Cymbeline ( / ˈsɪmbɪl iːn / ), también conocida como La tragedia de Cymbeline o Cymbeline, rey de Bretaña , es una obra de William Shakespeare ambientada en la antigua Bretaña ( c. 10-14 d. C. ) [ a] y basada en leyendas que formaban parte de la Materia de Bretaña sobre el rey celta británico Cunobeline . Aunque figura como una tragedia en el Primer folio , los críticos modernos a menudo clasifican a Cymbeline como un romance o incluso una comedia . Al igual que Otelo y El cuento de invierno , trata los temas de la inocencia y los celos. Si bien se desconoce la fecha precisa de composición, la obra ciertamente se representó ya en 1611. [1]
Cymbeline es el rey vasallo del Imperio Romano de Gran Bretaña. Veinte años antes, los dos hijos pequeños de Cymbeline, Guiderius y Arvirargus, fueron secuestrados por un traidor exiliado llamado Belarius. Cymbeline descubre que su hija, Imogen (o Innogen), se ha casado en secreto con su amante Posthumus Leonatus, un miembro de la corte de Cymbeline. Los amantes han intercambiado joyas como obsequio: Imogen con un brazalete y Posthumus con un anillo. Cymbeline rechaza el matrimonio y destierra a Posthumus ya que Imogen, como el único hijo restante de Cymbeline, debe producir un heredero de sangre real para suceder al trono británico. Mientras tanto, la Reina de Cymbeline está conspirando para que Cloten (su hijo patán y arrogante de un matrimonio anterior) se case con Imogen para asegurar su linaje. La Reina también está conspirando para asesinar tanto a Imogen como a Cymbeline, obteniendo lo que cree que es un veneno mortal del médico de la corte. El doctor Cornelius sospecha y cambia el veneno por una inofensiva poción para dormir. La Reina le pasa el "veneno" a Pisanio, el fiel sirviente de Posthumus e Imogen. A Imogen le dicen que es una droga medicinal. Incapaz de estar con Posthumus, Imogen se recluye en sus aposentos, lejos de los agresivos avances de Cloten.
Posthumus debe ahora vivir en Italia, donde conoce a Iachimo (o Giacomo), quien apuesta al orgulloso Posthumus que él, Iachimo, puede seducir a Imogen, a quien Posthumus ha elogiado por su castidad, y luego le traerá a Posthumus una prueba del adulterio de Imogen. Si Iachimo gana, obtendrá el anillo simbólico de Posthumus. Si Posthumus gana, no solo debe Iachimo pagarle, sino también luchar contra Posthumus en un duelo con espadas. Iachimo se dirige a Gran Bretaña, donde intenta seducir a la fiel Imogen, quien lo rechaza. Iachimo luego se esconde en un cofre en el dormitorio de Imogen y, cuando la princesa se duerme, le roba el brazalete de Posthumus. También toma nota de la habitación, así como del lunar en el cuerpo parcialmente desnudo de Imogen, para presentarlo como evidencia falsa a Posthumus de que sedujo a su novia. Al regresar a Italia, Iachimo convence a Posthumus de que ha seducido con éxito a Imogen. En su ira, Posthumus envía dos cartas a Gran Bretaña: una a Imogen, diciéndole que se reúna con él en Milford Haven , en la costa galesa; la otra al sirviente Pisanio, ordenándole que asesine a Imogen en el Haven. Sin embargo, Pisanio se niega y revela el complot de Posthumus a Imogen. Hace que Imogen se disfrace de niño y continúan hacia Milford Haven para buscar trabajo. También le da el "veneno" de la Reina, creyendo que aliviará su angustia psicológica. Bajo la apariencia de un niño, Imogen asume el nombre de "Fidele", que significa "fiel".
De vuelta en la corte de Cymbeline, Cymbeline se niega a pagar su tributo británico al embajador romano Caius Lucius. Lucius advierte a Cymbeline de la ira inminente del emperador romano, que será una invasión de Gran Bretaña por parte de las tropas romanas. Mientras tanto, Cloten se entera de la "reunión" entre Imogen y Posthumus en Milford Haven. Se viste con las ropas de Posthumus y decide ir a Gales para matar a Posthumus y luego violar, secuestrar y casarse con Imogen. Imogen ha estado viajando como Fidele por las montañas galesas, su salud está en declive cuando llega a una cueva. Es el hogar de Belarius y sus "hijos" Polydore y Cadwal, a quienes crió como grandes cazadores. Los dos jóvenes son los príncipes británicos Guiderius y Arviragus, que desconocen su propio origen. Los hombres descubren a Fidele y, cautivados instantáneamente por una extraña afinidad por "él", se hacen amigos rápidamente. Fuera de la cueva, Guiderius se encuentra con Cloten, quien lo insulta, lo que lleva a una pelea de espadas durante la cual Guiderius decapita a Cloten. Mientras tanto, el estado frágil de Imogen empeora y ella toma el "veneno" como medicina; cuando los hombres vuelven a entrar, la encuentran "muerta". Lloran y, después de colocar el cuerpo de Cloten junto al de ella, se van brevemente para prepararse para el doble entierro. Imogen se despierta y encuentra el cuerpo sin cabeza, y cree que es Posthumus porque el cuerpo lleva la ropa de Posthumus. Los soldados romanos de Lucius acaban de llegar a Gran Bretaña y, mientras el ejército avanza por Gales, Lucius descubre al devastado Fidele, que finge ser un sirviente leal que llora a su amo asesinado; Lucius, conmovido por esta fidelidad, alista a Fidele como paje.
