« Oda a un ruiseñor » es un poema de John Keats escrito en el jardín del Spaniards Inn , Hampstead, Londres o, según el amigo de Keats, Charles Armitage Brown , bajo un ciruelo en el jardín de la casa de Keats en Wentworth Place , también en Hampstead. Según Brown, un ruiseñor había construido su nido cerca de la casa que compartía con Keats en la primavera de 1819. Inspirado por el canto del pájaro, Keats compuso el poema en un día. Pronto se convirtió en una de sus odas de 1819 y se publicó por primera vez en Annals of the Fine Arts el julio siguiente. El poema es uno de los que se incluyen con más frecuencia en antologías en lengua inglesa. [1]
"Oda a un ruiseñor" es un poema personal que describe el viaje de Keats hacia el estado de capacidad negativa . El tono del poema rechaza la búsqueda optimista del placer que se encuentra en los poemas anteriores de Keats y, en cambio, explora los temas de la naturaleza, la fugacidad y la mortalidad, siendo esta última particularmente relevante para Keats.
El ruiseñor descrito experimenta un tipo de muerte, pero en realidad no muere. En cambio, el pájaro cantor es capaz de vivir a través de su canto, que es un destino que los humanos no pueden esperar. El poema termina con la aceptación de que el placer no puede durar y que la muerte es una parte inevitable de la vida. En el poema, Keats imagina la pérdida del mundo físico y se ve a sí mismo muerto, como un " césped " sobre el que canta el ruiseñor. El contraste entre el ruiseñor inmortal y el hombre mortal sentado en su jardín se hace aún más agudo por un esfuerzo de la imaginación. La presencia del clima es notable en el poema, ya que la primavera llegó temprano en 1819, trayendo ruiseñores por todo el páramo . [2]
De las seis odas principales de Keats de 1819, " Oda a la psique " fue probablemente la primera escrita y " Al otoño " la última. En algún momento entre estas dos, escribió "Oda a un ruiseñor". [3] Es posible que "Oda a un ruiseñor" fuera escrita entre el 26 de abril y el 18 de mayo de 1819, basándose en las condiciones climáticas y las similitudes entre las imágenes del poema y las de una carta enviada a Fanny Brawne el Primero de Mayo . El poema fue compuesto en la casa de Hampstead que Keats compartía con Brown, posiblemente mientras estaban sentados debajo de un ciruelo en el jardín. [4] Según Brown, el amigo de Keats, Keats terminó la oda en una sola mañana: "En la primavera de 1819, un ruiseñor había construido su nido cerca de mi casa. Keats sintió una alegría tranquila y continua en su canto; y una mañana se llevó su silla de la mesa del desayuno al césped bajo un ciruelo, donde se sentó durante dos o tres horas. Cuando entró en la casa, me di cuenta de que tenía algunos trozos de papel en la mano, y los estaba colocando silenciosamente detrás de los libros. Al preguntar, descubrí que esos trozos, cuatro o cinco en total, contenían sus sentimientos poéticos sobre el canto del ruiseñor". [5] El relato de Brown es personal, ya que afirmó que el poema fue influenciado directamente por su casa y preservado por su propia acción. Sin embargo, Keats se basó tanto en su propia imaginación como en otra literatura como fuentes para su representación del ruiseñor. [6]
La fecha exacta de la "Oda a un ruiseñor", así como las de la " Oda a la indolencia ", la " Oda a la melancolía " y la " Oda a una urna griega ", es desconocida, ya que Keats fechó todas como "mayo de 1819". Sin embargo, trabajó en los cuatro poemas juntos, y hay una unidad tanto en sus formas de estrofa como en sus temas. El orden exacto en el que se escribieron los poemas también es desconocido, pero forman una secuencia dentro de sus estructuras. Mientras Keats escribía "Oda a una urna griega" y los otros poemas, Brown transcribió copias de los poemas y se los envió a Richard Woodhouse. [7] Durante este tiempo, Benjamin Haydon , amigo de Keats, recibió una copia de "Oda a un ruiseñor", y compartió el poema con el editor de Annals of the Fine Arts , James Elmes. Elmes le pagó a Keats una pequeña suma de dinero y el poema se publicó en la edición de julio. [8] El poema se incluyó más tarde en la colección de poemas de Keats de 1820 Lamia, Isabella, The Eve of St Agnes, and Other Poems . [9]
