Una plaqueta ( francés: [plakɛt] ; 'placa pequeña') es una pequeña escultura en bajo relieve realizada en bronce u otros materiales. Fueron populares en el Renacimiento italiano y posteriormente. Pueden ser conmemorativos, pero especialmente en los períodos del Renacimiento y del Manierismo se hacían a menudo con fines puramente decorativos, con escenas a menudo repletas de fuentes religiosas, históricas o mitológicas. Sólo un lado está decorado, dando el principal punto de distinción con la medalla artística , donde normalmente se encuentran decorados ambos lados. [2] La mayoría son rectangulares o circulares, pero se encuentran otras formas, como en el ejemplo ilustrado. Los tamaños típicos varían desde aproximadamente dos pulgadas hasta aproximadamente siete de lado, o como diámetro, siendo el extremo más pequeño o el medio de ese rango el más común. "Normalmente caben en la mano", como dice Grove . [3] En el extremo más pequeño se superponen con medallas, y en el más grande comienzan a llamarse placas .
La forma comenzó en la década de 1440 en Italia, pero se extendió por Europa en el siglo siguiente, especialmente en Francia, Alemania y los Países Bajos. Alrededor de 1550 había dejado de estar de moda en Italia, pero las plaquetas francesas estaban entrando en su mejor período, y allí y en Alemania continuaron siendo populares hasta el siglo XVII. La forma continuó fabricándose en un nivel bajo, con una especie de resurgimiento a partir de 1850. [4] Siempre han estado estrechamente relacionados con la medalla, y muchos premios hoy en día tienen forma de plaquetas, pero las plaquetas estaban menos restringidas en su tema que la medalla, y permitió al artista más libertad.
El propósito y uso de las plaquetas decorativas fue evidentemente variado y sigue siendo algo confuso; su creación y uso está relativamente mal documentado. Algunos estaban montados en muebles, cajas u otros objetos como lámparas, y muchos ejemplos tienen agujeros para colgar en las paredes, añadidos posteriormente. Otros ejemplares tienen tres o cuatro agujeros, para sujetarlos en un engaste. Se podían colocar temas religiosos en un par o en un conjunto en las puertas de los tabernáculos , y muchos se usaban para paxes , a veces después de darles un marco. Algunas formas fueron diseñadas para funciones particulares, como decorar empuñaduras de espadas, aunque quizás no todas las copias realizadas se utilizaron de esta manera. Otros estaban enmarcados para colgarlos, pero muchos probablemente simplemente se guardaron y exhibieron sueltos, tal vez apoyados en un estante o escritorio, o en cajones o cajas. Muchas imágenes muestran signos de desgaste. Las imágenes devocionales probablemente se llevaban a menudo en el bolsillo, una costumbre que se volvió común con los crucifijos en Florencia después de una plaga en 1373. [5] Una gran parte del mercado probablemente estaba formada por otros artistas y artesanos que buscaban modelos para otras formas. [6] Las encuadernaciones de plaquetas son encuadernaciones de cuero que incorporan moldes de plaquetas en yeso , [7] a menudo de diseños que también se encuentran en metal.
También se coleccionaron plaquetas y, en particular, los ejemplos del siglo XVI suelen estar llenos de figuras, lo que dificulta la lectura de las escenas. Se aprecian mejor cuando se sostienen en la mano cerca de una buena fuente de luz y probablemente se pasaban de mano en mano cuando se mostraba una colección a otros conocedores. La dificultad de leer las escenas y la elección a menudo oscura de los temas sugieren que una muestra consciente de conocimiento clásico era parte de su atractivo, tanto para coleccionistas como para artistas. Eran uno de los tipos de objetos que se encontraban a menudo en el ambiente (normalmente masculino) del estudio y gabinete de curiosidades , junto con otras formas pequeñas como monedas clásicas y gemas grabadas. [8]
Los artistas que los realizaban solían ser bien escultores en bronce, realizando también pequeñas figuras y objetos como tinteros, bien orfebres , que a menudo ejercían en el campo afín del grabado . Eran relativamente baratos y transportables, y pronto se difundieron ampliamente por toda Europa, ofreciendo a los artistas la oportunidad de mostrar su virtuosismo y sofisticación y promocionarse más allá de su propia ciudad. Los mismos factores, combinados con su moderna exhibición detrás de un cristal, hacen que hoy en día sean relativamente poco apreciados. En ocasiones, los moldes también se reutilizaban a distancias considerables de su momento y lugar de creación, o se elaboraban nuevos moldes a partir de una plaqueta. [9] Las plaquetas alemanas del siglo XVII todavía se utilizaban como modelos para platería en el Londres Regency . [10]
