La pintura sobre corteza es una forma de arte aborigen australiano que consiste en pintar sobre el interior de una tira de corteza de árbol . Si bien se encontraron ejemplos de refugios de corteza pintada en los estados del sudeste (entonces colonias) de Tasmania , Victoria y Nueva Gales del Sur en el siglo XIX, así como más tarde en refugios de corteza en el norte de Australia, en la actualidad solo se encuentra como una forma continua de expresión artística en Arnhem Land y otras regiones del extremo superior de Australia, incluidas partes de la región de Kimberley en Australia Occidental .
Las pinturas sobre corteza se producían tradicionalmente (especialmente entre los pueblos Yolngu ) con fines instructivos y ceremoniales y eran objetos transitorios. Hoy en día, son muy buscadas por coleccionistas e instituciones de arte público.
La pintura sobre la corteza seca arrancada de los árboles, utilizando ocres , es una antigua tradición. El primer hallazgo europeo fue en un refugio de corteza sobre una tumba en Tasmania alrededor de 1800, registrado por el artista francés Nicolas-Martin Petit , que viajó con Nicolas Baudin a Tasmania entre 1800 y 1804. Otros refugios de corteza pintados se encontraron más tarde en Victoria y Nueva Gales del Sur. Estos fueron dibujados con carbón y luego pintados o rayados sobre la corteza que había sido ennegrecida por el humo. [1] Las primeras pinturas en corteza que sobreviven datan del siglo XIX, un ejemplo de las cuales es un grabado en corteza de una cacería de canguros ahora en el Museo Británico , que fue recolectado cerca de Boort en el norte de Victoria por el explorador británico John Hunter Kerr . [2] Otro ejemplo, pintado antes de 1876, se conserva en el Museo de Victoria . [1]
En Kimberley y Arnhem Land, las pinturas sobre los refugios de corteza eran similares en estilo a las realizadas en los refugios de roca , que ilustraban varias historias contadas a los jóvenes cuando la gente estaba confinada en los refugios durante largos períodos durante la estación húmeda . [1] Los ataúdes y cinturones de corteza se pintaron en el noreste de Arnhem Land, y también se usaron cestas de corteza pintadas en rituales de muerte en las islas Tiwi . [1]
La forma moderna de las pinturas sobre corteza comenzó cuando se encargaron obras a artistas yolngu. En 1912, Baldwin Spencer encargó pinturas sobre corteza en Gunbalanya (Oenpelli) , y pronto los coleccionistas quisieron comprar más como estas. [1] Spencer buscó pinturas en función del mérito artístico y estético, y proporcionó ejemplos al Museo de Victoria . Muchos de los nombres de estos primeros artistas ya no se conocen. [3] Los misioneros comenzaron a alentar la producción de estas pinturas para la venta, para ayudar a financiar las misiones, así como para educar a los australianos blancos sobre la cultura yolngu: [4] desde finales de la década de 1920, el reverendo Thomas Theodor Webb en Milingimbi y, desde 1935, el reverendo W. Chaseling en Yirrkala . [1]
Desde la década de 1930 hasta la de 1950, los principales coleccionistas de pinturas en corteza fueron antropólogos y misioneros, entre ellos Norman Tindale en Groote en 1922, W. Lloyd Warner , Charles P. Mountford , Ronald y Catherine Berndt , WEH Stanner y Karel Kupka. [1]
La demanda de las pinturas aumentó durante la década de 1960, vendiéndose principalmente a través de tiendas de misiones. [1] En 1963, las peticiones de corteza de Yirrkala , que eran documentos escritos en corteza, se presentaron al Parlamento australiano , convirtiéndose en el primer reconocimiento documental de los australianos indígenas en la ley australiana. Las peticiones afirmaban que el pueblo Yolngu poseía tierras sobre las cuales el gobierno federal había otorgado derechos mineros a una empresa privada, Nabalco . [5]
En 1971, el gobierno federal estableció una empresa de comercialización centralizada y, a partir de 1973, la Junta de Artes Aborígenes del Consejo de Australia otorgó fondos a las comunidades para establecer centros de arte comunitarios y contratar asesores artísticos. A partir de la década de 1970, Maningrida , Ramingining y Katherine se desarrollaron como centros de comercialización de pinturas en corteza. [1] Hoy en día, la mayoría de las pinturas en corteza se producen para el mercado del arte, aunque algunos artistas aún producen diseños tradicionales. [6]
Las pinturas de corteza se basan en diseños sagrados que incluyen patrones y diseños abstractos (como tramas cruzadas en colores particulares) que identifican a un clan, y también suelen contener elementos del Tiempo del Sueño eterno . A veces, los elementos de una historia son obvios (como hombres o animales), pero otras veces los elementos son simbólicos. Lo que parece al turista como una serie de líneas onduladas puntuadas por puntos puede en realidad estar contando una compleja historia de Sueño que describe el camino de un espíritu creador y los eventos que sucedieron a lo largo del camino.