Según Brown, "Oda a un ruiseñor" fue probablemente la primera de las cuatro odas que escribió Keats después de "Oda a Psique". Esto se evidencia aún más en las estructuras de los poemas. Keats combina experimentalmente dos tipos diferentes de poesía lírica: el himno odal y la lírica de voz interrogativa que responde al himno odal. Esta combinación de estructuras es similar a la de "Oda a una urna griega". En ambos poemas, la forma dual crea un elemento dramático dentro del texto. La forma de estrofa del poema es una combinación de elementos de los sonetos petrarquistas y de los sonetos shakespearianos . [10]
Keats incorpora un patrón de alternancia de sonidos vocálicos históricamente "cortos" y "largos" en su oda. En particular, la línea 18 ("And purple-stained mouth") tiene el patrón histórico de "short" seguido de "long" seguido de "short" y seguido de "long". Esta alternancia continúa en líneas más largas, incluida la línea 31 ("Away! away! for I will fly to thee") que contiene cinco pares de alternancias. Sin embargo, otras líneas, como la línea 3 ("Or vatied some dull opiate to the drains") se basan en un patrón de cinco vocales "cortas" seguidas de pares de vocales "largas" y "cortas" hasta que terminan con una vocal "larga". Estos no son los únicos patrones de combinación presentes, y hay patrones de dos vocales "cortas" seguidas de una vocal "larga" en otras líneas, incluidas la 12, la 22 y la 59, que se repiten dos veces y luego son seguidas por dos conjuntos de pares de vocales "cortas" y "largas". Esta dependencia de los sonidos vocálicos no es exclusiva de esta oda, sino que es común a otras odas de Keats de 1819 y a su Víspera de Santa Inés . [11]
El poema incorpora una dependencia compleja de la asonancia —la repetición de sonidos vocálicos— en un patrón consciente, como se encuentra en muchos de sus poemas. Tal dependencia de la asonancia se encuentra en muy pocos poemas ingleses . Dentro de "Oda a un ruiseñor", un ejemplo de este patrón se puede encontrar en la línea 35 ("¡Ya contigo! tierna es la noche"), donde la "ea" de "Ya" se conecta con la "e" de "tierno" y la "i" de "con" se conecta con la "i" de "es". Este mismo patrón se encuentra nuevamente en la línea 41 ("No puedo ver qué flores hay a mis pies") con la "a" de "no puedo" uniéndose con la "a" de "at" y la "ee" de "see" uniéndose con la "ee" de "feet". Este sistema de asonancia se puede encontrar en aproximadamente una décima parte de las líneas de la poesía posterior de Keats. [12]
En lo que respecta a otros patrones de sonido, Keats se basa en cesuras dobles o triples en aproximadamente el 6% de las líneas a lo largo de las odas de 1819. Un ejemplo de "Oda a un ruiseñor" se puede encontrar dentro de la línea 45 ("La hierba, la espesura y el árbol frutal silvestre") ya que las pausas después de las comas son una pausa "masculina". Además, Keats comenzó a reducir la cantidad de palabras y sintaxis basadas en el latín en las que se basaba en su poesía, lo que a su vez acortó la longitud de las palabras que dominan el poema. También hay un énfasis en las palabras que comienzan con consonantes , especialmente aquellas que comienzan con "b", "p" o "v". La primera estrofa se basa en gran medida en estas tres consonantes, y se utilizan como sicigia para agregar un tono musical dentro del poema. [13]
En comparación con sus primeros versos, los espondeos son relativamente abundantes en sus odas de 1819 y otros poemas tardíos. En "Oda a un ruiseñor" se utilizan en poco más del 8% de sus versos (en comparación con un mero 2,6% en Endymion ). Algunos ejemplos incluyen: [14]
/ × / / × × / / × /Enfriado durante mucho tiempo en las profundidades de la tierra (línea 12) × / × / × / / / / /Donde la parálisis sacude unas cuantas, tristes, últimas, canas (verso 25)
Para Walter Jackson Bate , el uso de espondeos en los versos 31-34 crea una sensación de vuelo lento, y "en la estrofa final... el uso distintivo de espondeos dispersos, junto con la inversión inicial, proporciona una sugerencia fonética aproximada del peculiar resorte y rebote del pájaro en su vuelo". [15]
Las estrofas primera y sexta ejemplifican la yuxtaposición de éxtasis y morbosidad en el poema:
Me duele el corazón y un entumecimiento soñoliento
me aflige los sentidos, como si hubiera bebido cicuta
o hubiera vaciado algún opio sordo en los desagües
un minuto después y me hubiera hundido en el Leteo:
no es por envidia de tu feliz suerte,
sino por ser demasiado feliz en tu felicidad,
que tú, dríada de alas ligeras de los árboles,
en alguna trama melodiosa
de verde haya y sombras innumerables,
cantas el verano a pleno pulmón.