La traidora reina se está consumiendo debido a la desaparición de su hijo Cloten. Mientras tanto, Posthumus, lleno de culpa, se alista en las fuerzas romanas que invaden Gran Bretaña. Belarius, Guiderius, Arviragus y Posthumus ayudan a rescatar a Cymbeline del ataque romano; el rey aún no reconoce a estos cuatro, pero se fija en ellos mientras luchan valientemente y capturan a los comandantes romanos, Lucius e Iachimo, ganando así el día. Posthumus, que se deja capturar, así como Fidele, son encarcelados junto a los verdaderos romanos, que esperan su ejecución. En la cárcel, Posthumus duerme, mientras los fantasmas de su familia muerta parecen quejarse a Júpiter de su sombrío destino. Júpiter mismo aparece en truenos y gloria para asegurar a los demás que el destino concederá felicidad a Posthumus y a Gran Bretaña.
Cornelius llega a la corte para anunciar la muerte repentina de la reina, y que en su lecho de muerte confesó sin arrepentimiento haber planeado planes malvados contra su esposo y su trono. Preocupado y aliviado por esta noticia, Cymbeline se prepara para ejecutar a sus prisioneros, pero se detiene cuando ve a Fidele, a quien encuentra hermoso y familiar. Fidele ha notado el anillo de Posthumus en el dedo de Iachimo y exige saber cómo lo obtuvo. Un arrepentido Iachimo confiesa sobre la apuesta que hizo y cómo engañó a Posthumus haciéndole creer que había seducido a Imogen. Posthumus se presenta para confirmar la historia de Iachimo, revelando su identidad y reconociendo su error al querer matar a Imogen. Eufórica, Imogen se arroja sobre Posthumus, quien, creyendo que es un niño, la derriba. Pisanio se apresura a explicar que Fidele es Imogen. Imogen todavía sospecha que Pisanio conspiró con la reina para envenenarla. Pisanio se declara inocente y Cornelius revela que la poción era inofensiva. Belarius insiste en que su traición de hace años fue una trampa y hace su propia confesión feliz, revelando que Guiderius y Arviragus son los dos hijos perdidos de Cymbeline. Con sus hermanos restaurados a la línea de herencia, Imogen es libre de casarse con Posthumus. Cymbeline, eufórica, perdona a Belarius y a los prisioneros romanos, incluidos Lucius e Iachimo. Lucius convoca a su adivino para descifrar una profecía de eventos recientes, lo que asegura la felicidad para todos. Cymbeline culpa a su manipuladora Reina por su negativa a pagar antes, y ahora acepta pagar el tributo al Emperador romano como un gesto de paz entre Gran Bretaña y Roma. Todos están invitados a una gran fiesta.
Cymbeline se basa en la historia del rey británico histórico Cunobeline , que se registró originalmente en la Historia Regum Britanniae de Geoffrey de Monmouth , pero que Shakespeare probablemente encontró en la edición de 1587 de las Crónicas de Raphael Holinshed . Shakespeare basó el escenario de la obra y el personaje Cymbeline en lo que encontró en las crónicas de Holinshed, pero la trama y las subtramas de la obra se derivan de otras fuentes. [3] La subtrama de Posthumus y la apuesta de Iachimo deriva de la historia II.9 de El Decamerón de Giovanni Boccaccio y la Frederyke de Jennen de autor anónimo . [4] [5] Estos comparten personajes y términos de apuesta similares, y ambos presentan el equivalente de Iachimo escondiéndose en un cofre para reunir pruebas en la habitación de Imogen. La descripción que hace Iachimo de la habitación de Imogen como prueba de su infidelidad se deriva de El Decamerón , [b] y la renuencia de Pisanio a matar a Imogen y su uso de su ropa ensangrentada para convencer a Póstumo de su muerte se derivan de Federico de Jennen. En ambas fuentes, el equivalente al brazalete de Póstumo son joyas robadas que la esposa reconoce más tarde mientras se viste de mujer. [6] [7] Shakespeare también se inspiró para Cimbelino en una obra llamada Los raros triunfos del amor y la fortuna, interpretada por primera vez en 1582. [8] Hay muchos paralelismos entre los personajes de las dos obras, incluida la hija de un rey que se enamora de un hombre de nacimiento desconocido que creció en la corte del rey. La subtrama de Belario y los príncipes perdidos se inspiró en la historia de Bomelio, un noble exiliado en Los raros triunfos que más tarde se revela como el padre del protagonista. [5]
La primera producción registrada de Cymbeline , como señaló Simon Forman , fue en abril de 1611. [1] Se publicó por primera vez en el Primer Folio en 1623. No se puede fechar con precisión cuándo se escribió realmente Cymbeline .
