Comentario: Bien, déjame repasar esto. Ahora bien, en la Wikipedia en inglés conviene, en general, citar fuentes secundarias, independientes, fiables y de cobertura significativa. Una cita generalmente incluye el nombre del autor, el título de la obra, el nombre de la fuente o medio y una fecha. Su primera cita no contiene el nombre del autor ni especifica la obra; falta la fecha. Si hubiera citado la fuente correctamente, al experto crítico de AfC le habría resultado inmediatamente obvio que la fuente es buena. La nota a pie de página 2 se refiere al sitio web personal del sujeto, pero no proporciona ninguna información útil ni indica ninguna fuente en el sentido de esa palabra. La nota a pie de página 3 se refiere a una fuente primaria; prueba el hecho, pero no indica por qué el hecho califica para su inclusión en este artículo. La nota al pie 4 se refiere a una fuente en línea a la que no se puede acceder y la cita no tiene sentido, es decir, no tiene sentido y no haría ninguna diferencia si esta nota al pie no estuviera presente. La nota a pie de página 5 se refiere a una entrevista, que no cuenta como fuente confiable. La nota al pie 6 contiene una cita adecuada, pero se refiere al tema como fuente. La nota al pie 7 no contiene una cita adecuada y también se refiere al tema como fuente. Nota al pie 8: Está bien. Las notas a pie de página 9, 10 y 12 parecen referirse a notas de programa si lo veo correctamente; eso no cuenta como fuente. La nota al pie 11 es una cita adecuada, pero falta la página en esa cita. Tenga en cuenta también que las notas a pie de página 1, 7, 10, 11 y 12 se colocan al principio de una sección, es decir, técnicamente, no se utilizan como citas porque no está claro para qué se utilizan. También le sugiero que elimine las notas a pie de página 1 y 2 de los títulos de las secciones. También debo agregar que debes citar fuentes que indiquen por qué Wikipedia tendría un artículo sobre Beil; actualmente, no estoy del todo convencido de que las fuentes indiquen notoriedad. Saludos cordiales, - Johannes ( Discusión ) ( Contribuciones ) ( Artículos ) 23:30, 16 de febrero de 2024 (UTC) Comentario: Wikipedia no es un lugar para establecer conocimientos (u opiniones), es una obra que describe conocimientos (u opiniones) establecidos. Las fuentes citadas no respaldan el texto. - Johannes ( Discusión ) ( Contribuciones ) ( Artículos ) 21:24, 17 de enero de 2024 (UTC)Michael Beil ( Weinheim , 13 de julio de 1963) es un compositor alemán de música contemporánea . Las características de su obra son la combinación de música instrumental con audio y vídeo en vivo, y el uso de elementos teatrales como una detallada dirección escénica y escenografía . Desde 2007 es profesor de composición electrónica en la Hochschule für Musik und Tanz de Colonia , donde está a cargo del estudio de música electrónica .
Beil estudió piano y teoría musical en la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart de 1984 a 1993, y composición con Manuel Hidalgo. En 1996 se trasladó a Berlín , donde enseñó teoría musical y composición en las escuelas de música de Kreuzberg y Neukölln y trabajó como director del departamento preuniversitario y del departamento de música contemporánea. Entre 2000 y 2007 estuvo involucrado en la escena berlinesa de nueva música en diversas funciones: como director artístico del festival Klangwerkstatt y como cofundador del grupo SKART (junto con Stephan Winkler), que organizaba conciertos basados en conceptos interdisciplinarios. En 2007 se convirtió en profesor de música electrónica en la Hochschule für Musik und Tanz de Colonia y director del estudio de música electrónica . [1]
El reconocimiento internacional del trabajo de Michael Beil queda demostrado por sus estrenos mundiales en festivales dedicados a la nueva música, como el festival Acht Brücken de Colonia , Ultraschall Berlin – Festival für neue Musikin, ECLAT Festival Neue Musik Stuttgart , Wien Modern , Donaueschinger Musiktage , TRANSIT. en Lovaina y el Festival de Música Contemporánea de Huddersfield , así como por colaboraciones y actuaciones de conjuntos especializados como musikFabrik , Ensemble Modern , Ensemble Mosaik, Ensemble United, Ensemble Garage, Neue Vokalsolisten Stuttgart y Nadar Ensemble. [1]
Beil ha recibido estipendios de Künstlerhaus Wiepersdorf [2] y cité des arts (París), y del Heinrich-Gartentor-Stipendium für Videokunst en Thun (Suiza). Es galardonado con el premio Camillo Togni y fue seleccionado para el Nachwuchsforum des Ensemble Modern en 1994. En 2023, Beil recibió el Deutscher Musikautor*innen-Preis (GEMA). [3] [4]