...
Oscurecedoramente escucho; y, durante muchas veces
he estado medio enamorado de la tranquila Muerte,
la he llamado con nombres suaves en muchas rimas meditadas,
para llevar al aire mi aliento tranquilo;
ahora más que nunca me parece rico morir,
cesar en la medianoche sin dolor,
mientras derramas tu alma
en tal éxtasis.
Aún quieres cantar, y yo tengo oídos en vano;
para tu alto réquiem me convierto en un césped. [16]— Estrofas 1 y 6 (líneas 1-10, 51-60)
"Oda a un ruiseñor" describe una serie de conflictos entre la realidad y el ideal romántico de unión con la naturaleza. En palabras de Richard Fogle, "el énfasis principal del poema es una lucha entre lo ideal y lo real: términos inclusivos que, sin embargo, contienen antítesis más particulares de placer y dolor, de imaginación y razón de sentido común, de plenitud y privación, de permanencia y cambio, de naturaleza y lo humano, de arte y vida, libertad y esclavitud, vigilia y sueño". [17] Por supuesto, el canto del ruiseñor es la imagen dominante y la "voz" dominante dentro de la oda. El ruiseñor también es objeto de empatía y alabanza dentro del poema. Sin embargo, el ruiseñor y la discusión sobre el ruiseñor no se refieren simplemente al pájaro o a la canción, sino a la experiencia humana en general. Esto no quiere decir que la canción sea una simple metáfora , sino que es una imagen compleja que se forma a través de la interacción de las voces conflictivas de alabanza y cuestionamiento. [18] Sobre este tema, David Perkins resume la forma en que "Oda a un ruiseñor" y "Oda a una urna griega" lo hacen cuando dice: "estamos tratando con un talento, de hecho con un enfoque completo de la poesía, en el que el símbolo , por necesario que sea, posiblemente no satisfaga como la preocupación principal de la poesía, como tampoco podría hacerlo con Shakespeare, sino que es más bien un elemento en la poesía y el drama de las reacciones humanas". [19] Sin embargo, existe una diferencia entre una urna y un ruiseñor en que el ruiseñor no es una entidad eterna. Además, al crear cualquier aspecto del ruiseñor inmortal durante el poema, el narrador separa cualquier unión que pueda tener con el ruiseñor. [20]
El canto del ruiseñor en el poema está conectado con el arte de la música de la misma manera que la urna en "Oda a una urna griega" está conectada con el arte de la escultura. Como tal, el ruiseñor representaría una presencia encantadora y, a diferencia de la urna, está conectado directamente con la naturaleza. Como música natural, el canto es para la belleza y carece de un mensaje de verdad. Keats sigue la creencia de Coleridge, como se encuentra en "El ruiseñor", de separarse del mundo perdiéndose en el canto del pájaro. Aunque Keats prefiere un ruiseñor hembra sobre el pájaro masculino de Coleridge, ambos rechazan la representación tradicional del ruiseñor como relacionado con la tragedia de Filomela. [21] Su pájaro cantor es un ruiseñor feliz que carece de la sensación melancólica de las representaciones poéticas anteriores. [22] El pájaro es solo una voz dentro del poema, pero es una voz que obliga al narrador a unirse y olvidar las penas del mundo. Sin embargo, existe tensión en el sentido de que el narrador considera que Keats es culpable por la muerte de Tom Keats, su hermano. La conclusión de la canción representa el resultado de intentar escapar al reino de la fantasía. [23]
Al igual que en " To a Skylark " de Percy Bysshe Shelley , el narrador de Keats escucha el canto de un pájaro, pero escuchar el canto de "Oda a un ruiseñor" es casi doloroso y similar a la muerte. El narrador busca estar con el ruiseñor y abandona su sentido de la vista para abrazar el sonido en un intento de compartir la oscuridad con el pájaro. Cuando el poema termina, el trance causado por el ruiseñor se rompe y el narrador se queda preguntándose si fue una visión real o solo un sueño. [24] La dependencia del poema en el proceso de dormir es común a los poemas de Keats, y "Oda a un ruiseñor" comparte muchos de los mismos temas que Sueño y poesía y Víspera de Santa Inés de Keats . Esto separa aún más la imagen del canto del ruiseñor de su imagen comparativa más cercana, la urna representada en "Oda a una urna griega". El ruiseñor es distante y misterioso, e incluso desaparece al final del poema. La imagen del sueño enfatiza la oscuridad y el carácter elusivo del poema. Estos elementos hacen imposible que haya una autoidentificación completa con el ruiseñor, pero también permiten que la autoconciencia impregne todo el poema, aunque en un estado alterado. [25]