Las plaquetas, al igual que los grabados , jugaron un papel importante en la difusión de estilos y tendencias en la iconografía, especialmente en los temas clásicos. Se conservan algunos dibujos de diseños de plaquetas; otros copiaron grabados, ilustraciones de libros y diseños en otros medios, incluidas esculturas y gemas grabadas clásicas . En Alemania se pueden fabricar modelos en madera o piedra caliza. A menudo se hacían en conjuntos, que ilustraban una historia o en un conjunto de figuras. [11]
Al igual que con las medallas, las plaquetas renacentistas normalmente se fabricaban utilizando la técnica de fundición a la cera perdida , y presumiblemente normalmente se hacían numerosas copias, aunque muchas ahora solo sobreviven en una copia única, y tal vez nunca tuvieron otras. La calidad de las piezas fundidas individuales puede variar considerablemente, y el tiempo y la ubicación de las piezas fundidas individuales del mismo molde pueden variar considerablemente. Se puede demostrar que algunos diseños tuvieron diferentes generaciones de moldes hechos a partir de moldes. La mayoría son de bronce, pero también se encuentran plata y oro, macizos o chapados y dorados , además de otros metales. A menudo también existen plaquetas con copias en metales preciosos en copias en bronce. [12]
A principios del siglo XVI en Nuremberg , que era el principal centro alemán, [13] las plaquetas, al igual que otros tipos de objetos de metal, a menudo se fabricaban en el material relativamente plebeyo del latón , incluso por artistas destacados como la familia Vischer y Peter Flötner . [14] El plomo también se utilizó, especialmente en piezas fundidas alemanas destinadas a modelos artesanales más que a coleccionistas. [15] A partir del siglo XIX también se utilizó hierro fundido, especialmente en Alemania. En Italia también se utilizó plomo para un yeso de prueba inicial. Normalmente, las piezas fundidas no se trabajaban mucho más con herramientas, más allá del pulido y, a menudo, de darles una pátina artificial . [dieciséis]
La palabra plaquette es una invención del siglo XIX del historiador del arte francés Eugene Piot. Los bronces del Renacimiento. Les Plaquettes de Émile Molinier de 1886 fue el primer gran estudio, y estos dos juntos definieron la forma tal como se entiende hoy. [17] Para los italianos del Renacimiento, las plaquetas eran conocidas, junto con otros tipos similares de objetos, por una variedad de términos algo vagos como piastra y medaglietti , [18] rilievi , [19] o modelli . [20]
Las plaquetas surgieron de dos orígenes italianos bastante diferentes. En Roma, en las décadas de 1440 y 1450, comenzaron como una forma de reproducir los diseños de gemas grabadas clásicas, tomando una impresión de cera de ellas. El veneciano Pietro Barbo (1417-1471) se convirtió en cardenal cuando su tío fue elegido Papa Eugenio IV en 1431. Se convirtió en un entusiasta pionero de esta forma, manteniendo una fundición en su nuevo Palazzo Venezia y quizás participando él mismo en la fundición. [21] Estas plaquetas tenían el mismo tamaño pequeño y el mismo tema clásico que las gemas que replicaban.
Casi al mismo tiempo, los artistas del norte de Italia comenzaron a hacer plaquetas, a menudo mucho más grandes y con temas religiosos. Padua , que ya era un importante centro metalúrgico, es considerada por muchos historiadores como el lugar crucial. [22] Dos obras significativas, que no son típicas de ejemplos posteriores, fueron el autorretrato de cabeza de Leon Battista Alberti , ovalado y de 20 cm de alto, [23] y una Virgen con el Niño circular con amorcillos, un poco más grande, de Donatello ( Museo de Victoria y Alberto). , Londres). Esto siguió siendo muy inusual porque el reverso es cóncavo y repite el diseño. Otros relieves religiosos de mayor tamaño de Donatello fueron copiados o adaptados en un formato de plaqueta más pequeño por otros artistas, incluido probablemente su propio taller. [24] Estos surgieron de un contexto más amplio de pequeñas imágenes religiosas que representaban versiones producidas en masa para las clases medias del arte religioso más grande y único hecho para los ricos y para las iglesias. [25] También en la década de 1440, Pisanello estaba estableciendo el género de la medalla retrato de doble cara, seguido por Matteo de' Pasti y otros. En las últimas décadas del siglo se producían medallas y plaquetas en la mayoría de los centros artísticos del norte de Italia. [26]