Beil se centra en la combinación de música instrumental , música electrónica y vídeo . Sus composiciones se basan en gran medida en conceptos específicos de lo que normalmente sucede en el escenario durante un concierto (no sólo la interpretación de la música como tal, sino en particular las muchas acciones que no están directamente dirigidas a tocar) y la forma en que se crean las composiciones. El arreglo en el escenario a menudo está fijado con precisión y los movimientos de los músicos en el escenario se elaboran como parte integral de la partitura. Varias composiciones presuponen una decoración y accesorios específicos. En este sentido, la música de Beil roza el teatro musical . Sin embargo, la dimensión musical es y sigue siendo el punto de partida íntegro de sus obras. [1]
Un tema central en la obra de Beil es la disociación del sonido y el movimiento. Una vez desconectados, Beil los utiliza como bloques de construcción que puede recombinar en nuevas configuraciones. La relación causal entre movimiento y sonido pierde así su evidencia. El reciente enfoque de Beil sobre la virtualidad (específicamente la percepción cambiante de la realidad impulsada por una creciente virtualización de la vida cotidiana) es una extensión de esta idea. Los ejemplos incluyen Bluff para conjunto, cinta y video en vivo (2015) y composiciones para músicos sin instrumentos, como Key Jack / Jane (2017). Beil deconstruye la situación del concierto clásico a lo largo de su obra mediante la exageración y la duplicación. [1] En salir para entrar (2013), por ejemplo, hace que los músicos suban y bajen del escenario una y otra vez, en tres 'escenarios' diferentes: (1) la parte del escenario donde se sienta el conjunto (en a la derecha, a oscuras), (2) una pequeña parte central del escenario con dos taburetes que funciona como área de grabación, y (3) la pared de proyección que cubre toda la mitad izquierda del escenario. [5] Además, cuestiona (explícitamente o no) la obra de arte como obra maestra al citar obras musicales conocidas en contextos nuevos e inusuales, o al transformar o deconstruir material que es idiomático para un determinado instrumento. [1] "Las citas, para mí, son el material principal", dice Beil sobre su uso de citas. [6] Las citas reconocibles de obras existentes de otros compositores son elementos inspiradores para Beil debido a la carga emocional o las referencias que ya se les atribuyen. Son esas connotaciones las que el compositor utiliza como material: un nuevo significado que puede desvanecerse o aparecer posteriormente al incorporar las citas en nuevos contextos musicales. [7]
Beil pone a disposición sus propias partituras, parches MAX y cintas de forma sencilla y gratuita a través de su sitio web. [8]
Beil creó la mayoría de sus composiciones en estrecha colaboración con los músicos involucrados y trabajó regularmente con el conjunto Mosaic y con Nadar Ensemble. Para Nadar Ensemble compuso tres composiciones de gran escala, que también muestran una fuerte interconexión y evolución entre ellas: e xit to enter (2013), Bluff (2015) y Hide To Show (2021). [9]
En la década de 1990, antes de comenzar a centrarse en el uso del vídeo en sus composiciones, Beil escribió obras de música de cámara y orquestal , principalmente con cinta adhesiva. Aquellas composiciones, que estaban en consonancia con las convenciones habituales de sus géneros, agudizaron al mismo tiempo su interés por las dimensiones visuales de la interpretación concertística. En este sentido, ayudaron a sentar las bases para el trabajo artístico posterior de Beil, que se centra en la interacción entre sonido e imagen. En 1999 integró por primera vez el vídeo pregrabado en el concepto de una composición con Mach Sieben (para piano, vídeo y cinta). [1] En esta obra, a la que el propio Beil se refiere como obra clave, el pianista solista aparece reflejado en una grabación de vídeo, proyectada junto al piano. Al menos: eso parece a primera vista. La grabación, en realidad, se reproduce al revés. Dado que la obra es un palíndromo casi exacto , el vídeo transcurre paralelo a lo que se reproduce en directo. La inversión, sin embargo, hace que los movimientos del pianista en el vídeo parezcan antinaturales y los sonidos que se reproducen toman un curso inverso (desapareciendo de la nada hacia el ataque). El efecto alienante se ve reforzado aún más por un breve texto hablado ("Voll mit Zwergen ist mein Weg"), algunas diferencias cuidadosamente compuestas entre la parte interpretada en vivo y el video pregrabado, y las inevitables pequeñas discrepancias en el tiempo entre las dos partes. [10] La acumulación de sonidos de piano en vivo y su grabación inversa en Mach Sieben recuerda auditivamente al efecto Doppler , un fenómeno sonoro que fascinó a Beil desde una edad temprana. Beil creció cerca del circuito de carreras de Fórmula Uno Hockenheimring en el sur de Alemania. Varios miembros de la familia, incluido su padre, siguieron las carreras allí y llevaron al joven Beil a la pista. [11] El título de la composición Mach Sieben hace referencia al número de Mach . En el breve vídeo documental Like in a Hamster Wheel , Beil habla de su fascinación por el efecto Doppler, los sonidos invertidos y los palíndromos. [6]