A mitad del poema, hay una división entre las dos acciones del poema: la primera intenta identificarse con el ruiseñor y su canto, y la segunda analiza la convergencia del pasado con el futuro mientras se experimenta el presente. Este segundo tema recuerda la visión de Keats de la progresión humana a través de la Mansión de Muchos Apartamentos y cómo el hombre evoluciona desde experimentar y desear solo placer hasta comprender la verdad como una mezcla de placer y dolor. Los campos Elíseos y el canto del ruiseñor en la primera mitad del poema representan los momentos placenteros que abruman al individuo como una droga. Sin embargo, la experiencia no dura para siempre, y el cuerpo se queda deseándola hasta que el narrador se siente impotente sin el placer. En lugar de abrazar la verdad venidera, el narrador se aferra a la poesía para esconderse de la pérdida del placer. La poesía no produce el placer que el narrador originalmente pide, pero lo libera de su deseo de solo placer. [26]
En respuesta a este énfasis en el placer, Albert Guerard, Jr. sostiene que el poema contiene un "anhelo no por el arte sino por una ensoñación libre de cualquier tipo. La forma del poema es la de la progresión por asociación, de modo que el movimiento del sentimiento está a merced de palabras evocadas por casualidad, palabras como desvanecerse y desamparado , las mismas palabras que, como una campana, hacen sonar al soñador para que vuelva a su único yo". [27] Sin embargo, Fogle señala que los términos que Guerard enfatiza son "traducciones asociativas" y que Guerard malinterpreta la estética de Keats . [28] Después de todo, la aceptación de la pérdida del placer al final del poema es una aceptación de la vida y, a su vez, de la muerte. La muerte fue un tema constante que impregnó aspectos de la poesía de Keats porque estuvo expuesto a la muerte de los miembros de su familia a lo largo de su vida. [29] Dentro del poema, hay muchas imágenes de muerte. El ruiseñor experimenta una especie de muerte, e incluso el dios Apolo experimenta la muerte, pero su muerte revela su propio estado divino. Como explica Perkins: "Pero, por supuesto, no se piensa que el ruiseñor esté literalmente muriendo. La cuestión es que la deidad o el ruiseñor pueden cantar sin morir. Pero, como deja claro la oda, el hombre no puede hacerlo, o al menos no de una manera visionaria". [30]
Con este tema de pérdida de placer y muerte inevitable, el poema, según Claude Finney, describe "la insuficiencia del escape romántico del mundo de la realidad al mundo de la belleza ideal". [31] Earl Wasserman esencialmente está de acuerdo con Finney, pero extendió su resumen del poema para incorporar los temas de La mansión de muchos apartamentos de Keats cuando dice, "el núcleo del poema es la búsqueda del misterio, la búsqueda infructuosa de la luz dentro de su oscuridad" y esto "sólo conduce a una oscuridad creciente, o un reconocimiento creciente de cuán impenetrable es el misterio para los mortales". [32] Con estos puntos de vista en mente, el poema recuerda la visión anterior de Keats del placer y una visión optimista de la poesía que se encuentra en sus poemas anteriores, especialmente Sueño y poesía , y los rechaza. [33] Esta pérdida de placer y la incorporación de imágenes de la muerte le dan al poema un aire oscuro, que conecta "Oda a un ruiseñor" con otros poemas de Keats que tratan la naturaleza demoníaca de la imaginación poética, incluyendo Lamia . [34] En el poema, Keats imagina la pérdida del mundo físico y se ve a sí mismo muerto (usa una palabra abrupta, casi brutal para ello) como un "césped" sobre el que canta el ruiseñor. El contraste entre el ruiseñor inmortal y el hombre mortal, sentado en su jardín, se hace aún más agudo por un esfuerzo de la imaginación. [35]