La edición de Yale sugiere que un colaborador tuvo algo que ver con la autoría, y algunas escenas (por ejemplo, la escena 7 del acto III y la escena 2 del acto V) pueden parecerle al lector particularmente poco shakespearianas en comparación con otras. La obra comparte similitudes notables en lenguaje, situación y trama con la tragicomedia de Beaumont y Fletcher Philaster, or Love Lies a-Bleeding ( c. 1609-10 ). Ambas obras tratan sobre una princesa que, después de desobedecer a su padre para casarse con un amante humilde, es acusada injustamente de infidelidad y, por lo tanto, se le ordena ser asesinada, antes de escapar y demostrar su fidelidad. Además, ambas fueron escritas para la misma compañía de teatro y audiencia. [9] Algunos académicos creen que esto respalda una datación de aproximadamente 1609, aunque no está claro qué obra precedió a la otra. [10]
Los editores de Oxford and Norton Shakespeare creen que el nombre de Imogen es un error de imprenta para Innogen; hacen varias comparaciones entre Cymbeline y Much Ado About Nothing , en las primeras ediciones de las cuales se suponía que un personaje fantasma llamado Innogen era la esposa de Leonato (Posthumus también era conocido como "Leonatus", la forma latina del nombre italiano en la otra obra). Stanley Wells y Michael Dobson señalan que las Crónicas de Holinshed , que Shakespeare utilizó como fuente, mencionan a una Innogen y que el relato de Forman como testigo ocular de la representación de abril de 1611 se refiere a "Innogen" en todo momento. [1] A pesar de estos argumentos, la mayoría de las ediciones de la obra han seguido utilizando el nombre de Imogen.
No se sabe si Milford Haven se utilizó durante el período (principios del siglo I d. C.) en el que se desarrolla Cymbeline , y no se sabe por qué Shakespeare lo utilizó en la obra. Robert Nye señaló que era el puerto marítimo más cercano a la ciudad natal de Shakespeare, Stratford-upon-Avon : "Pero si marchas hacia el oeste desde Stratford, sin mirar ni a la izquierda ni a la derecha, con la idea de huir al mar en tu joven cabeza, entonces Milford Haven es el puerto al que llegarías", una caminata de aproximadamente 165 millas (266 km), aproximadamente seis días de viaje, que el joven Shakespeare bien podría haber realizado, o al menos soñado con realizar. [11] Marisa R. Cull señala su posible simbolismo como el lugar de desembarco de Enrique Tudor , cuando invadió Inglaterra a través de Milford el 7 de agosto de 1485 en su camino para deponer a Ricardo III y establecer la dinastía Tudor . También puede reflejar la ansiedad inglesa sobre la lealtad de los galeses y la posibilidad de futuras invasiones en Milford. [12]
Cymbeline fue una de las obras más populares de Shakespeare durante el siglo XVIII, aunque críticos como Samuel Johnson cuestionaron su compleja trama:
Esta obra tiene muchos sentimientos justos, algunos diálogos naturales y algunas escenas agradables, pero se obtienen a costa de mucha incongruencia. Observar la locura de la ficción, lo absurdo de la conducta, la confusión de los nombres y costumbres de diferentes épocas y la imposibilidad de los acontecimientos en cualquier sistema de vida sería desperdiciar la crítica en imbecilidades irresistibles, en faltas demasiado evidentes para detectarlas y demasiado graves para agravarlas. [13]
William Hazlitt y John Keats , sin embargo, la consideraron una de sus obras favoritas.
A principios del siglo XX, la obra había perdido popularidad. Lytton Strachey encontró "difícil resistirse a la conclusión de que [Shakespeare] se estaba aburriendo. Aburrido de la gente, aburrido de la vida real, aburrido del teatro, aburrido, de hecho, de todo excepto la poesía y los sueños poéticos". [14]
En 1937, el dramaturgo irlandés George Bernard Shaw escribió Cymbeline Refinished , que reescribe el acto final de la obra. Shaw comentó sobre la obra en 1896, en una crítica apasionada, diciendo que era:
"basura teatral del más bajo orden melodramático, en partes abominablemente escrita, en su totalidad intelectualmente vulgar y, a juzgar por el pensamiento según los estándares intelectuales modernos, vulgar, tonta, ofensiva, indecente y exasperante más allá de toda tolerancia". [15]
Sin embargo, Shaw reformó su opinión sobre la obra después de reescribir el final, aunque siguió firme en su opinión de que el acto final era desastroso y escribió en 1946 que era "una de las mejores obras posteriores de Shakespeare", pero que "se desmorona en el acto final". Harley Granville-Barker , que tuvo éxito como actor en las obras de Shaw, tenía puntos de vista similares y decía que la obra muestra que Shakespeare se estaba convirtiendo en un "artista cansado". [14]
Algunos han argumentado que la obra parodia su propio contenido. Harold Bloom escribió que " Cimbelino , en mi opinión, es en parte una autoparodia shakespeariana; muchas de sus obras y personajes anteriores son objeto de burlas en ella". [16]
Las similitudes entre Cymbeline y los relatos históricos del emperador romano Augusto han llevado a los críticos a interpretar la obra como una expresión de apoyo de Shakespeare a las nociones políticas de Jacobo I , que se consideraba el «Augusto británico». [17] Sus maniobras políticas para unir Escocia con Inglaterra y Gales como un imperio reflejan la Pax Romana de Augusto . [18] La obra refuerza la idea jacobina de que Gran Bretaña es la sucesora de la virtud civilizada de la antigua Roma, retratando el parroquialismo y el aislacionismo de Cloten y la reina como villanos. [19] Otros críticos se han resistido a la idea de que Cymbeline respalde las ideas de Jacobo I sobre la identidad nacional, señalando las construcciones conflictivas de varios personajes de sus identidades geográficas. Por ejemplo, aunque Guiderius y Arviragus son los hijos de Cymbeline, un rey británico criado en Roma, crecieron en una cueva galesa. Los hermanos lamentan su aislamiento de la sociedad, una cualidad asociada con la barbarie, pero Belarius, su padre adoptivo, replica que esto los ha salvado de las influencias corruptoras de la supuestamente civilizada corte británica. [20]