Beil ha estado usando video en vivo desde 2006. Por esa época, la tecnología de video y la velocidad de procesamiento de la computadora se volvieron suficientes para grabar fragmentos en vivo durante el concierto y procesarlos con una cantidad mínima de latencia . Esto permitió así proyectar las grabaciones de vídeo inmediatamente después –también en múltiples, invertidas o no– y combinarlas con las mismas imágenes y con otras acciones en vivo. Los conceptos musicales que Beil plasma de esta manera lindan directamente con el teatro musical. [1] ¡Por Branng! (2005), Open Source (2008), Belle Nuit (2009), salir para entrar (2013) y Bluff (2015), Beil también colaboró con el director Thierry Bruehl como parte de este proceso. [8] La realización de tales composiciones también requiere condiciones de producción complejas, acciones muy disciplinadas y una teatralidad hábil por parte de los músicos. Por lo tanto, generalmente se crean en estrecha colaboración con los artistas intérpretes o ejecutantes. [12]
Salir para entrar (2013) es un buen ejemplo de cómo Beil se acerca a los detalles de la interpretación en su música. Beil hace que los músicos de esta composición entren y salgan perpetuamente del centro de atención, donde se graban breves secuencias de acciones musicales. Luego, esas grabaciones se proyectan, en innumerables combinaciones nuevas, en una gran pared junto a los músicos. La interpretación musical real permanece en las sombras todo el tiempo. Beil corta así el vínculo visible entre causa (los movimientos de un músico) y efecto (los sonidos audibles), llamando aún más la atención sobre la conexión esperada entre los dos. [13] Las numerosas repeticiones también se refieren a la realidad diaria del estudio y la práctica de los músicos profesionales. "Cada interpretación musical es una especie de restricción", explica, "porque cada milisegundo deben tocarse las notas correctas. De salir a entrar , esto se hace muy visible a través de la parte del vídeo". [sesenta y cinco]
Una década después, Beil lleva el uso del vídeo en vivo hasta sus últimas consecuencias con la composición de obras con cinta y vídeo en vivo, pero para músicos sin instrumentos, como Key Jack / Jane para pianista sin teclado, banda sonora y vídeo en vivo (2017). , y caravana de cuatro músicos sin instrumento, banda sonora y vídeo en directo (2017). En Key Jack/Jane , el pianista se sienta detrás de una tabla de madera flanqueada por dos pantallas de proyección. Sobre ellos, al igual que en salir para entrar , se proyectan grabaciones en directo del intérprete. Mientras el pianista interpreta una coreografía compleja , la música se realiza íntegramente como una banda sonora, de nuevo utilizando generosamente citas. Esta recombinación de movimiento, imagen y sonido da como resultado una composición en la que el intérprete interpreta a un pianista, por así decirlo, mientras Beil disecciona la imagen clásica del virtuoso del piano y su instrumento. [14]
En Hide To Show para conjunto, cinta y vídeo en vivo (2021), lleva aún más lejos las contradicciones entre la realidad tangible y el mundo virtual. En el escenario se instalan seis pequeñas salas; el público parece mirar dentro del backstage donde los músicos se preparan para la actuación. Tocan algunas notas, se cambian de ropa o bailan al son de la música en sus auriculares . Algunas acciones parecen sueltas y espontáneas, otras están claramente coreografiadas con rigor: indiferencia escenificada destinada a la cámara. Pero no sólo podemos verlo todo. Las pequeñas habitaciones se pueden cerrar con persianas que suben y bajan. Literalmente se esconden para mostrarse. Con las lamas abiertas, el público puede asomarse a las salas. Cerrados ocultan el ir y venir de los músicos. Al mismo tiempo se convierten en una superficie de proyección. Los músicos se esconden detrás de sus trajes, detrás de cortinas y grabaciones de sí mismos, dejando a las personas aún invisibles. Lo que al principio es un movimiento fugaz se resalta en detalle a través de la repetición, la duplicación y la imitación. Un papel especial está reservado para la génesis de un éxito de YouTube y su viaje hacia la hiperrealidad y una parodia del vídeo de In my room de The Beach Boys . En el proceso, resulta cada vez menos claro dónde termina la realidad tangible y comienza la realidad virtual . [15]