3 de abril de 2010) fue un compositor serbio , profesor universitario y miembro de pleno derecho de la Academia de Ciencias y Artes de Serbia (SASA, SANU en serbio).
Radić nació en Sombor . Completó el segundo año de la escuela primaria y secundaria en su ciudad natal, Sombor. Al mismo tiempo asistió a la escuela de música de la Sociedad de Canto de la Iglesia Serbia. Se mudó a Belgrado en 1941, donde continuó su educación en el Segundo gimnasio masculino y la escuela de música “Stanković” . Se matriculó en la Academia de Música de Belgrado (ahora Facultad de Música, Universidad de Artes de Belgrado) en 1946 en la clase de composición de Milenko Živković, quien actuó como su mentor hasta 1954. Desde 1957 Radić estudió en París con Darius Milhaud y Olivier Messiaen , completando, a su regreso, una maestría en 1962 con Živković como su asesor.
En sus primeras obras de estudiante, Radić demostró sus tendencias innovadoras en la búsqueda de medios expresivos diferentes a los exhibidos en el Romanticismo tardío y el socialrealismo. Si bien sus melodías revelan sus "orígenes en nuestras tierras", Radić rara vez recurre a citas directas de melodías populares y, al tratar con frecuencia las partes vocales de manera instrumental, enfatiza un componente rítmico. Radić atrajo la atención del público con su Sonata Lesta , compuesta durante sus estudios y estrenada por la pianista Mirjana Šuica en 1952. Su trabajo de diploma, Sinfonietta en tres movimientos, fue interpretado el 8 de junio de 1954 por la Filarmónica de Belgrado con el director Živojin Zdravković . Su obra La lista de nombres —trece bocetos— fue interpretada el 17 de marzo de 1954 en una versión para soprano y piano en el concierto de composiciones de Dušan Radić y Enriko Josif , a cargo de los intérpretes Ljubica Vrsjakov y Ružica Mijatović. Este concierto supuso un debate entre los críticos centrado en las cuestiones del modernismo y el realismo , orientando, cada uno desde su propia perspectiva, el camino que debía seguir la música serbia en el futuro. La cantata de Radić Esperando a María fue estrenada el 27 de marzo de 1957 por la Filarmónica de Belgrado y el Coro de Radio Belgrado con el director Oskar Danon , la solista vocal Biserka Cvejić y la narradora Ljuba Tadić . Su Divertimento para orquesta de cuerdas, vibráfono y percusión fue interpretado el 29 de noviembre del mismo año, por la misma orquesta y el director Dragoljub Erić.
Radić trabajó como compositor independiente durante 25 años, desde 1954 hasta 1979, cuando recibió un puesto de profesor de composición en la Academia de Artes de Novi Sad (Universidad de Novi Sad), donde permaneció hasta su jubilación. Realizó diversos cursos especializados en Kiev , Londres , Moscú , París , Praga , Riga , Roma y San Petersburgo . Contribuyó activamente a la vida musical yugoslava y serbia durante cuarenta y cinco años, entre otras cosas, como miembro de la Asociación de Compositores de Serbia (CAS) desde 1949, y también incluyó ocasionalmente bandas sonoras de películas en su repertorio, en particular la de Siberian Lady Macbeth (1962), dirigida por Andrzej Wajda , y las películas épicas The Long Ships (1964) y Genghis Khan (1965). Radić recibió, entre otros, el Premio de la Asociación de Compositores de Yugoslavia (SOKOJ, en serbio) en 1954, el Premio de Octubre de Belgrado en 1959 y el Premio Petar Konjović en 1972. Fue elegido miembro correspondiente de la Academia Serbia de Ciencias y Artes en 1972 y miembro de pleno derecho en 1983.
Dušan Radić murió el 3 de abril de 2010 en Belgrado.
La obra de Radić se compone de obras escénicas: la ópera El amor es lo principal y el ballet Balada de la luna vagabunda ; composiciones vocales e instrumentales La torre del cráneo, El país de pie, Esperando a María, Escenas del campo, La lista de nombres, Paisajes y La alegría sitiada ; piezas orquestales como Sinfonía, Sinfonietta, Dos imágenes sinfónicas, Divertimento, Concertino y Variaciones sobre un tema folclórico ; así como piezas de cámara y solistas.