Entre los artistas posteriores importantes se encuentran Moderno (ya que firmó muchas de sus obras), que muy probablemente fue Galleazzo Mondella, un orfebre de Verona registrado en Roma alrededor de 1500. Unas 45 plaquetas están firmadas o atribuidas a él (y casi ninguna medalla), y Varios miembros de su taller han sido identificados por sus estilos. [27] Andrea Riccio , [28] Giovanni Bernardi , [29] Francesco di Giorgio Martini , Valerio Belli , [30] y Leone Leoni , [31] se encuentran entre los artistas a los que se les puede atribuir un nombre claro. Muchos maestros importantes no identificados no reciben nombres de los historiadores del arte, como Moderno y el Maestro IO.FF, quienes a menudo firmaban sus obras. Belli y Bernardi fueron los líderes en la lujosa forma de pequeños calcografiados grabados en cristal de roca , y varios de ellos fueron reproducidos en forma de plaqueta alrededor de 1520-1540, algunos moldeados a partir de impresiones de cera extraídas de los cristales. [32] Riccio también fue escultor de pequeños bronces, y sus plaquetas tendían a tener un relieve relativamente alto. Tenía un gran taller y muchos seguidores. [33]
La producción alemana comenzó en Nuremberg, alrededor de 1500, pero hacia 1600 Augsburgo era el centro principal. Los ejemplos alemanes tendían a extraer sus diseños de impresiones y, a su vez, se reutilizaban con frecuencia en otros medios y quizás con mayor frecuencia se producían principalmente como modelos para otros oficios. La reutilización repetida de moldes y su distribución lejos del lugar de fabricación son especialmente típicos de las plaquetas del sur de Alemania. Los artistas involucrados son aún menos conocidos que en Italia. [34] La producción duró hasta bien entrado el siglo XVII, cuando se vio involucrada en el " renacimiento de Durero ", y varios de sus grabados se convirtieron en plaquetas. [35]
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A partir de 1550 se produjeron plaquetas más al norte, inicialmente más influenciadas por Alemania que por Italia. Entre los artistas (a menudo hugonotes en Francia) se encontraban Étienne Delaune , que vivía principalmente en Estrasburgo , y François Briot de Lorena . François Duquesnoy, de Bruselas , trabajó como escultor en Roma desde 1618 e influyó en las plaquetas flamencas. [36]
La forma experimentó un pequeño resurgimiento en el siglo XIX; Los ejemplos de este período suelen ser bastante más grandes que los del Renacimiento. Artistas como, en América, Augustus Saint-Gaudens y Emil Fuchs realizaron plaquetas con retratos conmemorativos de personajes como León Tolstoi y Mark Twain (ambos de Saint-Gaudens). [37] Especialmente en Francia y Alemania, las plaquetas conmemorativas para la industria y las instituciones involucraban una amplia gama de temas contemporáneos. Varios artistas produjeron ejemplos simplemente porque se sintieron atraídos por la forma o la posibilidad de llegar a un mercado más amplio. Varios premios regulares otorgados por instituciones eligieron la forma de plaqueta, aunque a menudo conservan "medalla" en el nombre del premio. La circular denominada "penique de la muerte" (la placa conmemorativa ), acuñada en el Reino Unido después de la Primera Guerra Mundial, es un gran ejemplo conmemorativo del siglo XX.
Muchos museos importantes tienen colecciones a las que no siempre se les da cabida en las galerías. La Galería Nacional de Arte de Washington DC, a pesar de ser esencialmente una colección de pinturas, tiene lo que se reconoce como la mejor colección individual, especialmente de obras del Renacimiento italiano, que incluye más de 450 plaquetas [38] y está muy bien expuesta en el suelo. piso. [39]
La colección de medallas, plaquetas y pequeños bronces de Washington incluye la principal colección francesa reunida por Gustave Dreyfus (1837-1914), que fue comprada por Samuel H. Kress (1863-1955). En 1945, la Fundación Kress añadió más de 1.300 bronces recopilados por el comerciante de arte británico Lord Duveen y donó toda su colección al museo en 1957. Joseph E. Widener ya había donado al museo una colección significativa en 1942. [40]
La Colección Wallace de Londres tiene una exposición bastante más pequeña, al igual que el Museo Victoria and Albert , el Cabinet des médailles de París, el Museo Hermitage , el Ashmolean de Oxford y varios museos alemanes, aunque la destacada colección de Berlín se perdió en Segunda Guerra Mundial. [41] No se exhibe gran parte de la importante colección del Museo Británico , ni tampoco la de los Museos Vaticanos .
El Bargello de Florencia tiene unas 400 plaquetas, aproximadamente la mitad de la colección de la familia Medici , que desempeñó un papel importante en el desarrollo de la forma. La mayor parte del resto procede de la colección de Louis Carrand, quien lo legó a Florencia. Después de la de Drefus, esta es la siguiente colección más importante reunida en París en el siglo XIX y aún intacta. París era entonces el centro del coleccionismo de plaquetas. [42]