La invasión de Iachimo al dormitorio de Imogen puede reflejar la preocupación de que Gran Bretaña estaba siendo difamada por la influencia italiana. [21] Según Peter A. Parolin, las escenas de Cymbeline aparentemente ambientadas en la antigua Roma pueden ser representaciones anacrónicas de la Italia del siglo XVI, que fue caracterizada por los autores británicos contemporáneos como un lugar donde el vicio, el libertinaje y la traición habían suplantado la virtud de la antigua Roma. [19] [22] Aunque Cymbeline concluye con una paz forjada entre Gran Bretaña y Roma, la corrupción de Posthumus por parte de Iachimo y la violación metafórica de Imogen pueden demostrar temores de que la unión política de Gran Bretaña con otras culturas pudiera exponer a los británicos a influencias extranjeras dañinas. [19] [23]
Los académicos han enfatizado que la obra atribuye un gran significado político a la virginidad y castidad de Imogen . [24] [25] Existe cierto debate sobre si el matrimonio de Imogen y Posthumus es legítimo. [24] Imogen ha sido representada y recibida históricamente como una mujer ideal y casta que mantiene cualidades aplaudidas en una estructura patriarcal ; sin embargo, los críticos argumentan que las acciones de Imogen contradicen estas definiciones sociales a través de su desafío a su padre y su travestismo. [26] Sin embargo, los críticos, incluida Tracey Miller-Tomlinson, han enfatizado las formas en que la obra defiende la ideología patriarcal, incluso en la escena final, con su panoplia de vencedores masculinos. [26] [27] Si bien el matrimonio de Imogen y Posthumus al principio defiende las normas heterosexuales , su separación y reunión final dejan abiertas posibilidades no heterosexuales, inicialmente expuestas por el travestismo de Imogen como Fidele. Miller-Tomlinson señala la falsedad de su significación social como un "ejemplo perfecto" de un "matrimonio heterosexual" público, considerando que sus relaciones privadas resultan ser "homosociales, homoeróticas y hermafroditas". [27]
La teoría queer ha ganado fuerza en los estudios sobre Cymbeline , basándose en el trabajo de Eve Kosofsky Sedgwick y Judith Butler . [28] [29] [30] Los estudios sobre este tema han enfatizado las alusiones ovidianas de la obra y la exploración del género/sexualidad no normativo, logrado a través de la separación de la sociedad tradicional en lo que Valerie Traub llama "mundos verdes". [28] Entre los ejemplos más obvios y frecuentemente citados de esta dimensión no normativa de la obra está la prominencia del homoerotismo, como se ve en la fascinación semisexual de Guiderius y Arviragus con Imogen/Fidele disfrazada. [31] Además de los elementos homoeróticos y homosociales, los temas del hermafroditismo y la paternidad/maternidad también ocupan un lugar destacado en las interpretaciones queer de Cymbeline . [32] [33] [34] [35] Janet Adelman marcó el tono de la intersección de la paternidad y el hermafroditismo al argumentar que las líneas de Cymbeline, "oh, ¿qué soy yo, / una madre para el nacimiento de tres? Nunca madre / se regocijó más por la liberación", equivalen a una "fantasía de partenogénesis". [36] [37] [38] Según Adelman y Tracey Miller-Tomlinson, al tomar crédito exclusivo por la creación de sus hijos, Cymbeline actúa como un hermafrodita que transforma una función maternal en una estrategia patriarcal al recuperar el control de sus herederos varones y su hija, Imogen. [39] [32] La propia experiencia de Imogen con la fluidez de género y el travestismo ha sido interpretada en gran medida a través de una lente patriarcal. [40] [41] A diferencia de otros agentes shakespearianos de la fluidez de género en el escenario – Portia , Rosalind , Viola y Julia – a Imogen no se le otorga poder tras su transformación en Fidele. [41] En cambio, el poder de Imogen es heredado de su padre y se basa en la perspectiva de la reproducción. [41]
Después de la representación de 1611 mencionada por Simon Forman, no hay registro de producción hasta 1634, cuando la obra fue reestrenada en la corte para Carlos I y Enriqueta María . [42] [43] La producción de Carolina fue señalada como "muy del agrado del rey". [44] En 1728, John Rich representó la obra con su compañía en Lincoln's Inn Fields , con énfasis puesto en el espectáculo de la producción más que en el texto de la obra. [45] Theophilus Cibber revivió el texto de Shakespeare en 1744 con una representación en el Haymarket . [46] Hay evidencia de que Cibber realizó otra representación en 1746, y otra en 1758. [45] [47] [48]
En 1761, David Garrick editó una nueva versión del texto. [48] Se reconoce que se acerca al original de Shakespeare, aunque hay varias diferencias. Los cambios incluyeron el acortamiento de la escena del entierro de Imogen y todo el quinto acto, incluida la eliminación del sueño de Posthumus. El texto de Garrick se representó por primera vez en noviembre de ese año, protagonizado por el propio Garrick como Posthumus. [46] Varios académicos han indicado que Posthumus de Garrick gustó mucho. [45] [49] Valerie Wayne señala que los cambios de Garrick hicieron que la obra fuera más nacionalista, lo que representa una tendencia en la percepción de Cymbeline durante ese período. [50] La versión de Garrick de Cymbeline resultaría popular; se representó varias veces durante las siguientes décadas. [42]
A finales del siglo XVIII, Cymbeline se interpretó en Jamaica . [51]
La obra entró en la era romántica con la compañía de John Philip Kemble en 1801. [52] Las producciones de Kemble hicieron uso de un espectáculo y una escenografía suntuosos; un crítico señaló que durante la escena del dormitorio, la cama era tan grande que Iachimo casi necesitaba una escalera para ver a Imogen mientras dormía. [53] Kemble añadió una danza al cortejo cómico de Cloten a Imogen. En 1827, su hermano Charles montó una producción de anticuario en Covent Garden ; presentó vestuario diseñado según las descripciones de los antiguos británicos por escritores como Julio César y Diodoro Sículo .