Los críticos contemporáneos de Keats disfrutaron del poema, y fue citado profusamente en sus reseñas. [36] Una reseña anónima de la poesía de Keats que se publicó en la revista Scots Magazine de agosto y octubre de 1820 decía: "Entre los poemas menores, preferimos la 'Oda al ruiseñor'. De hecho, nos inclinamos a preferirla por encima de cualquier otro poema del libro; pero dejemos que el lector juzgue. Las estrofas tercera y séptima tienen un encanto para nosotros que nos resultaría difícil explicar. Hemos leído esta oda una y otra vez, y cada vez con mayor deleite". [37] Al mismo tiempo, Leigh Hunt escribió una reseña del poema de Keats para The Indicator del 2 y 9 de agosto de 1820 : "Como muestra de los poemas, que son todos líricos, debemos permitirnos citar entera la 'Oda a un ruiseñor'. Hay en ella esa mezcla de melancolía real y alivio imaginativo, que sólo la poesía nos presenta en su 'copa encantada', y que algunos críticos hiperracionales se han propuesto encontrar errónea porque no es verdadera. No se sigue de ello que lo que no es verdad para ellos, no lo sea para otros. Si el alivio es real, la mezcla es buena y suficiente". [38]
John Scott , en una reseña anónima para la edición de septiembre de 1820 de The London Magazine , defendió la grandeza de la poesía de Keats, ejemplificada por poemas como "Oda a un ruiseñor":
La injusticia que se ha cometido con las obras de nuestro autor, al estimar su mérito poético, nos ha hecho doblemente ansiosos, al abrir su último volumen, de encontrar que probablemente se apoderaría rápidamente de la simpatía general y, de ese modo, ejercería un poder abrumador contra los mezquinos detractores del talento, más eminentemente prometedor en muchos aspectos que cualquier otro que la época actual haya sido llamada a fomentar. No hemos encontrado que fuera todo lo que deseábamos en este sentido, y habría sido muy extraordinario si así fuera, porque nuestros deseos iban mucho más allá de las expectativas razonables. Pero hemos encontrado que es una forma de presentar al entendimiento común el poder poético con que está dotada la mente del autor, en una forma más tangible e inteligible que aquella en que ha aparecido en cualquiera de sus composiciones anteriores. Por lo tanto, está calculado para arrojar vergüenza sobre el espíritu mentiroso y vulgar en el que se ha criticado a este joven adorador en el templo de las Musas, cualesquiera que sean las cuestiones que aún puedan quedar por resolver en cuanto al tipo y grado de sus méritos poéticos. Tomemos, por ejemplo, como prueba de la justicia de nuestro elogio, el siguiente pasaje de una Oda al ruiseñor: es distinto, noble, patético y verdadero: los pensamientos tienen todos los acordes de comunicación directa con corazones constituidos naturalmente: los ecos de la melodía persisten en las profundidades de los pechos humanos. [39]
En una reseña para el London Journal del 21 de enero de 1835 , Hunt afirmó que, mientras Keats escribía el poema, "el poeta tenía sobre sí su enfermedad mortal y lo sabía. Nunca fue más dulce la voz de la muerte". [40] David Moir, en 1851, utilizó La víspera de Santa Inés para afirmar: "Tenemos aquí un ejemplo de poder descriptivo lujosamente rico y original; pero los siguientes versos, de la 'Oda a un ruiseñor', fluyen de una fuente de inspiración mucho más profunda". [41]
A finales del siglo XIX, el análisis del poema realizado por Robert Bridges se convirtió en una opinión dominante e influyó en las interpretaciones posteriores del poema. Bridges, en 1895, declaró que el poema era la mejor de las odas de Keats, pero pensó que contenía demasiado lenguaje artificial. En particular, destacó el uso de la palabra "desconsolado" y la última estrofa como ejemplos del lenguaje artificial de Keats. [42] En "Two odes of Keats's" (1897), William C Wilkinson sugirió que "Oda a un ruiseñor" tiene graves defectos porque contiene demasiadas "reflexiones incoherentes" que no logran proporcionar un estándar de lógica que permita al lector comprender la relación entre el poeta y el pájaro. [43] Sin embargo, Herbert Grierson , argumentando en 1928, creía que Nightingale era superior a "Oda a una urna griega", "Oda a la melancolía" y "Oda a la psique", argumentando exactamente lo contrario de Wilkinson cuando afirmó que "Nightingale", junto con "To Autumn", mostraban una mayor cantidad de pensamiento lógico y presentaban de manera más adecuada los casos que pretendían presentar. [44]
