Retrato de una dama (o Retrato de una mujer ) es una pequeña pintura al óleo sobre tabla de roble ejecutada hacia 1460 por el pintor holandés Rogier van der Weyden . La composición se construye a partir de las formas geométricas que forman las líneas del velo , escote, rostro y brazos de la mujer, y por la caída de la luz que ilumina su rostro y tocado. Los vívidos contrastes de oscuridad y luz realzan la belleza casi antinatural y la elegancia gótica del modelo.
Van der Weyden estuvo preocupado por los retratos por encargo hacia el final de su vida [1] y fue muy apreciado por las generaciones posteriores de pintores por sus penetrantes evocaciones del carácter. En esta obra, la humildad y el comportamiento reservado de la mujer se transmiten a través de su físico frágil, sus ojos bajos y sus dedos fuertemente agarrados. [2] Es esbelta y representada según el ideal gótico de rasgos alargados, indicados por sus hombros estrechos, su cabello bien recogido, su frente alta y el elaborado marco fijado por el tocado. Es el único retrato conocido de una mujer aceptado como obra autógrafa por van der Weyden, [1] sin embargo, el nombre del modelo no está registrado y él no tituló la obra.
Aunque van der Weyden no se adhirió a las convenciones de la idealización, generalmente buscaba halagar a sus modelos. Representaba a sus modelos con ropa muy de moda, a menudo con rasgos faciales redondeados, casi esculpidos, algunos de los cuales se desviaban de la representación natural. Adaptó su propia estética y sus retratos de mujeres a menudo guardan un parecido sorprendente entre sí. [3]
La pintura ha estado en la Galería Nacional de Arte en Washington, DC desde su donación en 1937, y no es. 34 en el catálogo razonado de Vos del artista. Ha sido descrito como "famoso entre todos los retratos de mujeres de todas las escuelas". [4]
La mujer, que probablemente tenga entre 20 y 20 años, se muestra de medio cuerpo y de perfil tres cuartos, sobre un fondo interior bidimensional de color azul verdoso intenso. El fondo es plano y carece de la atención al detalle común en las obras devocionales de van der Weyden. Al igual que su contemporáneo Jan van Eyck (c. 1395 – 1441), cuando trabajaba en retratos, utilizaba planos oscuros para centrar la atención en el modelo. [5] No fue hasta Hans Memling (c. 1435-1494), alumno de van der Weyden, que un artista holandés puso un retrato contra un exterior o un paisaje. [6] En esta obra, el entorno plano permite al espectador fijarse en el rostro de la mujer y en su tranquilo dominio de sí misma. [2] Van der Weyden reduce su atención a cuatro rasgos básicos: el tocado, el vestido, el rostro y las manos de la mujer. El fondo se ha oscurecido con la edad; Es probable que los ángulos creados por el vestido y el vestido de la modelo alguna vez fueran mucho más nítidos.
La mujer lleva un elegante vestido negro escotado con bandas de pelo oscuro en el cuello y las muñecas. [1] [8] Su ropa es del estilo borgoñón entonces de moda , que enfatiza la estética alta y delgada del ideal gótico . [nota 1] Su vestido está abrochado por una faja roja brillante colocada debajo de sus senos. El tocado hennin de color beige está cubierto con un gran velo transparente que se extiende sobre sus hombros y llega hasta la parte superior de sus brazos. La atención de Van der Weyden a la estructura de la ropa (el cuidadoso detalle de los alfileres introducidos en el velo para fijar su posición) es típico del artista. [9]
El velo de la mujer forma un diamante, equilibrado por el flujo inverso de un chaleco ligero que se lleva debajo de su vestido. Se la muestra en un ligero ángulo, pero su pose se centra en las amplias líneas entrelazadas de los brazos, el escote y el velo. [1] La cabeza de la mujer está delicadamente iluminada, sin dejar fuertes contrastes tonales en su piel. Tiene una cara larga y delgada, cejas y párpados depilados y una línea de cabello depilada para crear una frente alta a la moda. [nota 2] Su cabello está firmemente sujeto hacia atrás en el borde del sombrero y descansa sobre su oreja. Su tocado alto y su marcada línea de cabello acentúan su rostro alargado, dándole una apariencia esculpida. [3]
La oreja izquierda de la mujer está colocada, según el historiador de arte Norbert Schneider, anormalmente alta y muy atrás, paralela a sus ojos en lugar de a su nariz; Esta posición es probablemente un recurso artístico utilizado para continuar el flujo de la línea diagonal del ala interior derecha del velo. En el siglo XV, los velos se usaban normalmente por modestia, para ocultar la sensualidad de la carne. En esta obra el velo tiene el efecto contrario; El rostro de la mujer está enmarcado por el tocado para llamar la atención sobre su belleza. [10]