William Charles Macready montó la obra varias veces entre 1837 y 1842. [54] En el Theatre Royal, Marylebone , se representó una producción epicena con Mary Warner, Fanny Vining , Anna Cora Mowatt y Edward Loomis Davenport .
En 1859, Cymbeline se representó por primera vez en Sri Lanka . A finales del siglo XIX, la obra se representó varias veces en la India . [51]
En 1864, como parte de las celebraciones por el nacimiento de Shakespeare, Samuel Phelps interpretó el papel principal en el Theatre Royal, Drury Lane . Helena Faucit volvió al escenario para esta actuación.
La obra también fue una de las últimas representaciones de Ellen Terry con Henry Irving en el Lyceum en 1896. La actuación de Terry fue ampliamente elogiada, aunque Irving fue juzgado como un Iachimo indiferente. Al igual que Garrick, Irving eliminó el sueño de Posthumus; también redujo el remordimiento de Iachimo e intentó hacer que el personaje de Cloten fuera consistente. Una reseña en el Athenaeum comparó esta versión recortada con comedias pastorales como Como gustéis . El diseño de la escenografía, supervisado por Lawrence Alma-Tadema , fue lujoso y se promocionó como históricamente preciso, aunque el crítico de la época se quejó de anacronismos como coronas de oro y libros impresos como accesorios. [55]
Igualmente lujosa, pero menos exitosa, fue la producción de Margaret Mather en Nueva York en 1897. Los decorados y la publicidad costaron 40.000 dólares, pero Mather fue considerada demasiado emocional e indisciplinada para tener éxito en un papel bastante cerebral.
Barry Jackson presentó una producción con vestuario moderno para el Birmingham Rep en 1923, dos años antes de su influyente Hamlet con vestuario moderno . [56] Walter Nugent Monck trajo su producción del Teatro Maddermarket a Stratford en 1946, inaugurando la tradición de posguerra de la obra.
En la temporada de 1956, Londres vio dos producciones. Michael Benthall dirigió la producción menos exitosa, en The Old Vic . El diseño de escenario de Audrey Cruddas fue notablemente minimalista, con solo unos pocos accesorios esenciales. En cambio, se basó en una variedad de efectos de iluminación para reforzar el estado de ánimo; los actores parecían salir de la oscuridad y regresar a la oscuridad. Barbara Jefford fue criticada por ser demasiado fría y formal para Imogen; Leon Gluckman interpretó a Posthumus, Derek Godfrey Iachimo y Derek Francis Cymbeline. Siguiendo la práctica victoriana, Benthall acortó drásticamente el último acto. [57]
En cambio, la producción de Peter Hall en el Shakespeare Memorial presentó casi toda la obra, incluida la escena del sueño, que había sido olvidada durante mucho tiempo (aunque un águila real diseñada para Júpiter resultó demasiado pesada para la maquinaria del escenario y no se utilizó). [58] Hall presentó la obra como un cuento de hadas lejano, con actuaciones estilizadas. La producción recibió críticas favorables, tanto por la concepción de Hall como, especialmente, por Imogen de Peggy Ashcroft . [59] Richard Johnson interpretó a Posthumus y Robert Harris a Cymbeline. Iachimo fue interpretado por Geoffrey Keen , cuyo padre Malcolm había interpretado a Iachimo con Ashcroft en el Old Vic en 1932. [60]
El enfoque de Hall intentó unificar la diversidad de la obra por medio de un topos de cuento de hadas . La siguiente producción importante de la Royal Shakespeare Company , en 1962, fue en la dirección opuesta. Trabajando en un escenario cubierto con pesadas sábanas blancas, el director William Gaskill empleó efectos de alienación brechtianos , con críticas mixtas. La actuación, sin embargo, fue ampliamente elogiada. Vanessa Redgrave como Imogen fue a menudo comparada favorablemente con Ashcroft; Eric Porter fue un éxito como Iachimo, al igual que Clive Swift como Cloten. Patrick Allen fue Posthumus y Tom Fleming interpretó el papel principal.