A un hombre o una mujer no iniciados sólo se les permite pintar historias "externas", el tipo de historias que podrían contarse a un niño. Un hombre iniciado puede pintar una historia "interior", que es de conocimiento restringido. Así, un cuadro puede exhibirse en una exposición o ponerse a la venta, pero el artista, aunque tiene derecho a pintar la historia, no tiene derecho a contársela a otra persona. Alternativamente, la historia detrás del cuadro puede ser una que no se le pueda contar a una persona no iniciada. [4]
Las personas no indígenas que, como Howard Morphy [4] , han pasado años estudiando el tema, aún tienen una visión ajena y se basan en analogías. La lengua y la cultura Yolngu tienen palabras y conceptos que son desconocidos para las culturas no indígenas, lo que dificulta la comprensión de la forma de arte. La siguiente explicación solo describe los aspectos físicos.
Una pintura de corteza consta de varios componentes, no todos los cuales pueden estar presentes en una pintura individual, y que generalmente se aplican en el siguiente orden:
En todos los casos, la corteza se cubre previamente con una capa de ocre, que suele ser roja o blanca, ocasionalmente amarilla o negra. [6]
El borde, si lo hay, suele ser amarillo (que tiene su origen en un diseño del clan Yirrkala). Las pinturas a veces se dividen en secciones conocidas como bloques de características, que presentan historias independientes o escenas de una historia. [6]
Los diseños figurativos se asemejan a un objeto o ser real (o mitológico). Por lo tanto, un diseño figurativo de una zarigüeya se asemeja a una zarigüeya, en lugar de ser un símbolo abstracto de una zarigüeya, que solo es reconocible para alguien familiarizado con este simbolismo. La mayoría de las pinturas de corteza disponibles comercialmente contienen diseños figurativos reconocibles que a menudo cuentan una historia tradicional. [7]
Los símbolos geométricos son símbolos representativos y su significado depende a menudo del contexto y de quién pintó el cuadro. El mismo símbolo también puede tener diferentes significados. Por ejemplo, un círculo puede representar un pozo de agua, un campamento, una estera, una fogata, una nuez o un huevo, según el contexto. [6] La cultura Yolngu tiene una visión holística del mundo, en la que estos significados pueden no ser tan diferentes después de todo. Morphy da el ejemplo de un círculo y una línea, que a un no iniciado se le dice que representa un "pozo de agua de canguro", y representa un pozo de agua con un arroyo que corre hacia él. En una ceremonia posterior, cuando dice que sabe que es un pozo de agua de canguro, se le dice "Ese pozo de agua lo hizo el viejo canguro cavando en el suelo con su cola para hacer un pozo de agua, usando su cola como un palo para cavar". Más tarde, se le cuenta una historia aún más compleja que involucra a una canguro hembra. (Véase Morphy para la historia detallada. [4] )
A diferencia de los componentes anteriores de la pintura, los diseños de clan son sagrados y en un principio no aparecían en pinturas públicas, aunque hoy en día se pueden ver en pinturas comerciales. Un diseño de clan puede consistir en una combinación de símbolos, diseños geométricos y tramas cruzadas. Un símbolo de clan, por ejemplo, consiste en una serie de diamantes entrelazados pintados en colores particulares, mientras que otro incluye símbolos de una "bolsa de azúcar" (miel silvestre). Una persona Yolngu puede identificar inmediatamente el clan y la mitad del pintor a partir de ese diseño, que luego también proporciona un contexto adicional para interpretar el simbolismo de los diseños geométricos.
