Allan McCollum (nacido el 4 de agosto de 1944) es un artista contemporáneo estadounidense que vive y trabaja en la ciudad de Nueva York. En 1975, su obra se incluyó en la Bienal del Whitney y se mudó a la ciudad de Nueva York ese mismo año. A fines de la década de 1970, se hizo especialmente conocido por su serie Surrogate Paintings .
Ha pasado más de cincuenta años explorando cómo los objetos alcanzan un significado público y personal en un mundo atrapado en las contradicciones creadas entre obras de arte únicas hechas a mano y objetos de producción en masa, y a principios de la década de 1990, comenzó a centrarse principalmente en colaboraciones con pequeñas comunidades regionales y museos de sociedades históricas en diferentes partes del mundo. [1] Su primera exposición individual fue en 1970 y su primera muestra en Nueva York fue en una exposición colectiva en la Galería Sidney Janis en 1972. [2]
McCollum nació en el California Hospital de Los Ángeles el 4 de agosto de 1944. En 1946, su familia se mudó a Redondo Beach, California , donde nacieron sus tres hermanos, y donde vivió hasta 1966. Sus padres y muchos otros miembros de su familia eran activos en las artes. Su padre, Warren McCollum, hijo de una actriz de Nueva York y actor infantil, interpretó varios papeles pequeños en el escenario de Broadway y algunos papeles pequeños en películas a fines de la década de 1930 y principios de la de 1940, incluido el papel de Jimmy Lane en el clásico de culto de 1938, Reefer Madness . Siguió activo en grupos de teatro locales durante gran parte de su vida, mientras trabajaba como guardia de seguridad en una corporación de investigación local. La madre de Allan McCollum, Ann Hinton, hija de un profesor de piano y un cartógrafo , también actuó regularmente como actriz y cantante en producciones teatrales locales y como pianista acompañante de un profesor de canto local. El hermano de su madre, Sam Hinton , fue un conocido cantante folk e historiador de la música folk en el sur de California , y el marido de la hermana de su madre fue Jon Gnagy , el popular instructor de arte televisivo que entre 1946 y 1970 tuvo el programa de televisión que se mantuvo en emisión continua durante más tiempo. [3] [4]
En 1964, McCollum se mudó a Essex, Inglaterra , persiguiendo la idea de ser actor, y se unió a un grupo de teatro local en Southend-on-Sea , pero cambió de opinión sobre una carrera en el teatro y regresó a California en 1965, se mudó a un pequeño parque de casas móviles en Venice Beach, California , [5] y asistió a Los Angeles Trade Technical College durante cinco meses, intentando aprender el oficio de administración de restaurantes y trabajo de cocina industrial. Durante dos años, trabajó para Trans World Airlines en el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles , preparando comidas para vuelos pero, en 1967, decidió formarse como artista. Aprendió rápidamente, influenciado inicialmente por la lectura de los escritos de los artistas de Fluxus y los primeros estructuralistas , y encontró un trabajo como conductor de camión y constructor de cajas para una empresa de manipulación de arte en West Hollywood . A través de este trabajo conoció a muchos artistas, comerciantes de arte, coleccionistas de arte y curadores de museos, aprendiendo mucho sobre el mundo del arte contemporáneo. A finales de la década de 1960, McCollum produjo sus primeros trabajos mientras vivía en pequeños locales alquilados, primero en Venice Beach y más tarde en Santa Mónica. En 1970, estableció un estudio en un aparcamiento reformado en Venice Beach, donde vivió y trabajó hasta 1975. Durante estos años, expuso su trabajo regularmente en la Nicholas Wilder Gallery y también en la Claire Copley Gallery , ambas en Los Ángeles. Su trabajo se mostró en varias exposiciones colectivas en museos, incluidas muestras en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles , el Museo de Arte de Pasadena , el Museo de Arte de Long Beach , el Museo de Arte de Santa Bárbara , el Museo de Oakland , el Instituto de Arte de San Francisco , el Museo de Arte de Seattle , el Instituto de Artes de Detroit , el Museo de Arte Krannert y el Museo Whitney de Arte Estadounidense en Nueva York . [6] A finales de 1975, se mudó al distrito SoHo de la ciudad de Nueva York, donde inicialmente trabajó como guardia en el Museo Whitney. [7]
McCollum ha realizado más de 140 exposiciones individuales, incluidas retrospectivas en el Musée d'Art Moderne de Lille, Francia (1998), el Museo Sprengel de Hannover, Alemania (1995-96), la Serpentine Gallery de Londres (1990); el Rooseum Center for Contemporary Art de Malmö, Suecia (1990), el IVAM Centre del Carme de Valencia, España (1990); el Stedelijk Van Abbemuseum de Eindhoven, Países Bajos (1989) y Portikus de Frankfurt, Alemania (1988).
Participó en el Aperto de la Bienal de Venecia en 1988 y 2012. En 2008, McCollum exhibió 1.800 dibujos de su proyecto Dibujos de 1988-91 en la 28ª Bienal de São Paulo en São Paulo, Brasil . Sus obras han sido exhibidas en la Casa Blanca de los Estados Unidos . [8] Ha producido numerosos proyectos de arte público en los Estados Unidos y Europa, y sus obras se conservan en más de noventa colecciones de museos de arte en todo el mundo, incluido el Museo de Arte Moderno y el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, el Museo Whitney de Arte Americano , el Museo Solomon R. Guggenheim , el Instituto de Arte de Chicago , el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y la Galería Nacional de Arte de Washington DC.