Las manos de la mujer están cruzadas fuertemente como si estuviera orando, y colocadas tan abajo en la pintura que parecen estar apoyadas en el marco. [11] Se presentan comprimidos firmemente en un área pequeña de la imagen; Es probable que Van der Weyden no quisiera que resultaran en un área de tono alto que pudiera distraer la atención de la descripción de su cabeza. [12] Sus dedos delgados están minuciosamente detallados; van der Weyden a menudo indicaba la posición social de sus modelos a través de la representación de sus rostros y manos. La manga de su vestido se extiende más allá de sus muñecas. Sus dedos están doblados en capas; su intrincada representación es el elemento más detallado de la pintura, [10] y hace eco de la forma piramidal de la parte superior de la pintura. [12]
Sus ojos miran hacia abajo con humildad, en contraste con su ropa relativamente extravagante. La piedad de su expresión se logra a través de motivos comunes a la obra de van der Weyden. Sus ojos y nariz son alargados y su labio inferior se vuelve más lleno mediante el uso de tono y acabado pronunciado. Se enfatizan algunas líneas verticales alrededor de estos rasgos, mientras que sus pupilas están agrandadas y sus cejas ligeramente levantadas. Además, los contornos de su rostro se resaltan de una manera ligeramente antinatural y abstracta, [12] y fuera de las limitaciones espaciales habituales de la representación humana del siglo XV. [13] Esta metodología fue descrita por el historiador de arte Erwin Panofsky : "Rogier se concentró en ciertas características destacadas, tanto desde un punto de vista fisionómico como psicológico, que expresó principalmente mediante líneas". [14] Su frente alta y su boca carnosa han sido vistas como sugestivas de una naturaleza a la vez intelectual, ascética y apasionada, símbolo de "un conflicto no resuelto en su personalidad". [15] Panofsky se refiere a una "excitabilidad latente". [dieciséis]
Se desconoce la modelo, aunque algunos historiadores del arte han especulado sobre su identidad. Sobre la base de la similitud de los rasgos faciales, el escritor Wilhelm Stein sugirió a principios del siglo XX que podría ser María de Valengin, [17] la hija ilegítima de Felipe el Bueno de Borgoña . [nota 3] Sin embargo, esta es una afirmación polémica y no ampliamente aceptada. [11] Debido a que sus manos se muestran apoyadas en el marco inferior de la pintura, los historiadores del arte generalmente aceptan que se trataba de un retrato independiente, más que de una obra devocional. Es posible que estuviera destinado a ser un colgante de una imagen del marido de la mujer, sin embargo, no se ha sugerido ningún otro retrato como posible compañero. [11]
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Van der Weyden trabajó en la misma tradición de retratos que sus contemporáneos Jan van Eyck [nota 4] y Robert Campin . [nota 5] Desde principios hasta mediados del siglo XV, estos tres artistas estaban entre la primera generación de pintores del " Renacimiento del Norte " y los primeros europeos del norte en retratar a miembros de las clases media y alta de forma naturalista en lugar de en una forma idealizada cristiana medieval. . En el arte holandés anterior, la vista de perfil era el modo dominante de representación de los nobles o el clero digno de un retrato. [19] En obras como Retrato de un hombre con turbante (1433), Jan van Eyck rompió esta tradición y utilizó el perfil de tres cuartos del rostro que se convirtió en el estándar en el arte holandés. Aquí, van der Weyden utiliza el mismo perfil, lo que le permite describir mejor la forma de la cabeza y los rasgos faciales del modelo. [20] Se la muestra de medio cuerpo, lo que permite al artista mostrar sus manos cruzadas a la altura de la cintura. [21] [22]
A pesar de esta nueva libertad, los retratos de mujeres de van der Weyden son sorprendentemente similares en concepto y estructura, tanto entre sí [3] como con los retratos femeninos de Campin. [nota 6] La mayoría son de tres cuartos de rostro y medio largo. Por lo general, colocan a sus modelos frente a un fondo oscuro que es uniforme y anodino. Si bien los retratos se destacan por su patetismo expresivo, [23] los rasgos faciales de las mujeres se parecen mucho entre sí. Esto indica que, aunque van der Weyden no se adhirió a la tradición de la representación idealizada, buscó complacer a sus modelos de una manera que reflejara los ideales de belleza contemporáneos. La mayoría de los retratos de van der Weyden fueron pintados por encargo de la nobleza; pintó sólo cinco (incluido Retrato de una dama ) que no eran retratos de donantes . [nota 7] [24] Se sabe que en su Retrato de Philip de Croÿ (c. 1460), van der Weyden felicitó al joven noble flamenco ocultando su gran nariz y su mandíbula inferior. [12] Al describir esta tendencia en relación con el retrato de Washington, el historiador de arte Norbert Schneider escribió: "Mientras van Eyck muestra la naturaleza 'en estado puro', por así decirlo, Rogier mejora la realidad física, civilizando y refinando la naturaleza y la forma humana. con la ayuda de un cepillo." [10] La alta calidad de la pintura se destaca en comparación con la pintura de taller muy similar de la Galería Nacional . El sujeto de Londres tiene rasgos más suaves y redondeados y es más joven y menos caracterizado individualmente que el c. Modelo 1460. La técnica también es menos sutil y fina en la obra de Londres. [25] Sin embargo, ambos comparten expresiones y vestimenta similares. [3]