Aunque en las composiciones de Radić se pueden encontrar con frecuencia segmentos líricos y una alegría relajada, otras obras, como su trabajo de diploma, presentan armonías punzantes y politonalidad . Sus temas notables están generalmente marcados por ritmos burlescos y de tipo scherzo, ya que sus obras a menudo transmiten grotesco y parodia. A pesar del hecho de que desafió los clichés tonales mediante un tratamiento inusual de acordes paralelos y figuras obstinadas, Radić no abandonó la línea de pensamiento tonal.
La Balada de la luna vagabunda , un ballet en tres escenas, fue compuesto por Radić en 1957 a partir del libreto de Bora Ćosić . Radić musicalizó el ballet con una trama sociopsicológica teñida de fantasía, con una expresión predominantemente neoclásica, prestando especial atención al ritmo, que a menudo implica jazz. También reelaboró la música de este ballet para convertirla en una suite de concierto.
Prólogo y Escena 1: El Poeta, empleado de un instituto de ciencias, siente constantemente que no pertenece al mundo que lo rodea –en el partido de fútbol, en la playa y en el fracaso con su secretaria. Persuadido por su contraparte, por su alter ego irónico-racional, se aventura en la búsqueda de su ideal amoroso entre las estrellas, intercambiando roles con la Luna.
Escena dos: La búsqueda del poeta es inútil: no encuentra a quien busca. El cometa verde lo atrae sin éxito; la opinión pública del universo se siente ofendida por su indiferencia y el poeta finalmente se ve obligado a escapar saltando de regreso a la Tierra.
Escena tres: En la Tierra, el Poeta sigue buscando a la mujer de sus sueños; por un momento parece como si la hubiera encontrado en un pub, pero lo que sigue es otra decepción y continúa su búsqueda vagabunda (Peričić 1969: 409).
El contenido real del ballet, aunque inusual, refleja en cierta medida la vida cotidiana (incluidos barrios y lugares locales de Belgrado como Dorćol y Mažestik) y ciertas intervenciones formales del compositor crearon una forma híbrida: por ejemplo, el narrador que interviene en la trama y entre los bailarines de ballet, así como elementos de jazz y una banda de jazz en el escenario. El evento cuando el poeta declara "Solo en el escenario", conduce potencialmente a la anulación de la distinción entre intérpretes y público como una salida de la obra en sí, su autorrelativización y como una anticipación de un elemento significativo del teatro contemporáneo en general. Una escena de ballet notable tiene lugar al final, cuando durante un verdadero cambio irónico, el poeta mata al Felo-de-se en una taberna ( kafana ), sobre sonoridades sombrías de la auténtica música de kafana , carente de tragedia, en otras palabras, de forma rutinaria, pero también carente de la gravedad que posiblemente podría obstaculizar el carácter vodevil impuesto a la obra. Radić explicó el trasfondo de su ballet de la siguiente manera:
“Cuando era un joven compositor, un principiante, me alarmaban las nuevas revelaciones, la nueva información y los recuerdos aún vívidos de los horrores de la guerra (la Segunda Guerra Mundial). Después de que el fervor adolescente se desvaneciera y los ojos fijos adoptaran otra perspectiva más realista de la vida, el mundo se volvió una parodia y oculté los problemas demasiado serios con la imaginación. La experiencia me enseñó a jugar el juego con mucha más calma y a tomar los incidentes con ligereza. Luego me volví hacia el teatro y comencé a escribir ballet y ópera, con la idea de ofrecer al público aliento para resolver sus problemas de vida. La trama de Vagabond está concebida como un amor romántico "por encima de todo", como un cuento ligero y humilde sobre un alma poética y sus ilusiones siempre presentes. Mi intención era guiar sutilmente al público para que pensara en la maquinaria mecánica de la época actual a través de música a veces alegre y a veces sombría y versos pintorescos, para sacudir su espíritu y sus, como diría Charlie Chaplin, actividades espirituales ociosas de "época moderna". “Cuanta más variedad haya en la obra, más vivacidad habrá en la música y más escenas pintorescas con un sutil mensaje de que “bien está lo que bien acaba”. Creo que el animado libreto y la música bailable abren amplias posibilidades para un evento teatral rico y contemporáneo… Por mencionar otra peculiaridad, intercalé elementos rítmicos y melódicos de jazz estilizados a lo largo de la obra de una manera no obstructiva. La tercera escena incluso presenta un auténtico quinteto de jazz en un ambiente de bar. Creo que la incorporación de pantomima y acrobacias contenidas realzaría la expresión habitual del ballet clásico”.