A principios del siglo XX, Rudyard Kipling se refirió a los versos 69 y 70, junto a tres versos de Kubla Khan de Samuel Taylor Coleridge , cuando afirmó sobre la poesía: "En todos los millones permitidos no hay más de cinco —cinco versos pequeños— de los que uno pueda decir: 'Éstos son la magia. Éstos son la visión. El resto es sólo poesía'". [45] En 1906, Alexander Mackie argumentó: "El ruiseñor y la alondra monopolizaron durante mucho tiempo la idolatría poética, un privilegio del que disfrutaron únicamente debido a su preeminencia como pájaros cantores. La Oda a un ruiseñor de Keats y la Oda a una alondra de Shelley son dos de las glorias de la literatura inglesa; pero ambas fueron escritas por hombres que no tenían ningún derecho a un conocimiento especial o exacto de la ornitología como tal". [46] Sidney Colvin, en 1920, argumentó: "A lo largo de esta oda, el genio de Keats está en su apogeo. La imaginación no puede ser más rica y satisfactoria, la felicidad de la frase y la cadencia no pueden ser más absolutas que en las diversas estrofas contrastantes que exigen el borrador de la cosecha sureña [...] Elogiar el arte de un pasaje como el de la cuarta estrofa [...] elogiar o comentar un golpe de arte como este es poner en duda la capacidad del lector para percibirlo por sí mismo". [47]
La visión de Bridges de la "Oda a un ruiseñor" fue retomada por HW Garrod en su análisis de los poemas de Keats en 1926. Como Albert Gerard argumentaría más tarde en 1944, Garrod creía que el problema dentro del poema de Keats era su énfasis en el ritmo y el lenguaje en lugar de las ideas principales del poema. [36] Al describir la cuarta estrofa del poema, Maurice Ridley, en 1933, afirmó: "Y así viene la estrofa, con esa notable pieza de imaginación al final que siente la luz como si soplara la brisa, uno de esos destellos repentinos característicos con los que Keats enciende el material más ordinario". [48] Más tarde declaró sobre la séptima estrofa: "Y ahora, la gran estrofa en la que la imaginación se aviva hasta alcanzar un calor aún más blanco, la estrofa que, supongo, por consenso común, junto con Kubla Khan , se consideraría como la que nos ofrece las hechicerías destiladas del 'romanticismo'". [49] Concluyó sobre la estrofa que "no creo que ningún lector que haya visto a Keats trabajando en la más exquisitamente terminada de las estrofas de La víspera de Santa Inés , y haya visto a este artesano elaborar y refinar lentamente, crea alguna vez que esta estrofa perfecta se logró con la fluidez fácil con la que, en el borrador que tenemos, obviamente fue escrita". [50] En 1936, FR Leavis escribió: "Uno recuerda el poema tanto como registro, como siendo para el lector, una indulgencia". [51] Siguiendo a Leavis, Cleanth Brooks y Robert Penn Warren, en un ensayo de 1938, vieron el poema como "un poema muy rico. Contiene algunas complicaciones que no debemos pasar por alto si queremos apreciar la profundidad y el significado de los temas abordados". [52] Brooks argumentaría más tarde en The Well-Wrought Urn (1947) que el poema estaba temáticamente unificado mientras contradecía muchas de las críticas negativas presentadas contra el poema. [53]
Richard Fogle respondió al ataque crítico que Garrod, Gerard y otros hicieron al énfasis de Keats en la rima y el lenguaje en 1953. Su argumento era similar al de Brooks: que el poema era temáticamente coherente y que hay un poeta dentro del poema que es diferente de Keats, el escritor del poema. Como tal, Keats eligió conscientemente el cambio en los temas del poema y los contrastes dentro del poema representan el dolor que se siente al comparar el mundo real con un mundo ideal que se encuentra dentro de la imaginación. [53] Fogle también respondió directamente a las afirmaciones hechas por Leavis: "Encuentro al Sr. Leavis demasiado austero, pero señala una cualidad que Keats claramente buscaba. Su profusión y prodigalidad, sin embargo, se modifica por un principio de sobriedad". [54] Es posible que las declaraciones de Fogle fueran una defensa del Romanticismo como un grupo que era respetable en términos de pensamiento y habilidad poética. [55] Wasserman, en 1953, afirmó que «de todos los poemas de Keats, es probablemente la Oda a un ruiseñor la que más ha atormentado al crítico [...] en cualquier lectura de la Oda a un ruiseñor la agitación no se calma. Las fuerzas luchan salvajemente dentro del poema, no sólo sin resolución, sino sin posibilidad de resolución; y el lector sale de su experiencia con la sensación de haber estado en un «abismo salvaje»». [56] Luego explicó: «Es esta turbulencia, sospecho, la que ha llevado a Allen Tate a creer que la oda «al menos intenta decir todo lo que la poesía puede decir». Pero propongo que es la Oda a una urna griega la que logra decir lo que la poesía puede decir, y que la otra oda intenta decir todo lo que el poeta puede decir». [56]
Aunque el poema fue defendido por algunos críticos, EC Pettet volvió al argumento de que el poema carecía de estructura y enfatizó la palabra "desconsolado" como evidencia de su punto de vista. [57] En su trabajo de 1957, Pettet elogió el poema al declarar: "La Oda a un ruiseñor tiene un interés especial en que la mayoría de nosotros probablemente lo consideraríamos como el más ricamente representativo de todos los poemas de Keats. Dos razones para esta calidad son inmediatamente evidentes: está su evocación incomparable de esa temporada de finales de primavera y principios de verano [...] y está su excepcional grado de 'destilación', de recuerdo concentrado". [58] David Perkins sintió la necesidad de defender el uso de la palabra "desconsolado" y afirmó que describía el sentimiento de la imposibilidad de no poder vivir en el mundo de la imaginación. [57] Al elogiar el poema en 1959, Perkins afirmó: "Aunque la "Oda a un ruiseñor" tiene un alcance más amplio que la "Oda a una urna griega", el poema también puede considerarse como la exploración o prueba de un símbolo y, comparado con la urna como símbolo, el ruiseñor parecería tener tanto limitaciones como ventajas". [59] Walter Jackson Bate también hizo una defensa similar de la palabra "desconsolado" al afirmar que el mundo se describe describiendo la imposibilidad de llegar a esa tierra. [57] Al describir el poema en comparación con el resto de la poesía inglesa, Bate argumentó en 1963 que "Oda a un ruiseñor" está entre "las mejores letras en inglés" y la única escrita con tanta velocidad: "Somos libres de dudar de si algún poema en inglés de longitud y calidad comparables ha sido compuesto tan rápidamente". [60] En 1968, Robert Gittins afirmó: "Puede que no sea erróneo considerar [ Oda a la indolencia y Oda a la melancolía ] como los primeros ensayos de Keats en esta forma [de oda], y el gran Ruiseñor y Urna griega como sus obras más acabadas y posteriores". [61]
Desde finales de los años 1960 en adelante, muchos de los críticos de la Escuela de Yale describen el poema como una reelaboración de la dicción poética de John Milton, pero, según ellos, ese poema revelaba que Keats carecía de la capacidad de Milton como poeta. Los críticos, Harold Bloom (1965), Leslie Brisman (1973), Paul Fry (1980), John Hollander (1981) y Cynthia Chase (1985), se centraron todos en el poema con Milton como progenitor de "Oda a un ruiseñor", mientras que ignoraron otras posibilidades, incluido Shakespeare, a quien se destacó como la fuente de muchas de las frases de Keats. En respuesta a las afirmaciones sobre las deficiencias de Milton y Keats, críticos como RS White (1981) y Willard Spiegelman (1983) utilizaron los ecos shakespearianos para argumentar que el poema tenía múltiples fuentes y afirmar que Keats no estaba tratando de responder sólo a Milton o escapar de su sombra. En cambio, "Oda a un ruiseñor" era un poema original, [62] como White afirmó, "El poema está ricamente saturado de Shakespeare, pero las asimilaciones son tan profundas que la Oda es finalmente original y completamente keatsiana". [63] De manera similar, Spiegelman afirmó que El sueño de una noche de verano de Shakespeare había "condimentado y madurado el poema posterior". [64] A esto le siguió en 1986 Jonathan Bate, quien afirmó que Keats "quedó enriquecido por la voz de Shakespeare, el 'pájaro inmortal'". [65]
Centrándose en la calidad del poema, Stuart Sperry, argumentó en 1973, "'Oda a un ruiseñor' es la expresión suprema en toda la poesía de Keats del impulso de escape imaginativo que va en contra del conocimiento de la limitación humana, el impulso plenamente expresado en '¡Lejos! ¡Lejos! porque volaré hacia ti'". [66] Wolf Hirst, en 1981, describió el poema como "justamente celebrado" y afirmó que "dado que este movimiento hacia un reino eterno de canción es uno de los más magníficos de la literatura, el regreso del poeta a la actualidad es aún más demoledor". [67] Helen Vendler continuó con la opinión anterior de que el poema era artificial, pero agregó que el poema era un intento de ser estético y espontáneo que luego se abandonó. [68] En 1983, ella argumentó: "En su ausencia de conclusividad y su abandono a la ensoñación, el poema atrae a los lectores que lo aprecian como la más personal, la más aparentemente espontánea, la más inmediatamente hermosa y la más confesional de las odas de Keats. Creo que los 'eventos' de la oda, tal como se desarrollan en el tiempo, tienen más lógica, sin embargo, de la que se les suele conceder, y que se los ve mejor en relación con la búsqueda de Keats de la idea de la música como un arte no representativo". [69]
En una reseña de la crítica contemporánea de "Oda a un ruiseñor" en 1998, James O'Rouke afirmó que "a juzgar por el volumen, la variedad y la fuerza polémica de las respuestas críticas modernas engendradas, ha habido pocos momentos en la historia poética inglesa tan desconcertantes como la repetición de Keats de la palabra 'desconsolado'". [42] Al referirse a la dependencia de las ideas de John Dryden y William Hazlitt dentro del poema, el poeta laureado Andrew Motion , en 1999, argumentó "cuya noción de poesía como un 'movimiento' de la conciencia personal a una conciencia del sufrimiento de la humanidad ilustra perfectamente". [6]
Las versiones de la oda comenzaron a aparecer a finales del siglo XIX. La primera comprendía solo la segunda mitad de la octava estrofa, que empezaba con «¡Adiós, adiós! El himno lastimero se desvanece». Esta versión se incluyó en la cantata El cisne y la alondra de Arthur Goring Thomas , orquestada después del suicidio del compositor por Charles Villiers Stanford y estrenada en 1894. [70]
La extensión del poema de Keats se prestó a un tratamiento coral más ambicioso por parte de compositores posteriores, incluida la versión para barítono, coro y orquesta de Richard Henry Walthew (1897), [71] y la de Ernest Walker , publicada en 1908 e interpretada al año siguiente. [72] Más tarde, en el siglo XX, llegó la cantata para soprano, piano y orquesta de cámara de Valentyn Silvestrov , una versión de 1973 en tres movimientos de una traducción rusa de Yevgeny Vitkovsky (1950-2020); [73] y en el siglo XXI, la Sinfonía Coral 4 de Will Todd para coro y orquesta fue encargada por el Hertfordshire Chorus y se interpretó por primera vez en 2011. [74] [75]
La oda también fue puesta como canción de arte por compositores británicos como Cecil Forsyth , para barítono y piano o pequeña orquesta (publicada en 1894); [76] Hamilton Harty , para soprano y orquesta, interpretada por primera vez en 1907; [77] [78] y Eric Fogg , para barítono, cuarteto de cuerdas y arpa, interpretada por primera vez en 1926. [79] También ha habido versiones americanas, como la de George Antheil para flauta, viola y piano para acompañar una recitación del poema (1950), [80] así como otras de Reginald Chauncey Robbins (1871-1955), para bajo o barítono y piano (publicada en 1922), [81] y de Stephen Douglas Burton para soprano coloratura, flauta, arpa y cuerdas (publicada en 1963). [82]
Más recientemente, Geoffrey Gordon publicó una versión para coro de cámara y violonchelo solista en 2017; [83] [84] Ben Moore siguió en 2018 con una obra especialmente encargada para barítono y piano, [85] [86] y hubo una interpretación australiana de la versión de Michael Dooley para soprano en 2020. [87]