Van der Weyden estaba más preocupado por la respuesta estética y emocional creada por las imágenes en general que por los retratos específicos. El historiador de arte y curador Lorne Campbell sugiere que la popularidad del retrato se debe más a la "elegante simplicidad del patrón que [la modelo] crea" que a la gracia de su representación. Si bien van der Weyden no se quedó dentro de los ámbitos tradicionales de la idealización, creó su propia estética, que extendió a sus retratos y cuadros religiosos. [26] Esta estética incluye el estado de ánimo de dolorosa devoción que forma el tono dominante en todos sus retratos. Sus figuras pueden ser más naturales que las de generaciones anteriores de artistas; sin embargo, su enfoque individualista a la hora de representar la piedad de sus modelos a menudo conduce al abandono de las reglas de escala. [13]
John Walker, ex director de la Galería Nacional de Arte, se refirió al tema como "extravagante", pero consideró que a pesar de la torpeza de sus rasgos individuales, la modelo era "extrañamente hermosa". [15] Cuando se completó la obra, Van der Weyden había eclipsado incluso a Van Eyck en popularidad, y esta pintura es típica de la espiritualidad austera, por encima de la sensualidad de este último, por la que van der Weyden es famoso. [27]
Aunque van der Weyden no tituló la obra y el nombre de la modelo no está registrado en ninguno de los primeros inventarios, [28] el estilo de su vestimenta se ha utilizado para ubicar la imagen en una etapa muy tardía de la carrera de van der Weyden. La C. La datación de 1460 se basa en el vestido de alta costura y la aparente posición cronológica de la obra en la evolución del estilo de van der Weyden. [29] Sin embargo, es posible que fuera ejecutado incluso más tarde (van der Weyden murió en 1464). [11]
El Retrato de una dama fue pintado sobre una sola tabla de roble con veta vertical y tiene un margen sin pintar a cada lado. El panel se preparó con yeso , sobre el cual luego se pintó la figura en monocromo. Luego se agregaron veladuras de pigmento al óleo, lo que permitió gradaciones tonales sutiles y transparentes. [15] La reflectografía infrarroja revela que van der Weyden no esbozó la obra en la pizarra antes de comenzar a pintar, y no hay evidencia de dibujo subyacente . Muestra que la dama fue retratada más esbelta antes de que se hicieran cambios a medida que avanzaba el trabajo; pintura de fondo aplicada espesamente subyace a parte del cinturón, lo que demuestra que la silueta original se ensanchó. Estos cambios también son visibles en las imágenes de rayos X. [1] Está en relativamente buenas condiciones, habiendo sido limpiado varias veces, la más reciente en 1980. Hay cierta pérdida de pintura en el velo, el tocado y la manga, y abrasión en la oreja. [30]
La procedencia de la pintura no está clara y existen dudas sobre a qué pintura se hace referencia en algunos de los primeros inventarios. Un príncipe de Anhalt , probablemente Leopold Friedrich Franz (m. 1817) de Wörlitz , cerca de Dessau , Alemania, lo ocupó a principios del siglo XIX, [29] [nota 8] después de lo cual es probable que haya pasado a Leopold Friedrich (m. 1871). La pintura fue prestada para su exhibición en 1902, cuando se exhibió en el Hôtel de Gouvernement Provincial de Brujas en la Exposition des primitifs flamands et d'art ancien . [31] Estuvo en manos de un duque de Anhalt hasta 1926, cuando lo vendió a los marchantes de arte Duveen Brothers . [32] Ellos a su vez lo vendieron ese año a Andrew W. Mellon . Fue prestado al año siguiente a la Royal Academy of Arts de Londres para una exposición que abarcaba seis siglos de arte flamenco y belga. [31] Mellon legó la obra a su Educational and Charitable Trust en 1932, que en 1937 la donó a la Galería Nacional de Arte [33] donde se encuentra en exhibición permanente.
![Robert Campin (c. 1375-1444), Retrato de una mujer joven, 1430-1435, National Gallery, Londres. El estilo de Van der Weyden se basó en el trabajo del maestro mayor.[34]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2f/Robert_Campin_012.jpg/1280px-Robert_Campin_012.jpg)
![Retrato de una joven de Petrus Christus, después de 1460, Museos Estatales de Berlín. La similitud se puede ver en los rasgos esculpidos y la expresión del modelo.[7]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/ce/Petrus_Christus_-_Portrait_of_a_Young_Woman_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Petrus_Christus_-_Portrait_of_a_Young_Woman_-_Google_Art_Project.jpg)