Las dos imágenes sinfónicas (1953) forman un díptico que presenta en el movimiento final un coro femenino y una mezzosoprano solista junto con una orquesta. Como lema de esta obra, Radić inscribió en la partitura una cita de De Profundis de Oscar Wilde : “...y sé que para mí, para quien las flores son parte del deseo, hay lágrimas esperando en los pétalos de alguna rosa”. La primera imagen, basada en una forma de sonata tratada libremente, produce el material temático en los metales y una línea similar a un scherzo de métrica compleja. La forma ternaria de la segunda imagen se ejecuta mediante la ubicación simétrica de dos segmentos de un rondó , alrededor de un intermezzo titulado Una elegía que sirve como eje de la forma. En la primera parte, un tema ferviente caracterizado por saltos del intervalo de séptima en el solo de violín se alterna con vivaces giros de mezzosoprano, mientras que en la segunda parte, la orquesta contrarresta al coro.
La lista de nombres, trece bocetos para trece intérpretes , concebida durante sus años universitarios, Radić la finalizó en 1955, arreglándola para soprano , mezzosoprano, oboe , corno inglés, saxofón , clarinete bajo, arpa , contrabajo y percusiones. Por esta obra en su versión inicial Radić recibió un Premio de la Asociación de Compositores de Yugoslavia. La pieza fue escrita a partir de una letra sucinta de Vasko Popa , que según Radić "pinta la naturaleza interna de las cosas y su representación viva y humanizada". La letra lapidaria dio como resultado una estructura "balcanizada" del flujo musical, aparente no solo por el número de bocetos, sino también por sus relaciones mutuas. En la lista de nombres, Radić de hecho opera con un gran conjunto de medios de expresión y trata cada una de las trece partes libremente cambiando cada una de sus predisposiciones típicas. Particularmente dinámica parece la parte vocal que aporta intensidad y calidad de expresión mediante el chant-scan, motivos ostinato, Sprechstimme , melisma y tratamiento instrumental de las voces.
Gungulice para coro mixto se inspiró en melodías folclóricas y obras de Stevan Mokranjac , mientras que el material real para esta composición se originó en la colección de Vladimir Đorđević titulada From the prewar Serbia . En sus selecciones, Radić no se guió por la autenticidad o la coherencia regional del material sonoro, sino más bien por el sonido de cada canción. Por lo tanto, Gungulice consiste en melodías rituales, amorosas y humorísticas, no ordenadas por el desarrollo lógico conocido de las guirnaldas de canciones de Mokranjac ( Rukoveti en serbio). Radić sigue la práctica popular de poner diferentes letras a la misma melodía y viceversa. Los estrechos lapsos melódicos que facilitan la formación de agregaciones obstinadas no sirven como herramientas en la búsqueda de una expresión folclórica auténtica, sino más bien para construir una construcción modernista de expresión reducida cuyos sonidos enérgicos de intervalos de quinta y segunda se relacionan con la tradición vocal folclórica principalmente en el contexto de las tendencias neoclasicistas del compositor.
En 1979 se estrenó Oratorio profano (1974) para tres narradores, tres grupos instrumentales de cámara, cuatro orquestas, cuatro timbales, órgano y cinta. Radić utilizó aquí sus modelos habituales de simulación de la música folclórica y popular, así como los conocidos de la historia de las vanguardias como la aleatoria , la performance , la poesía sonora y los medios electrónicos . En esta obra, el compositor recurrió a citas en piezas para piano de Alexander Scriabin e Igor Stravinsky . Radić comentó sobre esta obra:
“El oratorio no fue un punto de inflexión en mi obra, como puede haber parecido a algunos... No tenía intención de inventar nada nuevo. No tengo ambiciones innovadoras y no aprecio los experimentos sin resultados. No injerto teoría en el tejido musical. En pocas palabras, como artista, traté de utilizar los 'fluidos musicales' actuales para crear mi representación de nuestro tiempo”.
Obras escénicas:
Composiciones vocales e instrumentales:
Piezas orquestales:
Piezas corales:
Obras en solitario: