Las lecciones de música son un tipo de instrucción formal para tocar un instrumento musical o cantar. Por lo general, un estudiante que toma lecciones de música se reúne con un profesor de música para sesiones de capacitación individuales que duran entre 30 minutos y una hora durante un período de semanas o años. Dependiendo de las lecciones que se impartan, los estudiantes aprenden diferentes habilidades relacionadas con los instrumentos utilizados. Los profesores de música también asignan ejercicios técnicos, piezas musicales y otras actividades para ayudar a los estudiantes a mejorar sus habilidades musicales. Si bien la mayoría de las lecciones de música son individuales (privadas), algunos profesores también enseñan a grupos de dos a cuatro estudiantes (lecciones semiprivadas) y, para una instrucción muy básica, algunos instrumentos se enseñan en lecciones grupales grandes, como el piano y la guitarra acústica. Desde la disponibilidad generalizada de Internet de alta velocidad y baja latencia, las lecciones privadas también pueden realizarse a través de un chat de video en vivo utilizando cámaras web , micrófonos y videotelefonía en línea.
Las lecciones de música son parte tanto de la instrucción musical amateur como de la formación profesional. En contextos de música amateur y recreativa, niños y adultos toman lecciones de música para mejorar sus habilidades de canto o interpretación instrumental y aprender técnicas básicas e intermedias. En contextos de formación profesional, como conservatorios de música, programas universitarios de interpretación musical (por ejemplo, Licenciatura en música , Máster en música , DMA , etc.), los estudiantes que aspiran a una carrera como músicos profesionales toman una lección de música una vez a la semana durante una hora o más con un profesor de música durante un período de años para aprender técnicas avanzadas de interpretación o canto. [1] Muchos intérpretes instrumentales y cantantes, incluidas varias celebridades de la música pop, han aprendido música " de oído ", especialmente en estilos de música folclórica como el blues y estilos populares como la música rock. Sin embargo, incluso en estilos folclóricos y populares, varios intérpretes han tenido algún tipo de lecciones de música, como reunirse con un entrenador vocal o recibir instrucción infantil en un instrumento como el piano.
En las clases de canto, los profesores muestran a los estudiantes cómo sentarse o pararse y respirar, y cómo posicionar la cabeza y la boca para un buen tono vocal. En las clases de instrumentos, los profesores muestran a los estudiantes cómo sentarse o pararse con el instrumento, cómo sostenerlo y cómo manipular los dedos y otras partes del cuerpo para producir tonos y sonidos del instrumento. En el caso de los instrumentos de viento y metal, el profesor muestra al estudiante cómo usar los labios, la lengua y la respiración para producir tonos y sonidos. En el caso de algunos instrumentos, los profesores también capacitan a los estudiantes en el uso de los pies, como en el caso del piano u otros instrumentos de teclado que tienen pedales de apagador o de sostenido en el piano, el teclado de pedales en un órgano de tubos y algunos tambores y platillos en la batería, como el pedal del bombo y el pedal del platillo hi-hat. Además de enseñar la digitación, los profesores también brindan otros tipos de instrucción. Un guitarrista clásico aprende a rasguear y puntear cuerdas; Los intérpretes de instrumentos de viento aprenden a controlar la respiración y la embocadura , y los cantantes aprenden a aprovechar al máximo sus cuerdas vocales sin lastimar la garganta ni las cuerdas vocales.
Los profesores también enseñan a los alumnos a adoptar una postura correcta para tocar con mayor eficacia y evitar lesiones. En todos los instrumentos, la mejor manera de mover los dedos y los brazos para lograr el efecto deseado es tocar con la menor tensión posible en las manos y el cuerpo. Esto evita la formación de hábitos que pueden lesionar el esqueleto y los músculos. Por ejemplo, al tocar el piano, la digitación (qué dedos poner en qué teclas) es una habilidad que se aprende lentamente a medida que el alumno avanza, y hay muchas técnicas estándar que un profesor puede transmitir.
Existen muchos mitos y conceptos erróneos entre los profesores de música, especialmente en la tradición clásica occidental, sobre la "buena" y la "mala" postura. Los estudiantes que descubran que tocar sus instrumentos les causa dolor físico deberían comunicárselo a sus profesores. Puede ser un riesgo potencialmente grave para la salud, pero a menudo se pasa por alto cuando se aprende a tocar un instrumento. Aprender a utilizar el propio cuerpo de una manera coherente con la forma en que está diseñada su anatomía para funcionar puede suponer la diferencia entre una lesión paralizante y una vida de disfrute. Muchos profesores de música advertirían a los estudiantes que no acepten la respuesta "sin dolor no hay ganancia" de su profesor de música ante una queja de dolor físico. Las preocupaciones sobre las lesiones relacionadas con el uso y la ergonomía de la musicalidad han ganado una mayor aceptación en los últimos años. Los músicos han ido recurriendo cada vez más a profesionales médicos, fisioterapeutas y técnicas especializadas en busca de alivio del dolor y prevención de lesiones graves. Existe una pluralidad de técnicas especiales para una pluralidad aún mayor de posibles dificultades. La Técnica Alexander es sólo un ejemplo de estos enfoques especializados.
Para comprender completamente la música que se está interpretando, el estudiante debe aprender los conceptos básicos de la teoría musical subyacente . Junto con la notación musical , los estudiantes aprenden técnicas rítmicas, como controlar el tempo , reconocer los compases y la teoría de la armonía , incluidos los acordes y las armaduras de clave . Además de la teoría básica, un buen profesor hace hincapié en la musicalidad , o cómo hacer que la música suene bien. Esto incluye cómo crear un tono bueno y agradable, cómo hacer el fraseo musical y cómo usar la dinámica (volumen y suavidad) para hacer que la pieza o canción sea más expresiva.
La mayoría de las lecciones de música incluyen alguna instrucción sobre la historia del tipo de música que el estudiante está aprendiendo. Cuando un estudiante está tomando lecciones de música clásica occidental, los profesores de música a menudo dedican algún tiempo a explicar las diferentes eras de la música clásica occidental, como la Era Barroca , la Era Clásica , la Era Romántica y la era de la música clásica contemporánea, porque cada era está asociada con diferentes estilos de música y diferentes técnicas de práctica de interpretación . La música instrumental de la era barroca se toca a menudo en la década de 2000 como piezas de enseñanza para estudiantes de piano, intérpretes de instrumentos de cuerda e intérpretes de instrumentos de viento. Si los estudiantes solo intentan tocar estas piezas barrocas leyendo las notas de la partitura, es posible que no obtengan el tipo correcto de interpretación. Sin embargo, una vez que un estudiante aprende que la mayoría de la música instrumental barroca estaba asociada con danzas, como la gavota y la zarabanda , y que la música para teclado de la era barroca se tocaba en el clavicémbalo o el órgano de tubos, un estudiante moderno es más capaz de comprender cómo se debe tocar la pieza. Por ejemplo, si a un violonchelista se le asigna una gavota que fue escrita originalmente para clavecín, esto le da al estudiante una idea de cómo tocar la pieza. Dado que es una danza, debe tener un pulso regular y claro, en lugar de un rubato cambiante de tempo al estilo de la era romántica. Además, dado que originalmente fue escrita para clavecín, un instrumento de teclado de sonido ligero en el que las cuerdas se pulsan con púas, esto sugiere que las notas deben tocarse de manera relativamente suave y con espacios entre cada nota, en lugar de en un legato sostenido y con cuerpo .
Aunque no es algo universalmente aceptado, muchos profesores enseñan a los alumnos a tocar de forma repetitiva ciertos patrones, como escalas , arpegios y ritmos . Las escalas se enseñan a menudo porque son los pilares de la melodía en la mayor parte de la música occidental. Además, existen estudios de flexibilidad, que facilitan físicamente la ejecución del instrumento. Los instrumentos de percusión utilizan rudimentos que ayudan en el desarrollo de patrones de baquetas, técnicas de redoble y otros pequeños matices como flams y drags.
Existen series de ejercicios para piano diseñados para estirar la conexión entre el cuarto y el quinto dedo, haciéndolos más independientes. Los músicos de viento metal practican ligaduras de labios , que son cambios no articulados en la embocadura entre parciales . Los músicos de viento madera (saxofón, clarinete y flauta) tienen una multitud de ejercicios para ayudar con las técnicas de lengüetado, la destreza de los dedos y el desarrollo del tono. Se han escrito libros enteros de estudios con este propósito.
Los profesores suelen asignar a los estudiantes piezas (o canciones para los estudiantes de canto) de dificultad creciente. Estas pueden incluir estudios , solos o repertorio de cámara . Además de usar piezas para enseñar varios rudimentos musicales (ritmo, armonía, tono, etc.) y enseñar los elementos de un buen estilo de interpretación (o canto), un buen profesor también inspira cualidades más intangibles, como la expresividad y la musicalidad. Las piezas (o canciones) pueden ser más agradables para los estudiantes que los ejercicios de teoría o escala, y generalmente se requiere un énfasis en el aprendizaje de nuevas piezas para mantener la motivación de los estudiantes. Sin embargo, el profesor no debe complacer demasiado el deseo de un estudiante de piezas "divertidas". A menudo, la idea del estudiante de música divertida son selecciones vocales populares, bandas sonoras de películas y canciones temáticas de programas de televisión, etc. Si bien algunas de estas piezas "divertidas" se pueden interpretar, también se deben seleccionar piezas por razones pedagógicas, como desafiar al estudiante y perfeccionar sus habilidades. Además, para que los alumnos tengan una formación completa, deben tocar muchos tipos de piezas de compositores y letristas de diferentes épocas, desde música renacentista hasta piezas del siglo XX y XXI. Un repertorio variado aumenta la comprensión y la habilidad musical del alumno.
Una medida popular de progreso, especialmente para los niños, es la evaluación externa del progreso del alumno mediante un examen regular . Varias juntas examinadoras evalúan a los alumnos en teoría o práctica musical. Estos están disponibles para casi todos los instrumentos musicales. Un método común para marcar el progreso son los exámenes calificados, por ejemplo, desde el grado 1 (principiante) hasta el grado 8 (listo para ingresar a estudios superiores en la escuela de música). [2] Algunos maestros prefieren otros métodos de establecimiento de objetivos para sus alumnos. El más común es el concierto del alumno, que brinda experiencia en tocar en público y bajo un cierto grado de presión, sin críticas directas o un sistema de calificación más o menos arbitrario. Otro es el sistema calificado de libros seguido por los maestros del método Suzuki , en el que se celebra la finalización de cada libro, sin un sistema de calificación o clasificación de los alumnos.
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Algunos estudios sugieren que las lecciones de música proporcionan a los niños importantes beneficios para el desarrollo, más allá del simple conocimiento o la habilidad de tocar un instrumento musical. Las investigaciones sugieren que las lecciones de música pueden mejorar la inteligencia y el rendimiento académico, desarrollar la autoestima y mejorar la disciplina. Un estudio reciente de la Fundación Rockefeller descubrió que los estudiantes de música tienen la tasa más alta de admisión a las escuelas de medicina, seguidos de bioquímica y humanidades. En las pruebas SAT , las puntuaciones medias nacionales fueron 427 en verbal y 476 en matemáticas. Al mismo tiempo, los estudiantes de música obtuvieron una media de 465 en verbal y 497 en matemáticas, 38 y 21 puntos más, respectivamente. [ cita requerida ] Sin embargo, la correlación observada entre la capacidad musical y la matemática puede ser inherente en lugar de adquirida. Además, es posible que la correlación entre tomar lecciones de música y la capacidad académica exista porque ambas están fuertemente correlacionadas con los ingresos y la educación de los padres. Incluso si las lecciones de música no tuvieran ningún impacto en la capacidad académica, uno esperaría ver una correlación entre las lecciones de música y la capacidad académica. Un artículo de Inc.com titulado "Los beneficios de tocar música ayudan al cerebro más que cualquier otra actividad" dice que los estudios muestran que aprender a tocar un instrumento musical expande la capacidad de las células neuronales en numerosas áreas del cerebro. [3] También refuerza los vínculos de largo alcance entre ellas. Incluso más investigaciones muestran que la pedagogía musical puede amplificar la memoria verbal, el razonamiento espacial y las habilidades de alfabetización.
Sin embargo , las habilidades aprendidas a través de la disciplina de la música pueden transferirse a habilidades de estudio , habilidades de comunicación y habilidades cognitivas útiles en cada parte de los estudios de un niño en la escuela. Un estudio en profundidad de la Universidad de Harvard encontró evidencia de que el razonamiento espacio-temporal mejora cuando los niños aprenden a hacer música, y este tipo de razonamiento mejora temporalmente cuando los adultos escuchan ciertos tipos de música, incluido Mozart. [4] Este hallazgo (llamado el efecto Mozart ) sugiere que la música y el razonamiento espacial están relacionados psicológicamente (es decir, pueden depender de algunas de las mismas habilidades subyacentes) y quizás también neurológicamente. Sin embargo, ha habido una considerable controversia sobre esto ya que los investigadores posteriores no han podido reproducir los hallazgos originales de Rauscher (por ejemplo, Steele, Bass y Crook, 1999), cuestionaron tanto la teoría como la metodología del estudio original (Fudis y Lembesis 2004) y sugirieron que los efectos potenciadores de la música en los experimentos se han debido simplemente a un mayor nivel de excitación (Thompson, Schellenberg y Husain, 2001).
También se ha informado en la literatura sobre la relación entre la música y el fortalecimiento de las habilidades en matemáticas , danza, lectura , pensamiento creativo y artes visuales (Winner, Hetland, Sanni, como se informó en The Arts and Academic Achievement – What the Evidence Shows , 2000). Sin embargo, los hallazgos recientes del Dr. Levitin de la Universidad McGill en Montreal, Canadá, socavan la conexión sugerida entre la capacidad musical y las habilidades matemáticas superiores. En un estudio realizado en pacientes con síndrome de Williams (un trastorno genético que causa baja inteligencia), descubrió que, aunque su inteligencia era la de los niños pequeños, aún poseían un nivel inusualmente alto de capacidad musical.
La pedagogía y la enseñanza de las clases de música (también conocidas como música de estudio o música aplicada) tienen muchas influencias y aspectos. Tanto los métodos de enseñanza como el contenido de las clases de música deben variar un poco según el nivel del estudiante, los objetivos de las lecciones, la edad del estudiante y el contexto de instrucción. [5] La relación interpersonal entre el estudiante y el profesor es otro elemento importante de la pedagogía de la música de estudio. Otros factores importantes para los resultados de los estudiantes incluyen cómo se comunican los instructores, sus habilidades para enseñar, cómo organizan sus lecciones y cuán flexibles son para hacer ajustes. [6] Algunos profesores también consideran la proximidad física y la energía como aspectos importantes de la enseñanza musical. [7]
Los profesores de clases de estudio suelen adoptar diferentes enfoques y filosofías pedagógicas. Se pueden clasificar dos grandes filosofías de enseñanza: el enfoque de transferencia y el enfoque transformador. El enfoque de transferencia se basa principalmente en el rendimiento y los resultados. Los objetivos más importantes de la lección se limitan a la calidad técnica de la interpretación musical. El enfoque transformador , en cambio, tiene sus raíces en la filosofía educativa constructivista y no solo se ocupa de la técnica y la ejecución musical, sino también del aprendizaje basado en la persona y los procesos artísticos. Estos dos enfoques muestran que la técnica musical no es necesariamente el único objetivo de la enseñanza de las clases de música. [8]
Los instructores exitosos suelen ser deliberados y claros, explican las estrategias de práctica en detalle, tienen en cuenta las necesidades emocionales de los estudiantes y elevan las expectativas de desempeño a largo plazo para sus estudiantes. [9] Las necesidades, fortalezas y desafíos específicos del estudiante también pueden influir en la elección pedagógica del maestro. Los estudiantes de alto rendimiento pueden ser adecuados para estrategias sin modificaciones, mientras que los estudiantes intermedios pueden beneficiarse de las modificaciones. Por ejemplo, un maestro de estudio centrado en un aspecto específico de la música y que busca un alto rendimiento en un área puede aceptar momentáneamente un nivel de desempeño más bajo en otros aspectos que no están relacionados con el objetivo principal.
Comprender las perspectivas de sus estudiantes ayuda a los profesores de música a apoyarlos. Una preocupación principal para cualquier instructor de música es la motivación de los estudiantes para el aprendizaje a largo plazo de un instrumento. La motivación de los estudiantes se relaciona con la forma en que los estudiantes de todas las edades desarrollan el deseo de estudiar instrumentos musicales, cómo y cuánto valoran el aprendizaje, qué influye en su persistencia/intensidad de estudio y la autopercepción del estudiante del éxito o el fracaso. La motivación es un prerrequisito para el desarrollo de conductas adaptativas por parte de los estudiantes que aumentan el éxito en las metas personales. Relevantes para la motivación son la teoría de la expectativa-valor , los constructos de autoeficacia , la teoría del flujo , la teoría de la atribución y los patrones motivacionales de dominio . El aprendizaje musical también está influenciado socialmente por los maestros, los padres y otros. [10]
La práctica por parte del alumno es otro aspecto integral del aprendizaje musical a través de las lecciones de música. La práctica del alumno a menudo no está supervisada y suele tener lugar fuera de la lección. Los instructores suelen centrarse en enseñar a los alumnos a practicar utilizando métodos como aumentar el tempo de una pieza de lento a más rápido, analizar piezas, marcar o anotar la música, establecer objetivos de práctica, practicar en sesiones más cortas y frecuentes y utilizar un metrónomo . Los profesores pueden influir en los alumnos mediante la demostración de métodos de práctica o descripciones verbales, aunque la demostración suele ser más eficaz. [11]
Las clases de música son una parte importante de los programas de grado en interpretación musical y educación musical en la educación superior . Tanto los estudiantes de educación musical como los de interpretación pueden esperar dar clases de música en sus carreras musicales. Los estudiantes se benefician de cursos que enseñan métodos de enseñanza en el estudio, les permiten practicar técnicas de enseñanza, participar en la autorreflexión y refinar su pedagogía. [5]