La historia familiar de McCollum, sus experiencias y formación trabajando en cocinas industriales y su interés por el teatro y Fluxus, incluido el arte escénico "orientado a la tarea", le ofrecieron una visión única del trabajo y el arte, y los métodos y sistemas de producción en cantidad se mostraron en su obra de arte desde el principio. Es conocido por utilizar los métodos de producción en masa en su trabajo de muchas maneras diferentes, a menudo creando miles de objetos que, aunque se producen en gran cantidad, son únicos. Entre 1988 y 1991, creó más de 30.000 objetos completamente únicos que tituló Obras individuales , que se reunieron y exhibieron en colecciones de más de 10.000. Los objetos se hicieron tomando muchas docenas de moldes de goma de objetos domésticos comunes, como tapas de botellas, recipientes de alimentos y herramientas de cocina, y combinando moldes de yeso de estas partes de miles de formas posibles, sin repetir nunca una combinación. En 1989, utilizó un sistema similar para crear miles de dibujos hechos a mano con lápiz de grafito, utilizando cientos de plantillas de dibujo de plástico que diseñó para este propósito, cada dibujo se hizo único al combinar las plantillas de acuerdo con un protocolo combinatorio que nunca se repetía.
A principios de los años 1990, McCollum amplió sus intereses en la producción en masa para incluir exploraciones sobre las formas en que las comunidades regionales dan significado a los puntos de referencia locales y las rarezas geológicas para establecer la identidad comunitaria, y colaboró con varias pequeñas ciudades y pequeños museos históricos en Europa y Estados Unidos, llamando la atención sobre la forma en que se desarrollan las narrativas locales en torno a objetos peculiares de las regiones geográficas y estableciendo comparaciones con la forma en que las obras de arte desarrollan el significado de manera paralela. A menudo, estos proyectos implicaban reproducir objetos locales en cantidad o crear modelos o copias de artefactos y símbolos locales. En 1995, colaboró con el Museo Prehistórico del College of Eastern Utah en Price, Utah , para hacer réplicas de su colección completa de moldes de huellas de dinosaurios, y las exhibió en Nueva York y Europa. En 1997, colaboró con el Centro Internacional de Investigación y Pruebas de Rayos en Starke, Florida , para provocar rayos con cohetes y trabajó con un fabricante local de recuerdos para crear más de 10,000 réplicas de una fulgurita creada por el impacto de un rayo. En 2000 colaboró con el Museo de los Pioneros de la comunidad desértica del Valle Imperial, California , para reproducir copias de recuerdo y modelos de gran tamaño de su montaña local, Mount Signal , y las singulares concreciones de arena "Sand Spike" que se encuentran en su base. En 2003, creó 120 modelos topográficos de los estados de Missouri y Kansas , que donó y entregó él mismo a 120 pequeños museos de sociedades históricas en ambos estados.
En 2005, McCollum diseñó The Shapes Project , un sistema combinatorio para producir "una forma completamente única para cada persona en el planeta, sin repetir". [9] El sistema implica organizar un vocabulario básico de 300 "partes" que se pueden combinar en más de 30 mil millones de formas diferentes, creadas como " archivos vectoriales " en un programa de dibujo de computadora. McCollum ha utilizado el sistema en colaboración con una biblioteca comunitaria, escolares, artesanos caseros, escritores, arquitectos y otros artistas, ya que las formas se crean para usarse en muchos tipos diferentes de proyectos, y hasta ahora se han producido en forma de impresiones y esculturas, en plexiglás , Corian , madera contrachapada , maderas duras , metales, caucho y tela, en una variedad de tamaños. En 2010, publicó The Book of Shapes , en colaboración con mfc-michèle didier. [10] Este libro completa el Shapes Project . El primer volumen contiene las 300 formas "partes" y el segundo incluye las guías e instrucciones para crear todas las combinaciones posibles con estos componentes. El mismo año, organizó el proyecto Shapes for Hamilton , en el que se realizó una impresión única de Shapes firmada y fechada para cada uno de los más de 6000 residentes del municipio de Hamilton, Nueva York . [11]
Ha recibido una subvención para proyectos especiales de la NEA y una subvención de apoyo individual de la Fundación Adolph y Esther Gottlieb .
McCollum ha colaborado ocasionalmente con otros artistas en la producción de proyectos, entre ellos Louise Lawler (1983, 1984, 1988, 1996), Andrea Fraser (1991), Laurie Simmons (1984), Matt Mullican (2004), Andrea Zittel (2007), Allen Ruppersberg (2008), Pablo Helguera (2014), Astrid Preston y Cynthia Daignault (2016). También ha escrito textos y entrevistado a otros artistas para libros y catálogos, entre ellos Matt Mullican (1979 y 2006) [12] Allen Ruppersberg (1999), [13] Andrea Zittel (2001), [14] Roxy Paine (2002), [15] y Harrell Fletcher (2005). [16]