Una década después, la producción de 1974 de John Barton para la RSC (con la ayuda de Clifford Williams ) contó con Sebastian Shaw en el papel principal, Tim Pigott-Smith como Posthumus, Ian Richardson como Iachimo y Susan Fleetwood como Imogen. Charles Keating fue Cloten. Al igual que con las producciones contemporáneas de Pericles , esta utilizó un narrador (Cornelius) para señalar cambios de humor y tratamiento a la audiencia. A Robert Speaight no le gustó el diseño del escenario, que calificó de demasiado minimalista, pero aprobó la actuación. [61]
En 1980, David Jones revivió la obra para la Royal Shakespeare Company; la producción fue en general una decepción, aunque Judi Dench como Imogen recibió críticas que rivalizaron con las de Ashcroft. Ben Kingsley interpretó a Iachimo; Roger Rees fue Posthumus. En 1987, Bill Alexander dirigió la obra en The Other Place (que luego se trasladó al Pit en el Barbican Centre de Londres) con Harriet Walter interpretando a Imogen, David Bradley como Cymbeline y Nicholas Farrell como Posthumus.
En el Festival de Stratford , la obra fue dirigida en 1970 por Jean Gascon y en 1987 por Robin Phillips . La última producción, que se caracterizó por una complejidad escénica muy aprobada, contó con Colm Feore como Iachimo y Martha Burns como Imogen. La obra volvió a presentarse en Stratford en 2004, dirigida por David Latham. [62] Un gran tapiz medieval unificó el diseño escénico bastante simple y subrayó la dirección inspirada en los cuentos de hadas de Latham.
En 1994, Ajay Chowdhury dirigió una producción angloindia de Cymbeline en la Rented Space Theatre Company. Ambientada en la India bajo el dominio británico, la obra presenta a Iachimo, interpretado por Rohan Kenworthy, como un soldado británico e Imogen, interpretada por Uzma Hameed, como una princesa india. [63]
En el nuevo Globe Theatre en 2001, un elenco de seis (entre ellos Abigail Thaw , Mark Rylance y Richard Hope ) utilizó numerosos dobles para la obra. El elenco llevaba trajes idénticos incluso cuando estaban disfrazados, lo que permitió efectos cómicos particulares relacionados con los dobles (como cuando Cloten intenta disfrazarse de Posthumus). [64]
Ha habido algunas producciones teatrales bien recibidas, incluida la producción de 1998 del Public Theater en la ciudad de Nueva York, dirigida por Andrei Șerban . [65] Cymbeline también se presentó en el Cambridge Arts Theatre en octubre de 2007 en una producción dirigida por Sir Trevor Nunn, [66] y en noviembre de 2007 en el Chicago Shakespeare Theatre . La obra se incluyó en la temporada de repertorio de 2013 del Oregon Shakespeare Festival . [67]
En 2004 y 2014, la Hudson Shakespeare Company de Nueva Jersey produjo dos versiones distintas de la obra. La producción de 2004, dirigida por Jon Ciccarelli, adoptó el aspecto de cuento de hadas de la historia y produjo una versión colorida con madrastras malvadas, princesas luchadoras y un Iachimo extravagante. La versión de 2014, dirigida por Rachel Alt, fue en una dirección completamente opuesta y situó la acción en un rancho en el Viejo Oeste estadounidense . La Reina era una bella sureña casada con un ranchero, con Imogen como una chica de la alta sociedad enamorada del vaquero Póstumo. [68]
En una producción de Cheek by Jowl de 2007 , Tom Hiddleston actuó como Posthumus y Cloten. [69] [70]
En 2011, la Shakespeare Theatre Company de Washington, DC, presentó una versión de la obra que enfatizaba sus elementos de fábula y folclore, ambientada como un cuento dentro de un cuento, tal como se le contaba a un niño. [71]
En 2012, Antoni Cimolino dirigió una producción en el Festival de Stratford que se adentraba en los elementos de cuento de hadas del texto. [72]
También en 2012, la Compañía de Teatro de Sudán del Sur representó Cymbeline en árabe de Juba para el festival Globe to Globe de Shakespeare . [73] Fue traducida por Derik Uya Alfred y dirigida por Joseph Abuk. [74] Los productores de la producción, así como algunos académicos, han establecido conexiones entre el contenido de la obra y la propia lucha política de Sudán del Sur. [75] [76] En general, la producción fue bien recibida por el público y los críticos. [77] El crítico Matt Truman le dio a la producción cuatro de cinco estrellas, diciendo "La nación más joven del mundo parece encantada de estar aquí y, interpretada con tanto corazón, incluso el romance más divagante de Shakespeare se vuelve irresistible". [78]
En 2013, Samir Bhamra dirigió la obra para Phizzical Productions [79] con seis actores que interpretaron varios papeles para una gira nacional en el Reino Unido. El elenco [80] incluía a Sophie Khan Levy como Innojaan, Adam Youssefbeygi, Tony Hasnath, Liz Jadav y Robby Khela. La producción se ambientó en los zocos de Dubái y la industria cinematográfica de Bollywood durante los disturbios comunales de los años 90 y recibió elogios de los críticos [81] y académicos [82] por igual.
