Ruido en la música

En la música, el ruido es descrito como un sonido sin tono, indeterminado, descontrolado, estridente, no musical e indeseado.

En este sentido, incluso sonidos que pueden ser percibidos como musicalmente ordinarios, en un contexto diferente se vuelven ruido si interfieren con la recepción de un mensaje deseado por el receptor.

[5]​ El compositor y educador de la música R. Murray Schafer dividió al ruido en cuatro categorías: ruido indeseado, sonido no musical, cualquier sistema estridente, y una perturbación en cualquier sistema de señales.

La mayoría de las consonantes en el habla humana (por ejemplo, los sonidos f, v, s, z, la th que se pronuncia y la que no, la ch escocesa y alemana) se caracterizan por ruido distintivo, incluso las vocales no están completamente libres de ruido.

Los antiguos instrumentos requeridos proveían un ritmo claramente definido, particularmente la krotala (castañuelas con un sonido seco, sin resonancia) y el kymbala (similar a los crótalos).

Familias más acomodadas añaden caramillos (shehnai) a la percusión, mientras que la mayoría de las familias afluentes que también prefieren una imagen más moderna o elegante tal vez reemplacen al tradicional ensamble con una banda de metales.

Incluye tres géneros principales, todos enfocadas en el ritmo usando percusiones de tono indeterminado.

[20]​ Los cuerpos militares jenízaros de Turquía habían incluido desde el siglo XIV bandas llamadas mehter o mehterân, las cuales, como muchas otras primeras bandas militares en Asia, incluían una gran proporción de tambores, platillos, y gongs, junto con trompetas y chirimías.

Un mehterân completo podía incluir varios bombos, múltiples pares de platillos, pequeños timbales, triángulos, panderetas, y uno o más chinescos.

Incluso cuando no eran empleados instrumentos de percusión, ciertos "trucos" alla turca fueron usados para imitar estos efectos percusivos.

El ruidoso sonido, sin embargo, permaneció como un efecto sonoro especial, y no estaba integrado en la textura general de la música.

Su ejemplo fue rápidamente imitado por Justin Heinrich Knecht (Die durch ein Donerwetter [sic] unterbrochne Hirtenwonne, 1794), Michel Corrette (quién empleó un palo de madera en la pedalera y su codo en las notas más graves del teclado durante algunas improvisaciones), y también en obras compuestas por Guillaume Lasceux (Te Deum: "Judex crederis", 1786), Sigismond Neukomm (A Concert on a Lake, Interrupted by a Thunderstorm), Louis James Alfred Lefébure-Wély (Scène pastorale, 1867), Jacques Vogt (Fantaisie pastorale et orage dans les Alpes, ca.

[30]​ El compositor más notable del siglo XIX en usar tales clústers de órgano fue Giuseppe Verdi.

Sonidos que probablemente causarían ofensa en otros contextos musicales se vuelven aceptables por su función ilustrativa.

Con el tiempo, su efecto evocativo fue debilitado al mismo tiempo que se incorporaron de manera más general en contextos musicales abstractos.

[36]​ Sin embargo, antes del siglo XX, los instrumentos de percusión tenían un papel menor en la música orquestal y servían principalmente como puntuación, para resaltar pasajes, o por novedad.

La técnica es mejor conocida, sin embargo, por composiciones tardías de Arnold Schönberg, quien la introdujo para solos de voces en sus obras Gurrelieder (1900–11), Pierrot Lunaire (1913), la ópera Moisés und Aarón (1930–32), y para el coro en Die Glückliche Hand (1910–13).

Compositores tardíos que han usado de manera prominente este recurso son Pierre Boulez, Luciano Berio, Benjamin Britten (in la ópera Muerte en Venecia, 1973), Mauricio Kagel, y Wolfgang Rihm (en su ópera Jakob Lenz, 1977–78, entre otros trabajos).

Edgar Varèse retó los conceptos tradicionales de sonidos musicales y no musicales, y en lugar de ello incorporó sonoridades basadas en el ruido a su obras, a lo que él se refirió como "sonido organizado".

Karlheinz Stockhausen empleó ruido en sus composiciones vocales, como en Momente (1962–64/69), donde los cuatro coros aplauden, hablan, y arrastran sus pies, para mediar entre sonidos instrumentales y vocales así como también incorprar sonidos normalmente emitidos por la audiencia.

[55]​ Mientras que la guitarra eléctrica fue originalmente diseñada para ser simplemente amplificada y reproducir su sonido con mayor volumen,[56]​ los guitarristas rápidamente descubrieron las posibilidades creativas del uso del amplificador para modificar el sonido, particularmente con extremas configuraciones de los controles de tono y volumen.

[57]​ La distorsión fue producida al principio simplemente sobrecargando el amplificador para inducir clipping (distorsión de onda), resultando en un tono rico en armónicos y también en ruido, produciendo a su vez un rango dinámico de compresión y sustain (a veces destruyendo el amplificador).

[66]​ Otras técnicas usadas por Hendrix incluyen la distorsión, wah, fuzz, disonancia, y volumen estridente.

[68]​ Entre los músicos de jazz que incorporaron elementos de ruido, feedback y distorsión se encuentran Bill Frisell,[73]​ David Krakauer[74]​ Cecil Taylor,[75]​ Gábor Szabó,[76]​ Garnett Brown,[77]​ Grachan Moncur III,[77]​ Jackie McLean,[78]​ John Abercrombie,[79]​[80]​ John McLaughlin,[81]​ Joseph Bowie,[77]​ Larry Coryell,[80]​ McCo Tyner,[75]​ Ornette Coleman,[77]​ Pat Metheny,[82]​ Phil Minton,[77]​ Roswell Rudd,[77]​ y Scott Henderson.

[87]​ Radano encuentra la apariencia del "ruido negro" casi en todas partes en las "repeticiones transnacionales de la oposición rap", pero subraya que a pesar de su naturaleza global, el ruido negro aún se ajusta a las estructuras raciales estadounidenses.

[87]​ El grupo de hip hop Public Enemy en particular, ha sido notado por su uso del ruido en la música.

Entonces, diferentes sonidos fueron amalgamados, sin embargo, se tuvo cuidado en acariciar al oído con armonías gentiles.

[103]​ El ruido creado por los teléfonos móviles se ha vuelto una preocupación particular en presentaciones en vivo, particularmente en aquellas que son grabadas.

[105]​ Gobiernos como el del Reino Unido tienen procedimientos locales para lidiar con la contaminación acústica, incluyendo la música estridente.

[122]​ La banda My Bloody Valentine es conocida por su "legendario alto" volumen en conciertos,[123]​ y dice que el grupo Sunn O))) los supera.