El rayado cruzado, o rarrk , es quizás una de las características más distintivas del arte Yolngu del noreste de Arnhem Land . Se dibujan líneas finas paralelas muy espaciadas que se cruzan entre sí. Tradicionalmente, se hace sobre corteza, utilizando hierba, aunque los artistas también utilizan la técnica sobre materiales de arte moderno y casi siempre se utilizan pinceles. [8] Los artistas que utilizan la técnica rarrk a menudo mezclan temas o influencias tradicionales, utilizando los colores tradicionales, restringidos al blanco y negro y al ocre rojo y amarillo . [9] Muchos artistas Kunwinjku también emplean rarrk, [10] incluidos John Mawurndjul [11] y Peter Marralwanga . [12]
Un subestilo del rarrk, conocido como arte de rayos X , muestra parte de los órganos internos de los animales en la pintura. [8] [10] [6]
El contenido representado por la pintura suele ser una historia tradicional de sueños o un mapa. A veces serán ambas cosas, porque las historias y canciones ancestrales a menudo hacen referencia a los caminos de los antepasados de la creación a medida que viajan por la tierra (ver líneas de canciones ). Morphy da un ejemplo de una pintura que representa un viaje ancestral particular, pero también muestra dónde se construyó una pista de aterrizaje.
Las pinturas rupestres de Kimberley, en Australia Occidental, son muy similares al arte rupestre de esa región: principalmente, representaciones de los seres creadores Wandjina asociados con las tormentas eléctricas de la estación húmeda. Se trata de rostros grandes con tocados de rayas, sin muchos otros detalles corporales. [1]
Las pinturas de corteza de Port Keats/Wadeye, en el noroeste del Territorio del Norte, combinan imágenes figurativas (como las que se encuentran en el este de Kimberley y en la Tierra de Arnhem) y patrones geométricos relacionados con los estilos de arte del desierto. [1]
Los tiwis de las islas Bathurst y Melville pintan diseños coloridos no figurativos con trazos cruzados y puntos. También se pintan diseños similares en cestas de corteza ( tungas ), esculturas talladas en madera de hierro y otros elementos de la cultura material relacionados con ceremonias mortuorias. [1]
Las obras de Groote Eylandt son distintivas, con figuras pintadas sobre un fondo negro, y también suelen representar los barcos conocidos como prau utilizados por los trepangers de Makassan . [1]
Según Wally Caruana, ex curador principal de las colecciones de arte aborigen y de las islas del Estrecho de Torres en la Galería Nacional de Australia , las imágenes de las pinturas de corteza son muy similares en toda la Tierra de Arnhem, con algunas diferencias: [3]
Los diseños de la zona central y oriental de Arnhem Land se vinculan con sus pinturas corporales y diseños ceremoniales. [1]
Los elementos más básicos para realizar obras de arte con corteza son pintura, pinceles, corteza, fijador y fuego.
El material de elección es la corteza de Eucalyptus tetradonta . La corteza debe estar libre de nudos y otras imperfecciones. Es mejor cortarla del árbol en la estación húmeda, cuando la savia sube. Se hacen dos cortes horizontales y uno vertical en el árbol y se quita la corteza con cuidado con la ayuda de una herramienta afilada. Solo se conserva la corteza lisa interior y se coloca en el fuego. Después de calentarla en el fuego, se aplana la corteza bajo los pies y se le colocan piedras o troncos para que se seque en forma plana. Una vez seca, está lista para pintar.
Se utilizan pigmentos de tierra u ocres de color rojo, amarillo y negro, óxidos minerales de hierro y manganeso y arcilla blanca o carbonato de calcio. Los ocres se pueden fijar con un aglutinante como cola blanca o, previamente, con savia o jugo de plantas como bulbos de orquídeas.
Una vez terminada la pintura, se entablilla la corteza en ambos extremos para mantenerla plana. Se añade un fijador, tradicionalmente jugo de orquídea, por encima.
Entre los pintores de corteza más destacados se incluyen:
Reproducir con autorización de la Enciclopedia de la Australia aborigen .