También en 2013, se realizó una adaptación musical folclórica de Cymbeline en el First Folio Theatre en Oak Brook, Illinois. [83] La obra se ambientó en el sur de Estados Unidos durante la Guerra Civil , con Cymbeline como un hombre de alto estatus que evita el servicio militar. La obra se representó al aire libre y estuvo acompañada de canciones folclóricas tradicionales de los Apalaches .
En 2015, en el Shakespeare's Globe , en el Sam Wanamaker Playhouse, se realizó una producción dirigida por Sam Yates en la que el papel de Innogen fue interpretado por Emily Barber y Jonjo O'Neill como Posthumus.
En 2016, Melly Still dirigió Cymbeline en la Royal Shakespeare Company . Esta versión de la obra se representó en el Royal Shakespeare Theatre antes de trasladarse al Barbican a fines de 2016. La actuación contó con la participación de Bethan Cullinane como Innogen y Gillian Bevan como Cymbeline. [84]
En 2023, Gregory Doran dirigió Cymbeline en el Royal Shakespeare Theatre. Fue su última producción como director artístico y recibió críticas en su mayoría positivas. [85] [86] El elenco incluía a Peter De Jersey como Cymbeline y Amber James como Imogen.
También en 2023, el Free Shakespeare in the Park de San Francisco presentó Cymbeline , dirigida por Maryssa Wanlass, con un enfoque temático de David Bowie y la fantasía en las interpretaciones queer de la obra. [87]
En 2024, en el Festival de Stratford , Cymbeline , dirigida por Esther Jun, invirtió el género de varios roles, con Cymbeline interpretada como la reina de Gran Bretaña por Lucy Peacock y su esposo como un duque, interpretado por Rick Roberts. Innogen fue interpretada por Allison Edwards-Crewe. [88]
La obra fue adaptada por Thomas d'Urfey como La princesa herida o la apuesta fatal ; esta versión fue representada en el Theatre Royal, Drury Lane , presumiblemente por la Compañía del Rey y la Compañía del Duque unidas , en 1682. [89] La obra cambia algunos nombres y detalles, y añade una subtrama, típica de la Restauración, en la que una virtuosa camarera escapa de las trampas tendidas por Cloten. D'Urfey también cambia el personaje de Pisanio para que de inmediato crea en la culpabilidad de Imogen (Eugenia, en la obra de D'Urfey). Por su parte, el Póstumo de D'Urfey está dispuesto a aceptar que su esposa podría haber sido infiel, ya que es joven y hermosa. Algunos detalles de esta alteración sobrevivieron en producciones al menos hasta mediados de siglo.
William Hawkins revisó la obra nuevamente en 1759. La suya fue una de las últimas revisiones importantes diseñadas para poner la obra en línea con las unidades clásicas . Eliminó a la Reina y redujo la acción a dos lugares (la corte y un bosque en Gales). [52] El canto fúnebre "With fairest flowers..." fue musicalizado por Thomas Arne . [89]
Hacia finales de siglo, Henry Brooke escribió una adaptación que aparentemente nunca se representó. [90] Su versión elimina por completo a los hermanos como parte de una mejora notable del papel de Posthumus en la obra.
George Bernard Shaw , que criticó la obra quizás con más dureza que cualquier otra obra de Shakespeare, apuntó a lo que veía como los defectos del acto final en su Cymbeline Refinished de 1937 ; ya en 1896, se había quejado de los absurdos de la obra a Ellen Terry, que se estaba preparando para actuar en Imogen. La llamó "basura teatral del más bajo orden melodramático". Más tarde cambió su opinión, diciendo que era "una de las mejores obras posteriores de Shakespeare", pero siguió convencido de que "se desmorona en el acto final". [91] En consecuencia, en Cymbeline Refinished reescribió el último acto, eliminando muchas de las numerosas revelaciones y exposiciones, al tiempo que hacía de Imogen una figura mucho más asertiva en línea con sus puntos de vista feministas. [92]
Ha habido varias adaptaciones radiofónicas de Cymbeline entre los años 1930 y 2000. [93] La BBC transmitió producciones de Cymbeline en el Reino Unido en 1934, 1951, 1957, 1986, 1996 y 2006. [94] [95] [96] [97] [98] [99] La NBC transmitió una producción de la obra en los Estados Unidos en 1938. [100] En octubre de 1951, la BBC emitió una producción de Cymbeline Refinished de George Bernard Shaw , así como el prólogo de Shaw a la obra. [101] [102]
Lucius J. Henderson dirigió la primera adaptación cinematográfica de Cymbeline en 1913. [103] La película fue producida por Thanhouser Company y protagonizada por Florence La Badie como Imogen , James Cruze como Posthumus, William Garwood como Iachimo, William Russell como Cymbeline y Jean Darnell como la Reina. [104]
En 1937, la BBC emitió por televisión varias escenas de la producción de la obra de André van Gyseghem , que se estrenó el 16 de noviembre de ese mismo año. Las escenas que comprendían la emisión se extrajeron exclusivamente de los actos I y II de la obra, e incluyeron la "escena del baúl" del acto II, escena 2. [105] En 1956, la BBC produjo un programa de televisión similar, esta vez emitiendo escenas de la producción teatral de Michael Benthall , que se estrenó el 11 de septiembre de 1956. Al igual que el programa de 1937, la emisión de 1956 duró aproximadamente media hora y presentó varias escenas de Cymbeline, incluida la escena del baúl. [106] [107]
En 1968, Jerzy Jarocki dirigió una adaptación de la obra para la televisión polaca , protagonizada por Wiktor Sadecki como Cymbeline y Ewa Lassek como Imogen . [108]
Elijah Moshinsky dirigió la adaptación de Shakespeare para BBC Television en 1982, ignorando el entorno del antiguo período británico en favor de una atmósfera más atemporal y cargada de nieve inspirada en Rembrandt y sus pintores holandeses contemporáneos . [109] Richard Johnson , Claire Bloom , Helen Mirren y Robert Lindsay interpretan a Cymbeline, su reina, Imogen e Iachimo, respectivamente, con Michael Pennington como Posthumus. [110]
En 2014, Ethan Hawke y el director Michael Almereyda , quienes previamente colaboraron en la película Hamlet de 2000 , volvieron a trabajar juntos para la película Cymbeline , en la que Hawke interpreta a Iachimo. [111] La película está ambientada en el contexto de una guerra de pandillas urbanas. Ed Harris asume el papel principal. Penn Badgley interpreta al huérfano Posthumus; [112] Milla Jovovich interpreta el papel de la Reina; [113] Anton Yelchin es Cloten; y Dakota Johnson interpreta el papel de Imogen. [114]
Antes de las adaptaciones operísticas, sólo se componía música incidental. La primera adaptación operística parece haber sido compuesta por Edmond Missa en 1894, bajo el título "Dinah"; el compositor estadounidense Christopher Berg compuso otra, de la que se interpretaron escenas en 2009. [115]
En la única ópera de Beethoven , Fidelio , la leal esposa Leonore, disfrazada de hombre, adopta el nombre de Fidelio, como una probable referencia al travestismo de Imogen como Fidele.
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La 'Canción' del Acto II, Escena 3 (¡Escucha, escucha la alondra!) fue musicalizada por Franz Schubert en 1826.
Quizás los versos más famosos de la obra provienen del canto fúnebre del Acto IV, Escena 2, que comienza:
Los dos primeros versos son citados por Virginia Woolf en La señora Dalloway por los dos personajes principales, Clarissa y Septimus Smith. Los versos, que llevan los pensamientos de la señora Dalloway al trauma de la Primera Guerra Mundial , son a la vez un canto fúnebre elegíaco y una declaración de resistencia profundamente digna. La canción proporciona un motivo organizativo importante para la novela. El pareado final también aparece en la novela de Anton Myrer , El último descapotable .
Las dos últimas líneas parecen haber inspirado a TS Eliot en "Frases para un Yorkshire Terrier" (en Five-Finger Exercises ). Escribe:
La canción fue musicalizada por Roger Quilter como "Fear No More the Heat o' the Sun", No. 1 de Five Shakespeare Songs, Op. 23 (1921). También fue musicalizada por Gerald Finzi como parte de su ciclo de canciones sobre textos de Shakespeare Let Us Garlands Bring (1942). El texto es cantado por Cleo Laine con música de John Dankworth en su álbum de 1964 Shakespeare and All That Jazz .
Al final de Las ranas de Stephen Sondheim , William Shakespeare compite con George Bernard Shaw por el título de mejor dramaturgo y decide cuál de ellos debe resucitar para mejorar el mundo. Shakespeare canta la canción fúnebre del acto IV, escena 2, cuando se le pregunta sobre su visión de la muerte (la canción se titula "Fear No More").
"No temas más el calor del sol" es la frase que Winnie y su marido intentan recordar en Días felices de Samuel Beckett mientras están sentados expuestos a los elementos.
En el epílogo de la novela Cita con la muerte de Agatha Christie , las primeras cuatro líneas del verso son citadas por el personaje Ginevra Boynton mientras reflexiona sobre la vida de su madre fallecida, la Sra. Boynton.
En El olor del agua (1963) de Elizabeth Goudge, la protagonista, Mary Lindsay, se siente alcanzada por un rayo cuando se da cuenta de que se ha enamorado de Paul Randall, un escritor y piloto de la Real Fuerza Aérea, que quedó ciego en los últimos días de la Segunda Guerra Mundial y se casó. "No temas más el relámpago", piensa de repente Mary, junto con el resto de esa estrofa, que termina con "Todos los amantes jóvenes, todos los amantes deben / entregarse a ti y convertirse en polvo", sabiendo que debe ocultar su amor y reconociendo que, a sus cincuenta años, se está haciendo vieja (Capítulo IX, Parte 1, pág. 164).
... no es posible eliminar por completo la deuda con Boccaccio. La descripción del dormitorio de Imogen, por ejemplo, no debe nada al cuento inglés, pero basta con echar una mirada al Decamerón para descubrir una habitación en la que arde una vela y de la que cuelgan cuadros, todos cuidadosamente anotados por Ambrogiuolo, y reconocer de inmediato un refinamiento de los detalles que despertó la imaginación de Shakespeare y puso a fluir la poesía de su pluma.
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